Laura Gaiger

    What is your expression ? 
    I paint, and usually on a large scale. I experiment with what I can make paint out of and what I can do with it. I frame my works as landscape painting, even though they don’t look like that at first sight. I’m interested in people, and the social history to be found in the landscape. I also engage with the performative and contextual aspects of painting, often making the circumstances around the painting a part of the work, whether that be the difficulty of installing a painting as a tent in the woods, or moving on a sailing boat, or paintings that are activated by being walked on.

    What inspires you?
    Books which challenge my received understanding of history. I have been reading recently about the roots of environmentalism, particularly national parks and their entanglement with colonialism. I’m interested when I land on a story or a motif which encapsulates something very contradictory about human narratives and histories. Things which reveal how the categories we impose on the world around us dysfunction, how they can limit our understanding. I have just been reading about the Peasant’s Revolt in England, in the 1380s; I am working on a show near Blackheath in London, an area which has historic links to many English revolts and rebellions. I also quite often have a purely formal idea which I want to try out. My paintings are led by compositional problems, composition is what gets me excited. I return constantly to paintings of the 15th century for instruction. Right now I am looking through a book of van Eyck paintings and I’m fixated by a detail of the Ghent altarpiece from the central panel, the crowd of female martyrs. I was lucky to see so much fantastic painting as a teenager in the public galleries in the UK. Thomas Gainsborough’s Mr and Mrs Andrews might have started off my interest in landscape painting and its politics. Now when I go back I look at The Nativity by Piero della Francesca: I am fascinated by the minuscule plants, the strange perspective of it and the empty space in the bottom left corner.

    How would you describe your art? 
    I’m working between different interests, material and thematic. Each project is a bit different in terms of what I’m thinking about, but I do have an enduring interest in the sociopolitical history of the landscape. As I work more with it I understand more of the nuance in why the landscape is so often depicted as estranged from humans, and it becomes not only an art historical question but a cultural question generally, related to power and class and politics. It sends me in different directions trying to pull the human and the landscape back together in paintings, but right now I am beginning to develop a series of works dealing with the ‘blue commons’, the seas. I started to think about making these works when I stopped renting an apartment and moved into my sailboat. I’m very concerned with not romanticizing ‘natural’ spaces such as the sea, in a way that others them even further, because that damages our relationship to the environment we live in and I want my work to go the opposite way of romanticism, while still having to do with dreams and the imaginary. My paintings take form as complex collage-like compositions with figures and motifs implying different facets of a certain phenomenon or story, and they rely on the viewer to be able to interpret an interplay of formal and referential elements and tease out both the concrete story and the feeling. They are always full of people because the history of the land is full of people, and I think of these figures as narrators.

    Why did you end up living where you are? 
    I grew up on the south coast of England. I moved to Glasgow for art school when I was 18 and I have just kept moving further north I suppose, hugging the Atlantic coast. I slipped under the shutter of Brexit and took what was really my only chance to do a Masters’, given the huge costs of education in the UK. I see that in the UK I might not be able to live as a professional artist, like I do here. It’s a huge shame that the creative industries are increasingly the preserve of the upper middle class and above, and it’s very sad that someone like me would no longer be able to afford to study in Norway either.

    Suddenly I’ve been in Bergen 6 years and I am still not tired of it; I have a big group of friends and colleagues and am entangled in all kinds of associations and groups and jobs. I am curious about other places, but I don’t imagine I will be leaving Bergen too soon. Living on a boat gives the constant promise of departure, and that’s enough for now.

    What do you like about the artscene and the town?
    I like Bergen just as a place, outside of the art scene. It feels possible to have a good life here as an artist. I come from a family of self-employed and freelancers, and it seems like it’s in the family not to get on well with full-time salaried work – to need a high degree of independence. It’s therefore important to me that I can survive here through my studio work and related teaching and technical work. I don’t feel there’s an elitism as I did in the UK, I feel comfortable to be myself within the art community here. I also spend a lot of time out on the fjord, and to me the fjord is as much a part of this city as the built environment and the mountains. I like the ever-changing weather and the short but explosive summer.

    What could be better in the local art scene?
    I think that like anywhere else, insiders can get a bit complacent and think their world is bigger than it really is. That’s not a criticism of Bergen or Norway, it’s just how it is all over. But it’s natural then to find yourself yearning a bit from time to time for a different kind of scene, because any city can start to feel insular. I miss the UK sometimes, for the sheer amount of art and music and culture there and how chaotic it is.

    What are you currently working on?
    Probably the most things I’ve ever worked on at once! I’m finishing some paintings which have been on a kind of slow burn for two and a half years, which I began after watching a lot of recorded theatre online during the pandemic and started using stills from these films to work from. They will be shown in Glasgow early next year. I’m also working on a collaborative collage project with Charlotte Besuijen, another Bergen-based artist. I’m starting a new series of paintings around the notion of the ‘Blue Commons’, the history of the seas as a commonly owned treasury of mankind. This is hopefully going to be exhibited in Iceland. Then I am working on an idea for a project I want to make after the summer, in Bergen, taking people around Byfjorden on my sailboat and giving a guided tour of the history of the fjord as a public space. This project is still just a twinkle in my eye, so we’ll see. I also just got a bit of funding to build a fresco wall in my studio and convert half the space into a small fresco workshop. I’m also planning for a larger show I’ll have in Trondheim at the end of next year, which is still a bit open at the moment in terms of what the works will be, but I have a short residency on Svalbard in October which I think will give me the seeds of something new. I just found out a few days ago I’ll have a show in London in the next few months. I also spend a lot of time working on my boat, Bonnie Tyler, and I’m a skipper in the university sailing club. And I work part time at the art academy on top of freelance jobs. It’s a bit intense right now, and I’m not making much money to support all of these projects, but I’m enjoying myself.

    What are your ambitions and plans for the future? 
    To sail around the world. If I can do that, I imagine that I will come back with a better perspective on art and worry less about small things. I want to push myself and find out what I am capable of. I am realizing that although I want to make art, I also want to find out for myself how I define success in that field, and I want to continue to do other things which connect me with the elements and with people around me in a more direct way, since my artistic practice is quite solitary.

    Who of your colleagues deserves more attention? 
    There are very many artists who don’t receive recognition as artists. I see a lot of young people making amazing things and I think they are better artists than me. I am surrounded by people with all different kinds of creativity and imagination.

    But if I’m thinking about an immediate colleague, I really want to highlight Oda Bremnes. She works with electronic media, installation, and an intangible sense of consciousness. She is also a kind and generous person. Her work fascinates me because we are opposites in many ways: I’ve carved out my realm in the analogue, and she uses newer technologies, drawing out their uncanny possibilities.

    Image credits:
    Andreas Dyrdal (3)
    Guttorm Glomsås (2)
    Dale Rothenberg (8)
    Laura Gaiger (all other images)

    Styret i VISP 2024-25

    Årsmøtet i VISP ble avholdt mandag 27. mai på Zoom (se protokoll under) og vårt styre frem til neste årsmøte består av:
    Åsil Bøthun (styreleder) – valgt på fritt grunnlag
    Kristoffer Gjerdevik Vinje Vassdal – kompetanse innen jus/økonomi
    Anders Sletvold Moe – valgt på fritt grunnlag
    Tone Andersen – valgt av NKVN
    Linda Morell – valgt av BKFH

    Vara:               
    Runa Halleraker – valgt av BKFH
    Maria Udd – valgt av NKVN

    Vi takker avtroppende styremedlemmer Linda Soh Trengereid, Frode Sandvik og Janneche Knudsen Heien for innsatsen!

    BERGEN: Leiga MALERI – vernissage 23. mai

    Velkommen til åpning av Leigas tredje spesialutstilling med material som fellesnevner!

    Leiga har invitert et utvalg Bergensbaserte kunstnere til å stille ut større malerier på CM7. Alle verkene i utstilling kan kjøpes eller leies fra leiga.no.

    Åpning: torsdag 23. mai, kl. 18.00 på CM7.

    Adresse: Christian Michelsens Gate 7, Bergen.

    Deltakende kunstnere: Kwestan Jamal Bawan, Linda Ebert, Laura Gaiger, Runa Halleraker, Elisabeth Rydland Nilssen, Manuel Portioli og Lillian Presthus

    Kunstverk: «Fargens bevegelse i rosa og grønt» av Lillian Presthus

    Moving towards a green practice – Culture4Climate

    DATE June 5
    TIME 12.00-14.00 (12-2 CET)
    PLACE: ZOOM

    NB: We regret to inform you that due to unforeseen circumstances, we must cancel the meeting scheduled for today at 12:00 pm.

    We apologize for any inconvenience this may cause. We will work on rescheduling and will keep you informed of the new date and time as soon as possible.

    Thank you for your understanding.

    In this third installment of our series on how the art world can make sustainable choices we have invited Selina Kahle from the Sustainability in Arts and Culture Network (2N2K Germany e.V.) and the initiative Culture4Climate.

    Selina will give a presentation of the organisation and present valuable ideas for artists in choosing a more sustainable approach when it comes to production, transport and materials: «Through self- responsibility, commitment, and the development of sustainable projects, culture can not only contribute to achieving global sustainability goals but also serve as a catalyst for inspiration, awareness and change in our society.»

    Selina Kahle holds a Masters in communication and business psychology and is the deputy chair of the Sustainability in Arts and Culture Network (2N2K Germany e.V.). She is a scientific consultant and deputy project manager of the nationwide initiative Culture4Climate. As a doctoral candidate at the University of Potsdam, she actively contributes to the research and development of sustainable solutions in the cultural sector. Selina Kahle has extensive experience in planning and implementing sustainable communication and event projects in Germany and the United Kingdom. The co-founder of the Culture and Agenda 2030 Network,  works as a sustainability consultant for institutions in the cultural and creative sector.

    BERGEN: Litografi workshop

    DATO: 17 – 21.juni

    TID: 10.00 – 16:00

    PRIS: 7000 kr for ikke-Visp medlemmer / 6400 kr for Visp-medlemmer

    STED/ARRANGØR: Foreningen Trykkeriet, Fjøsangerveien 70A

    DELTA: send mail til contact@trykkerietbergen.no 

    (English below)
    Bli med på på en spennende utforskning av litografi med Milton Mondal!

    Gjør deg klar til å legge ut på et kunstnerisk eventyr mens vi dykker ned i litografikurset med Milton Mondal. Litografi kommer fra de greske ordene ‘lithos’ (stein) og ‘grapho’ (å skrive). Litografi er ikke bare en trykkteknikk – det er en reise gjennom tiden, som dateres helt tilbake til slutten av 1700-tallet.

    I denne workshopen vil vi gå gjennom de tradisjonelle måtene å eksperimentere ved hjelp av oljebaserte fargestifter eller blekk. Under veiledningen vil du oppdage hvordan du lager fantastiske litografiske motiv ved hjelp av enkle verktøy og mye fantasi. Mondal vil lede deg gjennom prosessen steg for steg, avmystifisere prosessen og gi deg mulighet til å slippe løs kreativiteten din.

    Workshopen dreier seg også om mye mer enn bare teknikk. Mondal vil dele innsikt fra sin egen kunstneriske reise, og avsløre hvordan andre kunstnere kombinerer ulike trykkteknikker for å skape spennende kunstverk. Gjennom denne reisen vil du utforske forbindelsene mellom tradisjonell grafikk og det bredere kunstneriske landskapet.

    Denne workshopen vil foregå på engelsk.

    Ikke gå glipp av denne muligheten til å utforske litografi med Milton Mondal. Enten du er en erfaren grafiker eller en nysgjerrig nybegynner, lover vi at denne workshopen vil tenne kreativiteten din og utvide din kunstneriske horisont.

    ENGLISH:
    In this workshop, we will go through the traditional ways of using oil-based crayons or inks and experimenting with them. Under the guidance, you’ll discover how to create stunning lithographic prints using simple tools and a whole lot of imagination. Milton Mondal will walk you through the process step by step, demystifying the process and empowering you to unleash your creativity.

    24. mai: Online skattekurs

    Dato: 24. mai
    Tid: 13.00
    Sted: ZOOM – påmelding her

    Velkommen til skattekurs for billedkunstnere fredag 24. mai kl 13:00 på Zoom, med kursholder Veronika Heilund.

    Veronika er utdannet siviløkonom, og driver artistmanagementet og produksjonsselskapet Sounds Like Honey. Hun har tidligere jobbet som prosjektleder i VISP, og kommer nå tilbake one night only for å gi noen tips og triks om innlevering av skattemeldingen, og for å svare på spørsmål.

    Opptak av kurset blir liggende på vår YouTube-kanal.

    Send gjerne inn spørsmål på forhånd til skatt@visp.no

    Se opptak av kurset her

    Se VinjeEriksens skatteveiledning her

    WRITING AROUND YOUR WORK

    Dates: Saturday 1st – Sunday 2nd June
    Time: 11.00 – 16.00 (with a lunch break)
    Place: ZOOM – register here

    To some extent, every artist is also a writer. We have to contextualise our practices within multiple different scenarios and cater to different audiences in press releases, biographies, applications and websites. There are many ways to speak about one’s work: the most popular being International Art English. There is a time for this type of writing – within academic contexts, certain funding applications – but is this use of language the best for all scenarios? Are there more creative ways in which we can look at the artist statement that reflects the work itself? Do we have to have just one statement, or can we have multiple different options of how to present ourselves for different contexts and audiences? Can the artist statement be used as a creative tool to think with and around one’s creative practice?

    In this two-day online workshop, artist and writer Samuel Brzeski will explore different strategies for writing around and about your work, focusing on the artist statement. We will discuss the work of others, write together, and gain various new tools and approaches to draft and edit artist statements. The workshops are for people at all stages and experience levels–whether you have very limited experience with writing or are very confident in it.  A few readings will be sent out in advance, and the sessions will be based around finding ways into writing, establishing voice and position, knowing the audience, and finding clarity. The workshops will be held online, but will be discussion based rather than lectures, with participants encouraged to talk together around issues, challenges and motivations, as well as doing some writing exercises together. The workshop will be held in English, but feel free to write in whichever language you choose. It is recommended that participants bring statements, drafts and texts that are in progress that can be worked on during the workshop.

    Samuel Brzeski is an artist and writer working with language as raw material—through text, the voice or otherwise performed. He runs the art writing collective and publishing platform TEXST, and regularly publishes hybrid texts and art writing on various platforms. He has been writer-in-residence with Lydgalleriet (2020-21) and Contemporary Art Stavanger (2022). He currently edits the Vibrational Semantics series of text commissions, which explores the performative use of the voice. His forthcoming collection of creative texts, Tips of the sung, will be published by Lydgalleriet in autumn 2024.

    NB: As this is a workshop that involves a lot of active sharing of work, discussion on texts as a group, and time spent together actually writing, it will not be recorded.

    Geir Brungot

    Hva jobber du med?
    Fotografi, video, installasjon

    Hva inspirerer deg?
    Livet, men les masse, ser mykje film, er mykje med barnebarn og har budd ca 10 år i storbyar som Praha, Paris, Wien, Barcelona, Hannover.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Er ekstremt nysgjerrig og går ulike stiar inn i bileta mine med kva eg føler, alltid intuitivt kva eg tek bileter av, alltid lang samansettingsperiode. Brukar landskapet (definisjon på landskap er alt utafor døra, by og land) som metafor på mitt eige liv og det som skjer både ubevisst og bevisst i sinnet mitt. Alt er ikkje sjølvopplevd, difor er det personleg, men ikkje privat. Det som kjem ut gjennom kameraet er ein miks av kva ein opplever, les, ser, personlege møter etc. Det er viktig at eindel som ser utstillingane mine går inn i dei med sitt eige, at dei skapar sine eigne relasjonar/opplevelsar utifrå seg sjølv.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Barn og barnebarn.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Familie, og ein får arbeidsfred og rimeleg studioplass. Så bur eg i ei forholdsvis lita bygd der det er kompetanse på nesten alt, sidan ein stort sett kjenner dei fleste litt kan ein få hjelp til det meste.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Ikkje så mykje sidan eg har to gode kollegaer her, Marit Akslen og Kjell Gunnar Overøye, som har store kunnskaper og er særs fine å diskutere med. Men det eg savnar er at dei som bur på ein liten stad og arbeider seriøst vert tatt meir alvorleg av statens stipend.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Har akkurat ferdigstillt ei utstilling til Camera Lucida og har byrja samansettinga av ei stor utstilling i Kristiansund Kunsthall til hausten og ei i Hannover i 2025.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Å gjere akkurat det eg gjer no. Lage verk og ha utstillingar, etterkvart gi ut bok nr. 3, ha moro og alvor med familien, eit ønske er å kunne reise til Japan for å fotografere randsoner uttafor store sentra.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Stein Koksvik

    27. mai: ÅRSMØTET I VISP

    Velkommen til Årsmøtet i VISP, 27. mai kl 17.00 på Zoom!

    Sakspapir vil bli publisert her senest 13. mai – registrer din deltakelse her.

    Alle medlemmer har stemmerett på årsmøtet med en stemme hver. Det er kun mulig å representere en aktør ved avstemming. For å være stemmeberettiget må man ha vært medlem i minst en måned i forkant av årsmøtet. Stemmegiving kan ikke skje ved fullmakt.

    Årsmøtet skal:
    Godkjenne innkalling
    Velge møteledelse
    Orienteres om årsmelding for foregående år
    Behandle og vedta regnskap med revisjonsberetning for foregående år
    Behandle og vedta organisasjonens handlingsplan og budsjett for kommende
    periode
    Behandle innkomne saker
    Velge styremedlemmer og styreleder
    Velge medlemmer til nominasjonsutvalget
    Velge revisor
    Våre vedtekter finner du her.

    – vel møtt!

    Emanuele Rinaldo Meschini: Performance: Roma – Baghdad 1984

    WHEN: Friday 3 May, 18:00 
    WHERE: At CM7 (Bergen, Christian Michelsens gate 7)
    PRACTICAL: Free to attend, no registration 

    The performance ‘Roma-Baghdad 1984’ represents the final event of the SWAP program and Emanuele Rinaldo Meschini’s residency at Hordaland Kunstsenter.

    Roma-Baghdad 1984 is based on the evocation of mourning in its dual essence, collective and personal. It is a story as private as it is common to every human being. The work on mourning as a possibility to reposition one’s shattered personality within a social context that, with or without the people we love, continues to move forward without giving us the opportunity to become aware of our presence. Roma-Baghdad 1984 is the story of two adoptive brothers, one Italian and one Iraqi, Emanuele and Majeed. It is the story told by the surviving brother, the one who denied and then ultimately understood and comprehended. This story, which can never be entirely singular, uses football as an expressive medium because football itself was the thing that always divided them. Roma-Baghdad 1984 begins with the final of the European Cup between A.S. Roma and Liverpool played at the Olympic Stadium in Rome in 1984, the year of the brothers’ birth. In that final, Roma lost on penalties. Ten years later, in 1994, when the two brothers meet for the first time, the captain of A.S Roma, Agostino Di Bartolomei, committed suicide. In this process of sorting out social and emotional events, penalties become the metaphor for the relationship between the two brothers but above all for death and its need for processing. If we cannot win, let’s bring the ball home. If we cannot overcome the pain, let’s find it a space next to us and celebrate it.

    Curated by Amerigo Mariotti and Giorgia Tronconi of Adiacenze and Manuel Portioli

     

    Moving towards a green practice – Sustainable Approaches in Visual Arts

    Monday April 29
    12 CET on Zoom/YouTube: Registration – watch the recording here.

    In this lecture, artist Skade Henriksen will give a presentation of her practice and how you as an artist can make sustainable choices in production and exhibition.

    This lecture is part of VISP´s focus on how the art world can make a sustainable path going forward. Throughout 2024 there will be several online talks on this subject, subscribe to our YouTube-channel here!

    Bio:
    Visual artist Skade Henriksen (b. 1988, Finnmark, Norway) works with drawing, photography, sculpture and installation. Skade combines the poetic with a semi-scientific approach to artistic research. With a background as a research technician, she uses scientific instruments and records as a working method and reference point in her works. Central to her work is the exploration of landscape, focusing on landscape change, mining and notions of time and value. Henriksen holds a master’s degree from the Art Academy in Bergen. She has recently exhibited at Bodø Biennale (2022) and at Preus Norway’s National Photo Museum (2023). Maintaining a high level of activity she has several upcoming exhibitions such as at Alta Museum (Norway) and LÁ Art Museum (Iceland). Henriksen lives and works in Bergen. 

    Links mentioned in the talk:
    KLIMAKULTUR
    GRØNT VEIKART
    ETISK BANKGUIDE
    CLIMATE AGENCY FOR ARTISTS UNIONS
    GALLERY CLIMATE COALITION
    JULIE´S BICYCLE

    Hedda Roterud Amundsen

    Hva jobber du med?
    Det er mange ulike materialer og teknikker som får plass i mitt kunstnerskap, men jeg tenker på alt jeg gjør som kollasj egentlig. Selv om det jeg lager kan ta form som ulike greier – skulptur, installasjon, performance, kunstnerbøker eller noe veggbasert. Jeg er en samler – av objekter, tekst, materialer og bilder. Slik har jeg alltid et tilgjengelig arkiv som jeg henter fra når jeg jobber. Den visuelle delen av arbeidene mine kjennetegnes ved en fargebruk som kan minne om en godteri-sjappe. Ofte da i kontrast til innholdet, som er mer alvorspreget.

    Hva inspirerer deg?
    Erfaringer knytta til traume og/eller sex danner grunnlaget for de fleste av mine prosjekter. De tinga som har vært vanskelige er min hovedmotivasjon for å jobbe med kunst. Klart det er kleint å si, men det å holde på med kunst er for meg terapeutisk, en måte å være i verden på. Jeg inspireres også mye av populærkulturen, som jeg lenge har kjent på et behov for å akademisere. Det tror jeg kommer fra en slags skam rundt det å ikke ha vokst opp med såkalt “høykultur”. Helt hverdagslige observasjoner blir jeg også veldig inspirert av. Som ferske “lakrislisser» på asfalten; et ettermæle av fart, spenning og tilsynelatende meningsløs forflytning. De er så vakre og intrikate merker i landskapet.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg kan vel innrømme at jeg er en maksimalist, arbeidene mine er ganske høylytte og har mange lag. Verkene mine innehar ofte en slags dobbelthet, de strekker seg i motsatte retninger. Det er et alvor, men det er også en vitalitet eller optimisme tilstede.

    Arbeidene mine blir sjelden ferdigstilte, de har alltid et potensiale til å endres. De får liksom hvile mens de blir stilt ut, men dersom de ikke blir solgt, returneres de til atelieret mitt og blir potensielt gjenstand for evig remixing. Enten ved at jeg fysisk endrer dem eller ved at elementer fra en installasjon blir enkeltverk f. eks. Kanskje får de nye titler, nye identiteter, tiden går og de holder seg oppdatert. Denne måten å jobbe på var i utgangspunktet et resultat av mangel på lager, men har etterhvert blitt en arbeidsmetode. Det er interessant for meg å se hvordan det samme visuelle materiale kan bety ulike ting. En slik lek med mening og meningsendring kan jo minne litt om logikken til “memes” også. Symbolene jeg bruker i arbeidene mine referer ofte til det digitale universet vi alle delvis bor i (iboende TEMPO TEMPO TEMPO!). Det jeg synes er interessant med symboler er hvordan de kan endre mening over tid, og påvirkes av den gjeldende populærkulturen f. eks. Ha en myriade av historier.

    De seneste årene har jeg jobbet med prosjektet “The advantages of depression”, som deles opp i ulike sesonger – et pek til TV-serie-formatet. Prosjektet som helhet består av bearbeidelser av en samling steiner og en samling av skjermdump av undertekster fra “TV”. Jeg arbeider prosess-basert og intuitiv med utgangspunkt i disse to samlingene, som blir til verk i ulike teknikker og formater. Hver visning defineres som en sesong.

    Både tekstene og steinene samlet jeg i en periode hvor jeg slet veldig med min psykiske helse. Så det å samle ble en slags overlevelses-mekanisme. I denne perioden lå jeg for det meste i senga og så på TV-serier, uten at jeg klarte å følge med noe særlig på handlingen. Jeg begynte å ta skjermdump hver gang jeg så en undertekst som interesserte meg. I etterkant har jeg kategorisert alle disse tekstene, slik at de nå danner et tekst-arkiv. Det å samle stein var en aktivitet jeg bedrev mye som barn, noe trygt og håndfast liksom. De fysiske steinene jeg samlet er ikke lengre så interessante for meg som objekter, det var samlingsprosessen her som var av størst betydning. Nå bor de i Ringsaker, i form av en liten steinrøys. Alle har blitt fotografert og det er avbildningene av steinene jeg forholder meg til. I arbeidene som springer ut fra dette utgangspunktet har jeg også tilført en visuell symbolverden og ytterligere tekst. Parallelt som samlingene pågikk skrev jeg feltnotater, som beskriver indre og ytre omgivelser. Disse tekstene omtaler bla. flere situasjoner hvor en jeg-person har problemer med å sette grenser til egen kropp. Ellers er det en god blanding sinne, humor, desperasjon og kåthet som smelter sammen.

    I fjor sommer hadde jeg en performance i Polen som het “Dude, where’s my horse?” hvor jeg var en slags cowboy. I rosa flombelysning fremførte jeg en tekst til en bildepresentasjon, lydsatt av Jussi Jailheart. Det begynte uskyldig, litt humor og sånn – men så blødde det ut i noe ullent. Jeg beskrev en sex-scene som utspilte seg i en blomstereng, hvor det var svært ulike reaksjoner fra publikum – om det var snakk om samtykke eller overgrep.

    Ellers kan jeg nevne at jeg i det siste har vært veldig opptatt av Dagny Juel (1867 – 1901). Jeg holder på med et prosjekt relatert til henne og hennes diktning, som kommer til å strekke seg over flere år kjenner jeg. Slik jeg har blitt kjent med henne gjennom research, virker det som om vi har flere berøringspunkter.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Min bosituasjon for øyeblikket er ganske nomadisk, men det som lokker med bygda er jo plass. Plass til å jobbe og plass til å tenke. Og færre distraksjoner.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    De to hovedinstitusjonene i Innlandet, Kunstbanken (Hamar) og Oplandia (Lillehammer), gjør mye bra. Kunstbanken har i over 20 år hatt et særegent fokus på performance f. eks, mens Oplandia arrangerer kunstbokmessen B*stard hvert år. Oplandia spiller også en viktig rolle i å formidle produksjonen av kunstnerbøker i Norge, i tillegg til å ha en fysisk kunstbokhandel (og nettbutikk!). Begge institusjonene er samtidig viktige ressurssenter og samlingspunkter for billedkunstnerne i Innlandet. Utover det så er det ganske deilig å være tilbake her, liksom forholde meg til kulissene fra min oppvekst på nytt. Bilene som står vindu mot vindu utenfor Shell, jorder med høyballer, Mjøsa som synker og flommer over.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Penger. Det kuttes stadig i budsjettene til kunstfeltet her. Begge institusjonene jeg nevnte ovenfor, er varslet om betydelige kutt i støtte fra fylkeskommunen. Ellers er Innlandet et stort fylke, folk er spredt – rent geografisk. Det påvirker jo også kunstmiljøet, det er vanskeligere å opprette et felles møtepunkt. Men jeg synes at BKI gjør en god innsats for å samle kunstnerne her i regionen.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Nå jobber jeg mot en separatutstilling ved Hamar Kunstforening (“DAGNY 4 EVER”), hvor Dagny Juels og min symbolverden forenes. Den åpner 4. mai. I juni arrangerer jeg “Heddas Salong” ved Galleri Fjordheim (Biri) – en pilot for et tverrfaglig og nomadisk visningskonsept. I forbindelse med salongen lager jeg også en publikasjon, som lanseres på B*stard før sommeren. For øyeblikket er jeg også i en idé-fase rundt et samarbeid med kunstner Lena Trydal, hvor Pamela Anderson kommer til å spille en viktig rolle. Parallelt er det en serie med veggbaserte arbeider jeg har på gang, som jeg jobber relativt intuitivt med. Også skriver jeg hele tiden da.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Som alle rapperne i TV-serien “Love & HipHop” alltid sa: TAKE IT TO THE NEXT LEVEL!

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Odalens dronning Silje Eugenie Strande Øktner! Hun jobber i hovedsak med relasjonelle prosjekter og lokale arrangementer. Praksisen hennes har en genuinitet som jeg beundrer – hun holder det ekte!

    OPEN CALL: Portfolio presentation

    DATE April 30
    TIME 11-15
    PLACE CM7, Christian Michelsens gate 7, Bergen

    NB: The 8 applicants selected by the curators have been contacted.

    We are delighted to offer an Open call to members of VISP for a portfolio presentation with the Italian curators Amerigo Mariotti and Giorgia Tronconi from Adiacenze – read more below.

    IMPORTANT:
    -You only need to FILL IN THIS FORM with your email address, link to your website and CV by April 15. If necessary, you can be asked to send images of recent works.
    -When the deadline has passed, the information is forwarded to the curators, they will decide who they would like to meet.
    -VISP sets up the schedule for the presentations and will contact the artists that the curators select. If you are among the selected, you will be notified at least 1 week before the meeting.
    -All types of artistic expressions are welcome.
    -You will get 20 minutes to present your own art, you choose what you want to focus on.
    -You can choose whether you want to present a physical or digital folder, projector will be available.

    NB: You must be registered as a member of VISP at the time you submit the application. If you are not a member of VISP, your application will not be processed.
    VISP have an intention that Portfolio presentations helps to create future collaborations and exhibitions for our members, and we do not have any influence on which artists the curators want to meet.

    Adiacenze: Amerigo Mariotti (b. 1978) and Giorgia Tronconi (b. 1996) are curators and directors of Adiacenze, an art center based in Bologna committed to the exploration and production of contemporary art. Amerigo Mariotti, with a background in Architecture, founded Adiacenze in 2010, and Giorgia Tronconi joined the team in 2020. Holding a BA in Graphic Design & Art Direction from NABA in Milan and an MA in Visual Arts from the University of Bologna, Giorgia Tronconi brings diverse expertise to their collaborative approach.

    The duo’s curatorial philosophy is research-based and experimentation-driven. It centers on multidisciplinary practices, emphasizing artists who challenge the contemporary landscape, probing its intricacies and potentials. Their work involves organizing exhibitions and public programs within the Adiacenze space, implementing residency programs at both regional and international levels. Additionally, they foster collaborations with galleries, institutions, and museums across Italy and beyond, including notable partnerships with the Italian Cultural Institute in Madrid and Oslo, MAMbo (Museum of Modern Art) in Bologna, Galleria Nazionale in Rome, CAOS Museum in Terni, University and Academy of Fine Arts in Bologna and Milan, KOMA Gallery in Belgium, and Hordaland Kunstsenter in Bergen.

    They operate across diverse media, prioritizing a collaborative approach with artists and cultivating a network of skills and knowledge to support and stimulate their research by encouraging cross-disciplinary interactions. Their dynamic curatorial practice not only engages with the current challenges of contemporaneity but also seeks to reimagine it from fresh perspectives, envisioning potential future scenarios.

    This event is supported by Vestland fylkeskommune.

    Unn Devik

    Hva jobber du med?
    Maleri, tegning og tekst

    Hva inspirerer deg?
    Et sammensurium av inntrykk.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Siden barndommen min har fortellinger, både muntlige og skriftlige, vært en indre, visuell opplevelse.
    Ord framkaller bilder og bilder framkaller ord. 
    Det jeg maler, tegner og skriver, er et resultat av en pågående dialog med meg selv, hvor jeg prøver å finne det rette språket for det jeg vil beskrive. De siste årene har jeg arbeidet med å finne et visuelt språk med utgangspunkt i stedsobservasjoner av fysiske fenomen som stein, vann og vær. Maleriet Unforeseen Changes (bilde 2), som ble vist under avgangsutstillingen ved Bergen Kunsthall i 2021, var et resultat av dette.

    Tegneseriemediet, spesielt manga, er en tydelig referanse i arbeidet mitt. Jeg ble introdusert for manga på midten av 00-tallet.  Det var den tiden det fantes en månedlig norsk utgave av Shonen Jump. I intervjuer med manga-skapere, ble ofte arbeidet med å finne sin egen strek vektlagt. Her var det ingen korrekt måte å se og utrykke seg på, det som gjaldt var å finne sin egen strek og sitt eget utrykk. Denne måten å tenke på er fremdeles viktig for meg når det kommer til utviklingen av min egen strek, og i arbeidet mitt for øvrig. Tilknytningen til manga kommer til syne i flere arbeid som Nattesyn (bilde 3), en serie med silketrykk, Nattens Øyne (bilde 4), et diptykk med utgangspunkt i silketrykkene, og triptykket, Triptykk av vann (bilde 5).

    I maleriene Gone (bilde 6) og Solitude (bilde 7)forsøkte jeg å besjele ulike opplevelser fra en drøm. Jeg syns det er interessant å knytte inntrykk fra det underbevisste, som en drøm, til noe fysisk, som en tegning, et maleri eller en tekst. Når en indre, visuell opplevelse, materialiseres utenfor kroppen, oppleves den på avstand og blir tilgjengelig for sansene. Materialiseringen av en tanke eller en idé, er som å sette et ord i en ny kontekst. Tanken eller idéen er den samme, men når den forankres i noe fysisk settes den inn en ny sammenheng, og blir et subjekt for eksterne tolkninger. Det immaterielle blir materielt, abstrakte fenomen som drømmer, tid, rom og følelser, finner en form.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Jeg trives godt, har gode kolleger, familie og venner.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Bergen er en fin by for å finne konsentrasjon. Jeg liker balansen mellom å kunne trekke meg tilbake for å fokusere på et enkelt prosjekt, og å kunne gå på tur i fjellet, møte folk og se utstillinger. I kunstmiljøet er det en stor variasjon av kunstnere som jobber med vidt ulike disipliner, som det og er lett å komme i kontakt med. Byen har og mange lokale aktører som tilbyr et bredt utvalg av produksjonsmuligheter. 

    Imidlertid er det en stor skuffelse at det ble innført så svimlende høye summer for at studenter utenfor EU/EØS skal kunne studere i Norge. Dette er en villedet og fordomsfull poltikk, og som resultat har antallet internasjonale studenter sunket betraktelig. Dette er noe som kommer til å gi ringvirkninger for kunstmiljøet i Bergen, og ellers i landet. Jeg håper virkelig at vedtaket kan bli revurdert og trukket tilbake.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Flere trygge og subsidierte atelierplasser. Det er en ubalanse mellom de midlene som blir brukt på nye kulturbygg i forhold til det som blir brukt på å sikre gode og sentrale arbeidsplasser for byens kulturarbeidere. For at Bergen skal fortsette å være en kulturby, så er det viktig at de som produserer kulturen blir prioritet. Ønsker vi en aktiv og levende bykjerne så er dette nødvendig.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Nå arbeider jeg med en serie med tegninger i svart-hvitt, som skal bli til en bok.
    I arbeidet med boken har jeg skrevet mer enn jeg vanligvis gjør. Dette har suksessivt forsterket samspillet mellom ord og bilde, og styrket min egen bevissthet ovenfor hvordan ord kan brukes som informasjon for å generere visuelt innhold. De siste årene har jeg hatt fokus på å etablere et estetisk språk forankret i en fysisk virkelighet. Nå bruker jeg dette språket for å gi utrykk for det jeg tenker.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Fortsette å skrive og å lage bilder.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Det er mange, men jeg vil nevne Laura Gaiger. Maleriene og freskene hennes har mange lag, de er underfundige og lekne, samtidig som de er seriøse og ettertenksomme. Hun viser integritet i måten hun arbeider med sitt eget utrykk, ovenfor de temaene hun tar opp, og gjennom hvordan hun behandler maling som medium.

    Foto:
    Bilde 1 – Camilla Louadah Hermansen

    Bilde 2 – Dale Rothenberg

    Bilde 3-5 – Andreas Dyrdal

    Bilde 6-8 – Guttorm Glomsås

    Utstillingsåpning: Leiga – FOTO

    TORSDAG 7. MARS KL 16-18
    CM7, Christian Michelsens gate 7, Bergen

    Deltakende kunstnere:
    Bo Magnus
    Gitte Sætre
    Siavash Kheirkhah
    Tonje Li
    Vilde Salhus Røed
    Werner Zellien
    Æsa Bjørk

    Velkommen til vernissage!

    I fjor lanserte VISP kunstleieportalen leiga.no, og i oktober presenterte vi utstillingen Leiga: KERAMIKK i våre visningslokaler CM7 i Bergen.

    Denne gang har vi invitert bergensbaserte Leiga-kunstnere som arbeider med fotografi, og torsdag 7. mars åpner vi Leiga: FOTO – vår andre spesialutstilling med material/teknikk som fellesnevner!

    Alle kunstverkene i utstillingen kan kjøpes eller leies via leiga.no.

    Når du inngår et leieforhold betaler du 5% av kunstverkets pris per måned. Du kan velge om du vil beholde verket en liten eller lengre stund, eller om du vil leie det helt til du eier det: Etter en full leieperiode på 20 måneder regnes verket som kjøpt og ferdig nedbetalt – og eierskapet overføres til deg.

    WEBINAR: Introduksjon til Fiken

    Dato: 4. mars
    Tid: kl 10.00
    Sted: Webinar – meld deg på her!

    På dette webinaret får du en enkel innføring i hvordan du som kunstner kan bruke regnskapsprogrammet Fiken og dermed få bedre oversikt over inntekter, skatt og fakturering. Trykk lenken for å melde deg på, selvom du ikke kan delta på selve kvelden får du tilsendt opptak av webinaret hvis du har registrert din deltakelse.

    Visste du at du som medlem av VISP får 15 prosent rabatt på bruk av fiken.no? Se mer under Medlem/rabattavtaler.

    Fiken er regnskapsprogrammet som gjør det enkelt for små bedrifter og enkeltpersonforetak å gjøre regnskapet selv.

    Noen av deres viktigste funksjoner er:

    • Enkel fakturering.
    • App som skanner og tolker kvitteringene dine.
    • Oversikt over frister, og påminnelser slik de ikke glemmes.
    • Levering av mva-oppgave, årsregnskap og skattemelding rett til Altinn fra Fiken.
    • Gratis support.

    Hvis det er noe du lurer på om Fiken: Send dem gjerne en e-post på kontakt@fiken.no.

    BERGEN: Katazome workshop & pop up exhibition!


    Trykkeriet is very pleased to offer a special 3 day Katazome workshop with Associate professor Masao Kusakabe. (Max 10 course participants, so please sign up quickly!).

    Katazome is a traditional Japanese technique that is the basis of silkscreen. The biggest feature is that you can make patterns by cutting out water-resistant paper. Unlike silkscreen or stensils, it is resist dyed. For stencil dyeing, resist dyeing, paste is applied to the cut out areas of the paper pattern, and after it dries, the parts that are not coated with resist dyeing paste are colored. The negative and positive shapes created by stencil dyeing are reversed compared to silkscreens and stencils.

    Beginning with a contextual introduction, participants will learn the basic principles and methodologies of stencil printing, through the drawing and cutting, to the key printing and dyeing methods, or simple design ideas.

    We will organise a pop up exhibition of the results in both of our exhibition spaces.
    Price
    2400 kr VISP  members
    3000 kr for non-members.
    The price includes course materials.

    Course days:
    March 3rd, March 9th & March 10th.
    All days from 1 p.m – 4 p.m (maybe longer).

    Exhibition opening: March 16th, 2 p.m – 4 p.m
    Exhibition period: March 16th – 20th ( 9 a.m – 5 p.m on weekdays or by appointment)

    Søknadshjelpen 2024

    Dato: 20.2.24
    Tid: 12.00-13.30
    Sted: ZOOM

    På dette kurset vil Erik gå gjennom noen grunnleggende tips til hvordan skrive søknader om prosjektstøtte. Hvordan organisere bildemateriale, hvordan beskrive prosjektet på en måte som øker sjansene for å få tilslag, og hvilke ulike støtteordninger som finnes, lokalt og nasjonalt.
    Kurset fokuserer hovedsakelig på norske ordninger. Noe av informasjonen kan være nyttig i forbindelse med søknad til arbeidsstipend (statens kunstnerstipend), men for å holde det oversiktlig blir det ikke fokus på denne typen stipender i dette kurset, det tar vi heller et eget kurs på når fristen i oktober nærmer seg.

    Kursholder Erik Friis Reitan (f.1979) er billedkunstner med bakgrunn fra en mengde styrer og faglige utvalg/juryer, han er også styremedlem i Norske Billedkunstnere.

    Kurset strømmes på Zoom, opptak blir liggende på vår YouTube-kanal.

    Katinka Goldberg

    Hva jobber du med?
    Jeg arbeider med fotografi og collage og formidler arbeidene mine både som bilde på vegg, som skulpturer og installasjoner. Jeg foretrekker likevel ofte fotoboken som medium, fordi den legger til rette for et direkte og intimt møte med den som ser. I dette møtet syntes jeg bokformatet gjør det lettere å belyse tema som kan være skambelagt og vanskelige å snakke om.

    Hva inspirerer deg?
    Den svenske maleren Stig Lundgren. Stig var min stefar, og han har med sin lekenhet, ekspressivitet og sin evne til å skildre relasjoner, inspirert hele mitt kunstnerskap. Hans psykologisk ladede menneske- og naturskildringer berører og utfordrer mine arbeider, både i form og innehold. I 2019 lagde jeg og Harald Solberg en stor utstilling på Bomuldsfabriken Kunsthall med Stigs og mine arbeider. Stig lever ikke lengre, men jeg vet at han hadde vært så stolt over den utstillingen.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Min kunst handler om sosiale relasjoner, og om å møte seg selv i og gjennom andre. Med utgangspunkt i egne familieforhold arbeider jeg med visuelle refleksjoner over hvordan oppvekst og historie legger grunnlag for identitet og selvbilde. I prosjektene benytter jeg ulike metoder og innfallsvinkler. Men tematikken er gjennomgående, og selv om jeg uttrykker subjektive opplevelser, søker jeg likevel å lage allmenngyldige bilder som kan trigge empati og selvinnsikt hos betrakteren. I min seneste bok Bristningar (Journal 2021) bruker jeg collage for å skildre hvilke konsekvenser overgrep og traumer i familien kan ha for selvbildet. Her kombinerer jeg eldre materialer med samtidig dokumentasjon. Gjennom å samstille gamle familiefotografier, ny dokumentasjon, objekter, collage, maleri og tekst, oppnår jeg et eget uttrykk som kan visualisere en kompleks historie mellom fortid og nåtid, og den indre og den ytre virkeligheten.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Jeg er veldig glad i skogen og friheten som finns i naturen.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Det faktum at man er omgitt av natur, men kun en båtreise inn til byen.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Det hadde vært veldig fint med flere store atelier i området. Det bor mange kunstnere på Nesodden, men som i Oslo er det mangel på atelier.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    I skrivende stund har jeg begynt med et helt nytt collageprosjekt der jeg kombinerer stein, hud og silke. Det har fått arbeidsnavnet Tunica Mucosa og balanserer som ofte med mine bilder på randen mellom det vakre og groteske.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg arbeider for tiden med to fotobøker; Shtumer Alef og Jeg bor utenfor verden som begge kommer på Journal forlag i 2025 og 2026.

    Til slutt: Hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Olav Ringdal! Hans ekspressive utstilling Røttene henger i lufta på Buer Gallery i 2022 var noe av det fineste jeg sett. Han klarer å være både stringent, brutal og sårbar

    10 gode råd: Hvordan komme i kontakt med galleristen?

    VISP har spurt seks forskjellige gallerister om hvordan kunstnere bør opptre i møtet med galleriverdenen, her er 10 gode råd:

    1: Første kontakt

    Send først høflig forespørsel via mail og undersøk om du kan sende galleriet/visningsstedet din portfolio. Hvis du kjenner en kritiker, samler, etablert kollega, kurator o.l. som kan anbefale deg kan dette være en fin inngang til å bli kjent med galleristen.

    2: Andre kontakt

    Ved positivt svar kan du maile verksfoto, CV og tanker (artist’s statement), du kan og spørre om de er interessert i utstillingsforslag, og invitere til et uforpliktende atelierbesøk er også en mulighet. Dersom du innleder samarbeid, er det lurt innimellom å oppdatere galleristen om en ny serie du jobber med e.l. – kanskje den nye serien vekker interesse for en mulig solo- eller gruppeutstilling.

    3: CV og nett

    Ha alltid oppdatert nettside og CV, eventuelt også en pdf med informasjon og bilder om deg og ditt kunstnerskap. Vær bevisst på hva du publiserer på nettsiden, du behøver ikke vise din fullstendige produksjon, be gjerne dine kollegaer om feedback om dette. Du bør også være bevisst på å oppdatere din profil og bilder på nettsider som Leiga og Atelie, samt på medlemssider hos diverse organisasjoner der du er medlem.
    Husk: Din mailsignatur bør inneholde ditt tlf nr og evt lenke til hjemmesiden din slik at gallerister, kuratorer og andre lettere kan komme i kontakt med deg.

    4: Sosiale medier

    Følg galleriet/galleristen på forskjellige kanaler. Husk at når du selv skal publisere egne verk på Instagram og andre sosiale medier bør disse være offentlige, ikke bare på en privat konto.

    5: Vær aktiv

    Ikke sitt og stur på ditt loftsatelier, ta muligheter og utstillingsplass når sjansen byr seg, store hull i din CV kan gi galleristen flere spørsmål enn svar. Du skal selvfølgelig være bevisst på hvor du stiller ut, men stor utstillingshyppighet kan være en positiv indikator på at du er omgjengelig, profesjonell, samarbeidsvillig og ambisiøs.

    6: Forstå galleriet

    Sett deg inn i ulike typer praksis for ulike typer gallerier. Ikke bare forstå profilen, men også forretningsmodellen til det galleriet du ønsker å komme i dialog med – vit hvem du henvender deg til og hvem du snakker med.

    7: Klar tale

    Vær tydelig om ditt kunstneriske mål og ditt økonomiske mål, og hvordan og hvilket samarbeid som vil være viktig for deg. Det gir galleristen en større forståelse for mulighetene i samarbeidet.

    8: Bli sett

    Gå på åpninger og hold deg selv oppdatert, spesielt hos galleri du ønsker å presentere deg for. Det virker useriøst å møte opp på et galleri for første gang, og forvente interesse, når du selv ikke har vist interes-se. Og: Vernissager er absolutt ikke stedet for å pitche eget kunstnerskap dersom du ikke har møtt galleristen tidligere.

    9: Kunden

    Vær bevisst på hva som er ditt kundegrunnlag, hvem har kjøpt dine verk tidligere, hvem kan du nå ut til? Dette er gull verdt for galleristen.

    10: Tenk langsiktig

    Er dette det galleriet du ønsker å jobbe med fremover? Dette er et samarbeid der dere skal gjøre hverandre gode! De beste samarbeidene oppstår når gallerist og kunstner viser hverandre gjensidig tillit, respekt og deler ambisjoner, og når man velger å jobbe for hverandre.

    Last ned listen som PDF


    Stor takk til følgende for innspill til listen: Høyersten Contemporary, KB Contemporary, Kunstgarasjen, Nord-Norsk Kunstnersenter, NOUA og QB

    NETTMØTE 23.1: Støtteordninger Bergen kommune og Vestland fylkeskommune

    Dato: 23. januar
    Tid: 13-15
    Sted: Zoom

    VISP inviterer til informasjonsmøte om Bergen kommune og Vestland fylkes tilskuddsordninger for det visuelle feltet. Steinar Sekkingstad, rådgiver ved seksjon for kunst- og kulturutvikling i Bergen kommune, og Marianne Ose Askvik, seniorrådgiver Kulturutvikling/Kultur og folkehelse i Vestland Fylkeskommune, informerer om eksisterende ordninger og eventuelle endringer i disse.

    Registrering

    Har du spørsmål eller ting du ønsker at Steinar og Marianne skal snakke om på møtet kan du gjerne melde dette inn på forkant: aslak@visp.no.

    Se opptak av samtalen her!

    Det blir mulig å stille spørsmål underveis, webinaret kan også oppleves på vår Youtube-kanal, både direkte og i ettertid.

    ENGLISH
    This online meeting about the various grants and stipends for visual arts available through the City of Bergen/Vestland county will be held in Norwegian, but you are free to ask your questions in English. You may also forward them in advance to aslak@visp.no – press the link to sign up!

    Bjørn Krogstad

    Hva jobber du med?
    Jeg arbeider utelukkende med maleri.

    Hva inspirerer deg?
    «Inspirere» er stort ord, og jeg vet ikke helt om det er dekkende for det arbeidet jeg hver dag utøver på atelieret. Når det er sagt, søker jeg meg kunnskap i kunsthistorien, for tiden Giotto, Uccello, Cezanne, Braque og Picasso og flere andre.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg må vel sies å være et barn av tiden i den forstand at jeg har vært, og er, utsatt for intenst motstridende impulser; noe som har medført at min virksomhet som maler tilsynelatende har sprikt i alle retninger fra action-painting, combine painting («Buksa mi» og «Skjorta mi», tilhørende Trondheim Kunstmuseum) samt mer eller mindre abstrakt ekspresjonisme til dagens figurative maleri siden 1972-73.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Etter utdannelsen fikk jeg et tilbud om ansettelse ved Arkitektavdelingen, NTNU, i Trondhjem hvor vi kjøpte hus og fikk bygget flott atelier. I 1987 fikk vi imidlertid en mulighet til å kjøpe hus og atelier her i Asker etter min professor på Akademiet, Alf-Jørgen Aas, og siden jeg lenge hadde ønsket større forhold og, ikke minst, enklere til- gang til Nasjonalgalleriet og de mange betydelige gallerier i Oslo, ble det til at vi flyttet dit.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Enkel adgang til sentrale gallerier og muséer.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Intet vesentlig.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg arbeider hver dag med formale problemer innenfor maleriet, og strever med å finne et visuelt uttrykk som unndrar seg en verbal eller litterær form. Det formale aspekt ved maleriet, rytme, form, mellomrom, klangfarve, det å holde flaten, opptar meg stadig mer, og det er her kunsthistorien kommer til anvendelse.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    I en alder av drøye 80 år er det naturlig nok svært begrensende med planlegging for fremtiden, og jeg har egentlig nok med det daglige arbeide.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Dette er nok det vanskeligste spørsmålet, da jeg har vært gjestelærer ved flere kunstutdannelseinstitusjoner, men en av dem hvis utvikling jeg har fulgt med på i mange år, er Hans-Georg Kohler. Han er en fin kolorist med et personlig og sterkt uttrykk, og jeg finner at han absolutt burde få mere oppmerksomhet.

    Elin Reboli Melberg

    Hva jobber du med?
    Hovedsaklig tekstil; håndstrikkede elementer, vev og broderi, som ofte blir til monumentale verk.

    Hva inspirerer deg?
    Jeg blir inspirert av de kvinnelige generasjonene før meg, som jobbet og kjempet med kunst og tekstilkunst, for aksept og det å bli tatt seriøst. Jeg kan trekke frem Synnøve Anker Aurdal som en sentral inspirasjonskilde. Det var etter å ha sett utstillingen hennes på Astrup Fearnley at jeg endelig turde tråkke over den høye terskelen jeg hadde satt for meg selv når det kommer til å lære meg å veve. Det var noe med arbeidsmetoden hennes, friheten i prosessen, som virkelig inspirerte meg. Jeg er ikke opptatt av matematikken i veven, men ønsker heller å ta med meg den friheten og eksperimenteringen som jeg finner i hennes verk.

    Jeg inspireres også av arv og tradisjoner gjennom både materialer og teknikker. Jeg har stor respekt for historien før meg, og ønsker å kapsle det inn med det å gjøre ting på min måte, i min samtid. Jeg blir inspirert av kunstverk som slår meg neste fysisk i bakken med sin tilstedeværelse. Og verk som er såre, taktile og samtidig insisterende.
    Kunstnere som har holdt ut og holder ut er til evig inspirasjon. Mennesker som jobber intenst for saker de tror på. Samtiden. Politikk. Samfunnsdebatter. Ytringsfrihet. Demokrati. Trusselen mot demokratiet. Hverdagen rundt meg. Tiden vi lever i.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Akkumulasjon står sentralt i mitt kunstnerskap, som kan kjennetegnes av tidkrevende og detaljerte materialbaserte komposisjoner. I skulpturer, installasjoner og senere i tekstile arbeider, bearbeider jeg minner og inntrykk fra omverdenen i skjøre og personlige verk. Den fysiske dimensjonen er sentral for erfaringen av verkene, som forholder seg aktivt til både utstillingsrommet og betrakterens opplevelse.

    De siste 10 – 11 årene har jeg beveget meg mer og mer inn i utforskningen av tekstilverk; det er lange detaljerte prosesser; ett og ett sting blir brodert og en etter en maske strikket. Tilstedeværelsen er sentral og det analoge håndverket viktig. Jeg ønsker en sårbar åpenhet i tekstilverkene mine, arbeidene skal ikke fremstå som teknisk perfekte; jeg lager bevisst hull, kan strikke med fire-fem tråder samtidig, syr og knytter og prøver å lage en tilstedeværelse som absolutt ikke er perfekt, men som er vakker, samtidig som den kan være sår og inneholde feil. Sånn som livet er.

    Jeg vokste opp med en mormor som ville jobbe fritt med tekstilen. Dette var ikke tillatt, og hun måtte gå Husflidskolen, for så å arbeide på tekstilfabrikk, der alt som ble produsert hadde nytteverdi. Jeg arvet enorme mengder tekstilmateriale fra henne, og dette tar jeg ofte inn i mine verk, som fri kunstner, mye takket være mormors generasjon og det de kjempet for.

    Da jeg var i tenårene prøvde mormor og min mor å få meg til å like å sy, veve og strikke. Jeg nektet, var lei av å gå med stripete strikkemaskin-gensre og hjemmelaga klær. Jeg ville ikke strikke eller sy. Fikk jeg hull på klærne, festet jeg stoffet sammen med sikkerhetsnål.

    Etter Mastergraden, arbeidet jeg med detaljerte installasjoner og skulpturer. Det var gjennomgående lange arbeidsprosesser, tusenvis av detaljer og gjentagende bevegelser. Små materialbiter, i monumentale format. Jeg ønsket å bevege meg i grensen mellom å ha kontroll og miste kontrollen og sårbarheten som eksisterer i dette skillet.

    Da faren min i 2013 ble alvorlig syk og døde, gikk jeg gjennom en tung periode og de kunstneriske behovene endret seg. Seks måneder etter hans bortgang, åpnet jeg separatutstillingen «Float» på Galleri Opdahl. Dette var måten jeg bearbeidet sorgen på, ved å være tilstede i en kunstnerisk arbeidsprosess og drukne inn i materialene. Jeg fikk behov for å være mer taktil. Det som var riktig noen måneder tidligere, var plutselig unaturlig. Jeg ville jobbe med myke materialer, ikke harde. Jeg ville ha en annen nærhet. Dette resulterte i at jeg beveget meg mer og mer mot tekstilarbeider.

    Her ble verket «Elove» (2014) vist, der jeg broderte den siste tekstmeldingen jeg mottok fra min far, etter at kreften spredde seg til hjernen og han mistet språket. Verket markerer et konseptuelt materialistisk vendepunkt i mitt kunstnerskap så langt.

    De siste årene har jeg utfordret tekstilverkene størrelsesmessig. Enfolded (2020), Jæren (2021) og Ikke her. Ikke borte. (2022) og Chief Honey Monster (2023) har blitt til mens vi har levd med koronaen og så et urolig Europa. Det siste året har jeg også lært meg veveteknikken, som har ligget som et voksende behov i kroppen gjennom flere år. I alle verk er den analoge, lange og nære arbeidsprosessen sentral; jeg ønsker å bevare øyeblikket, låse tiden fast i verket; her skjer ikke lenger noen endringer i lys og form, ingen forråtnelse.

    Jeg plantefarger det meste av garnet jeg bruker. Jeg samler plantemateriale fra mine turer i naturen, hagen og fra husholdningen, og eksperimenterer med disse. Jeg har alltid hatt en stor interesse for hage, drivhus og arv av stauder; planter som går i generasjoner fra hage til hage. På lik linje med at jeg i flere år har tatt inn arvet tekstilmateriale i mine verk, kapsler jeg nå arven av teknikker innen plantefarging, stauder fra generasjoner med hager, ugress og vekster som kan plukkes vilt fra nærområdene i utviklingen av tekstilverkene mine.

    Jeg kom til et punkt da jeg ble lei av å kun bruke de kjemiske fargene i det kjøpte garnet, og ville heller forsterke den kunstneriske prosessen og konseptet i verkene mine med et nytt element, som understreker mitt interessefelt. Denne prosessen gir mye mening for meg. Det gir meg enda mer energi og personlig og kunstnerisk verdi når jeg får lov til å ta naturen og gamle tradisjoner bokstavlig talt inn i verkene mine. Det er en enda lengre og tilstedeværende prosess, som er mer bærekraftig og naturlig, samtidig som at en rødlistet teknikk med lange tradisjoner innen tekstilkunsten blir ivaretatt og videreført.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Fordi jeg fikk barn og frem til de er ute av huset, har det vært mest praktisk både sosialt og økonomisk å bo i Stavanger. I en perfekt verden, ville jeg i tillegg hatt en liten leilighet med plass til en stor vev i Oslo. En vakker dag.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Vi bor med få minutters gange fra sjø, skog og turområder, samtidig som vi bor rett ved Østre bydel, studioet mitt og alt det kjekke som har vokst frem i den bydelen. ELEFANT, som jeg startet sammen med noen venner og kollegaer for 10 år siden, er det som gjør arbeidshverdagen og miljøet definitivt rikere enn det ellers hadde vært. Her er vi nå rundt 30 kulturarbeidere, med verdens kjekkeste huseiere som skjønner verdien av kulturell kapital. Vi har et dynamisk miljø, med mange kjekke folk innen alle kulturelle sjangre; musikk, kunst, kritikere, kunsthistorikere, fotografer, forlag, event, snowboard, arkitekter. Det kan være veldig sosialt, men du kan også lukke deg inne i ditt eget studio, uten at noen blir sure for det.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Det kunne godt vært større og mer variert. Vi kunne hatt et kunstakademi, slik at flere yngre innen høyere utdanning hadde deltatt mer i miljøet. Jeg håper flere nyutdannede velger å flytte til(bake til) Stavanger. Vi trenger alle aldre. Jeg blir kjempeglad når jeg treffer unge kunstnere eller kuratorer osv, som har valgt å flytte hit. Der håper jeg skjer enda mer i fremtiden. Ellers ønsker jeg alltid flere kunstnerdrevne visningssteder.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg har nylig montert tekstilverket «Ikke her. Ikke borte» (2022-23) på Deichman Bjørvika. De gjør en fantastisk jobb med å kuratere inn bra kunstnere, synes jeg, så jeg er glad for at de kan låne dette verket en lengre periode, frem til februar 2024. Jeg jobber også mot utstilling på BGE Contemporary Art, der jeg skal ha en duo-utstilling med Gunvor Nervold Antonsen, høsten 2024. Etter det er det utstilling på Brandstrup Oslo. Jeg er i tillegg med på Stavangers 900-års jubileumsutstilling på Stavanger museum, som åpner juni 2024. Så dagene er fulle fremover.
    Jeg er en av de fem kunstnerne som startet Open Studios Stavanger, som nylig gikk av stabelen for første gang. Det er jeg veldig glad for at vi fikk til. Vi er godt fornøyd med første utgave, og gleder oss til å vokse sakte, men sikkert, frem mot neste runde i 2024.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg skal fortsette.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Jeg vil gjerne si Marit Roland. Selv om hun har gjort veldig mange store og flotte prosjekt i ulike sammenhenger og utstillinger, skulle jeg gjerne sett enda mer av hennes nydelige stedsspesifikke papirinstallasjoner. Vi var begge tilknyttet Galleri Maria Veie, da det eksisterte for mange år siden. Vi ble kjent der, og har jobbet sammen i ulike sammenhenger etter det, særlig i de årene da jeg var en av de som drev Prosjektrom Normanns. Marit har en egen evne til å endre rom og lys, kun med bruken av papir, oftest hvitt, som danner de mest fantastiske skulpturer og installasjoner. Hun tegner med papir, sier hun. Jeg synes disse tegningene kunne fått enda mer nasjonal oppmerksomhet.

    VIKEN: Kunsten å sette pris på kunst – panelsamtale 12. desember

    VIKEN Kunsten å sette pris på kunst
    STED Dikemark kunstarena
    DATO 12. desember
    TID 19.00-20.30

    Hva skal et kunstverk egentlig koste, spiller faktorer som utdannelse, alder og kjønn inn? Kan en kunstner prise seg ut av et marked, eller selger hen seg på billigsalg? Finnes det egentlig formler som bestemmer kunstverkets verdi? Alt dette og mere til ønsker vi å belyse i samtalen “Kunsten å sette pris på kunst!”

    VISP har, i samarbeid med Trafo Kunsthall, BKA, BBK og NK Viken, invitert Mikaela Bruun Aschim, Erlend Hammer, Fredrik Nergaard og Randi Thommessen til en samtale om hvordan et kunstverk skal prissettes. Vi har bedt dem senke skuldrene, løsne litt på snippen og delta i en uformell blindtest der de skal prissette fire forskjellige kunstverk av anonymiserte kunstnere tilknyttet Viken; det eneste de får vite på forhånd er kunstnernes CV.

    Gjennom denne delen ønsker vi å synliggjøre hvor utfordrende, og kanskje tilfeldig, prissetting kan være, noe som vil danne grunnlag for den påfølgende panelsamtalen.

    Det vil bli åpnet for spørsmål fra salen – vel møtt!

    Om panelet

    Mikaela Bruhn Aschim

    er utdannet kunsthistoriker fra Goldsmiths University i London. Hun har siden 2016 drevet det Oslo-baserte kommersielle galleriet QB Gallery. Galleriet fokuserer på norske kunstnere, både yngre og mer etablerte navn, og har et bredt spekter av uttrykk innen samtidskunsten med maleri, fotografi, skulptur, grafikk, keramikk og tekstilkunst. I 2021 ble galleriet omtalt i Aftenposten som et av galleriene som har satt Oslo på kartet som kunstby: «De har vært med på å fange tidsånden».

    Erlend Hammer

    er utdannet kunsthistoriker og ansatt som kurator ved Haugar kunstmuseum/ Vestfoldmuseene. Han har arbeidet som kunstkritiker og frilans kurator, blant annet for Momentumbiennalen i 2013. Fra 2016-2020 var han Senior kunstekspert ved Blomqvist Kunsthandel, hvor han arbeidet med verdivurderinger og salg av kunst.

    Fredrik Nergaard

    er gallerist med 35 års erfaring fra Galleri Haaken. Han har en cand.mag. i kunsthistorie fra Universitetet i Oslo og et semesteremne i Museumskunnskap. Galleri Haaken ble grunnlagt i 1961 og er det eldste privatdrevne galleriet i Norge. Galleri Haaken representerer flere av Norges ledende samtidskunstnere og deltar på fremtredende nordiske kunstmesser.

    Randi Thommessen

    er daglig leder ved visningsstedet LNM (Landsforeningen Norske Malere) i Oslo. 2015-2019 jobbet hun som kurator ved Trondheim kunstmuseum. 2007-2013 startet hun opp og drev galleriet LAUTOM i Oslo, galleriet vekslet mellom separatutstillinger og gruppeutstillinger, og deltok også ved en rekke kunstmesser. Randi Thommessen har en Bachelor i Fine Arts fra Central St Martins i London og en Master i kuratorpraksis fra Kunsthøgskolen i Bergen/UiB.

    Arrangementet er støttet av Viken fylkeskommune.

    NB: Arrangementet kommer ikke til å filmes/strømmes.

    VIKEN: Mappevisning på Buskerud kunstsenter 12.12 – open call

    VISP inviterer, i samarbeid med Trafo Kunsthall, BKA, BBK og NK Viken, til mappevisning på Buskerud kunstsenter tirsdag 12. desember kl 13-17 – søknadsfrist 30. november kl 12.00.

    På mappevisning får du muligheten til å presentere ditt kunstnerskap overfor et panel med tre inviterte gallerister/kuratorer. Vi har en intensjon om at Mappevisninger er med på å skape fremtidige samarbeid og utstillinger for kunstnere i Viken, VISP dekker reise og opphold for kuratorene/galleristene, men har ingen påvirkning på hvilke kunstnere som velges ut og hvordan et evt videre samarbeid mellom kunstner og gallerist/institusjon vil utfolde seg.

    Hvordan delta?

    • Du behøver kun å fylle ut dette skjemaet innen 30. november kl 12.00. Ved behov kan du bli spurt om å ettersende bilder av nyere verk.
    • Når frist er utløpt videresendes informasjonen til panelet, de velger selv hvem de ønsker å møte.
    • VISP setter opp kjøreplan for arrangement og kontakter kunstnerne som kuratorene velger ut. Hvis du er blant de utvalgte, får du beskjed minimum 1 uke før møtet.
    • Alle typer kunstneriske uttrykk er velkommen.
    • Du får 20 minutter til å presentere eget kunstnerskap, du velger selv hva du ønsker å fokusere på.
    • Du kan velge om du ønsker å presentere fysiske verk eller digital mappe (laptop), projektor er tilgjengelig.
    • Kunstnere som bor eller arbeider i Viken vil bli prioritert

    Om kuratorene/galleristene

    Adriana Alves (Rio de Janeiro, Brasil)

    er kurator og billedkunstner med base i Svolvær. Hun er utdannet ved tidligere Kunsthøgskolen i Bergen og Konstfack Stockholm. I sin kuratoriske praksis har Alves i all hovedsak fokusert på prosjekter og kunstnerskap som arbeider med spørsmål knyttet til maktstrukturer og på det kunstneriske språket. Det siste som ved å vise frem praksiser som makter å aktivere det språkløse, det uhåndgripelige. Alves har medkuratert og drevet et internasjonalt residency program for Kunsthall 3,14, vært kurator for Hå gamle prestegard, lektor ved Kunstakademiet i Bergen og er nå kurator ved Nordnorsk Kunstnersenter.

    Cathrine Hovdahl Vik

    er kunstnerisk leder/Artistic director i Kjøpmannsgata Ung Kunst (K-U-K). De siste 15 årene har hun etablert seg som en sentral kunsthistoriker og kurator i Trondheim. Hovdahl Vik har stått bak flere større utstillinger med etablerte kunstnere som Kjell Erik Killi-Olsen, Håkon Bleken og Jens Johannessen og hun har publisert en rekke bøker og artikler om disse og andre norske kunstnere.

    Jane Sverdrupsen

    (f. Karmøy, 1979) er billedkunstner og kurator bosatt i Bergen, og arbeider som daglig leder ved Kunstgarasjen. Før dette har hun vært daglig leder i tre år for Rogaland Kunstsenter (2020-2023) og er for tiden rådgiver for kunstsenteret. Hun har tidligere arbeidet i ulike faglige og administrative stillinger ved Kunst- og designhøgskolen i Bergen / Fakultet for kunst, musikk og design, UiB i syv år (2013-2020).

    Vi takker Viken fylkeskommune for støtte til våre Mappevisninger!

    BERGEN: Open call – Flokk Marked på CM7

    (english below)

    FLOKK inviterer alle profesjonelle visuelle kunstnere og kunsthåndverkere med base i Bergen/omegn til å søke om deltagelse på salgsutstillingen Flokk Marked i CM7 (Christian Michelsens gate 7, Bergen sentrum).

    Utstillingen åpner fredag 8.12 og holder åpent gjennom desember.

    Søknaden

    Søknaden registreres i dette google-skjemaet innen 22.11 kl. 23:59.
    Svar på søknaden sendes ut innen 1. desember.

    Søknaden skal inneholde:

    • Navn, kort bio og lenke til nettside/sosiale medier
    • PDF med samlet dokumentasjon av alle verk du ønsker å delta med, inkl. foto, pris, produksjonsår, størrelse, teknikk og tittel på arbeidene.

    Du kan søke med 2- eller 3-dimensjonelle verk, maksimalt 3 arbeider.

    Kriterier for å søke

    Med profesjonelle kunstnere mener vi gjennomført grad på BA- eller MA-nivå, diplom fra norsk kunstutdanning, eller tilsvarende fra utlandet. For søkere uten formell kunstfaglig utdannelse vil kunstnerisk aktivitet være vurderingsgrunnlag, eventuelt medlemskap i kunstnerorganisasjon (som NBK, NKVN, BKFH o.l.).

    Prissetting og vilkår for deltakelse

    Kunstneren setter pris på egenhånd. Vi ønsker variasjon i både prisklasser, materialbruk og uttrykk.

    For å stimulere til salg via VIPPS, kan det være en fordel med pris under 5.000 NOK. Makspris per verk er 10.000 NOK (inkl. 5% kunstavgift).

    For verk med pris over NOK 2000, må kunstavgift tilsvarende 5% av salgssummen beregnes på forhånd og inkluderes i endelig salgspris. Det er kunstnerens eget ansvar å påse at kunstavgift innbetales etter eventuelt salg.

    Flokk tar ikke provisjon ved salg, men oppfordrer deltakende kunstnere til å donere minimum 10% av salgssummen til UNICEF, Redd Barna eller Leger Uten Grenser.

    Alle salg formidles direkte mellom kjøper og kunstners konto: Kunde vippser eller overfører betaling fra nettbank, og vi avventer bekreftelse på innbetaling før verket markeres som solgt. Kunstner står selv ansvarlig for frakt til og fra våre lokaler i Christian Michelsens gate.


    FLOKK invites all professional visual artists and artisans based in Bergen/surroundings to apply for participation in the sales exhibition Flokk Marked in CM7 (Christian Michelsens gate 7, Bergen city centre).

    The exhibition opens on Friday 8 December and remains open through December.

    Application

    The application must be registered in this google form by 22.09 at 23:59.
    Answers to the application will be sent out by 1 December.

    The application must contain:

    • Name, short bio and link to website/social media
    • PDF with complete documentation of all works you wish to participate with, including photo(s), price, year of production, size, technique, and title of the work(s).

    You can apply with 2- or 3-dimensional works, a maximum of 3 works.

    Application criteria

    By professional artists we mean completed degree at BA or MA level, diploma from Norwegian art education, or equivalent from abroad. For applicants without formal art education, artistic activity will be the basis for assessment, alternatively membership in an artist organization (such as NBK, NKVN, BKFH etc.).

    Pricing and terms of participation

    The artist sets the price on their own. We want variety in both price ranges, material use and expression.

    In order to stimulate sales via VIPPS, there may be an advantage to set the price below NOK 5,000. Maximum price per work is NOK 10,000 (incl. 5% art tax).

    For works with a price above NOK 2,000, an art tax equivalent to 5% of the sale price must be calculated in advance and included in the final sale price. It is the artist’s own responsibility to ensure that art tax is paid after any sale.

    Flokk does not take a commission on sales but encourages participating artists to donate a minimum of 10% of the sales sum to UNICEF, Save the Children or Doctors Without Borders.

    All sales are mediated directly between the buyer and the artist’s account: the customer transfers payment via VIPPS /regular bank transfer, and we await confirmation of payment before the work is marked as sold. The artist is responsible for shipping to and from our premises in Christian Michelsens gate.

    Linda Øgaard

    Hva jobber du med?
    Jeg jobber med tegning, maleri og skulptur, men mest med installasjon basert på en eller flere av de andre uttrykksformene.

    Hva inspirerer deg?
    På det konkrete planet drives jeg, som så mange andre kunstnere, av prosessen selv, av det som oppstår i arbeidet, av materialet, av motstand og muligheter, og det ene som leder til det andre. Og jeg foretrekker å jobbe stedsrelatert, med et rom eller en situasjon som setter premisser for arbeidet.

    Så drives jeg som menneske, kunstner og kunstlærer også av de store mysteriene og de store utfordringene vår verden bærer på. Hva er et menneske? Hvem er jeg og hvem er du?

    Hvordan skal vi snu den kursen vi selv har bidratt til å stake ut, hvor materiell overflod, økonomisk vekst og militær utrustning fortsatt er parametere for en vellykket tilværelse, mens vi vet at det fører til fremmedgjøring og ødeleggelse av den levende verden.

    Jeg er religiøs, og jeg er humanist, jeg er fylt opp av tro og tvil. Kanskje handler mitt prosjekt om empati. Jeg ønsker å appellere til det i oss som gjør at vi er i stand til å leve oss inn i en annens situasjon, emosjonelt og intellektuelt. Jeg vil vise frem mennesket og naturens sårbarhet og styrke, for i det spennet hører alt og alle til. Der er det både håp og gjenkjennelse. Naturen; fjellet, skogen, vannet, er steder å heles og kjenne tilhørighet med noe gudommelig. Kunst kan fungere på samme måte. Møte med kunst som åpner opp en dør mot det medmenneskelige og det uforklarlige, beriker meg.

    Jeg har giftet meg inn i en musikkfamilie, og barna mine er også musikalske. Jeg misunner iblant musikere og komponister som har en slags snarvei inn til disse tingene. Jeg har hørt mye korsang og orgelmusikk (for det meste live, på opptak hører jeg gjerne andre ting). Duruflés requiem kan anbefales. Det kan også Poulencs korverk. Ellers var det mye som gav mening for meg under fjorårets Veneziabiennale. Danmarks bidrag «We Walked the Earth» av Uffe Isolotto og Belgias “The Nature of the Game” av Francis Alÿs er blant det som sitter igjen derfra.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg har vel allerede beskrevet litt. Jeg kan arbeide både abstrakt og tilnærmet naturalistisk. Det er ikke noen stor motsetning der for meg. Jeg leter uansett etter en selvstendig kraft i det visuelle uttrykket. Som sagt, arbeider jeg ofte med stedsrelaterte installasjoner hvor jeg undersøker forhold knyttet til kropp, tid og rom. Jeg jobber i relasjon til gallerirommet, men også andre steder og i andre settinger. Interessen for å jobbe romlig startet da jeg gikk på KiB. Jeg drev og malte og følte at rammen, eller det avgrensede formatet, ble et stengsel som jeg ville bryte ut av, og jeg begynte å gå i dialog med rommet i stedet for. I en romlig installasjon blir betrakteren en del av verket. Betrakteren blir deltakeren som selv velger synvinkel, og denne endrer seg med betrakterens bevegelser. Dette tiltaler meg.

    Jeg har laget en del såkalte «beboelige verk». Mitt arbeid til avgangsutstillingen i Bergen kunsthall (2001) var et totalmaleri (vegger, tak og gulv) i en hybel som ble leiet ut. Det ble arrangert kombinert kunst- og utleievisning. Visningen ble filmet og filmen vist i Bergen kunsthall. I 2014 laget jeg arbeidet «Rom 114» på Eidfjord Fjell og fjord hotell, også et beboelig verk hvor maleri, lyssetting, enkel møbeldesign og en ganske spektakulær utsikt fløt over i hverandre. I 2020 hadde jeg en arbeidsperiode i Tag Team Studio. Der laget jeg, under Koronaen, min første tegnede installasjon som bar tittelen «Grip meg». Jeg dekket en mengde bokpapp-plater med flere lag kullpulver, og jobbet på en arkitektonisk måte med disse. Jeg opplevde en slags endring i materialiteten til tegnemediet som interesserte meg. De store kullflatene gav assosiasjoner både til metall og til myke gulvtepper. I prosjektene «Breakout Room» og TID (2021) utforsket jeg denne materialiteten ytterligere. Med disse prosjektene startet også samarbeidet med vokalensemblet Tabula Rasa. Ensemblet jobber med improvisasjon med menneskestemmen som viktigste instrument, og de benytter seg gjerne av teatralske virkemidler. I «Breakout Room» (Oseana kunst & kultursenter) inviterte jeg ensemblet til å tolke mine verk og installasjonen som helhet. I prosjektet TID utforskes forestillinger om, og opplevelser av, fenomenet tid. TID har blitt både en installasjon, en separatutstilling (Kunstgarasjen 2021) og et tverrfaglig samarbeidsprosjekt i form av en forestilling. I samarbeidet var også akkordeonist Jostein Stalheim og komponistene Knut Vaage, Eilert Tøsse og Vegar Guleng med. Det er berikende å samarbeide på tvers av kunstartene og se hvordan de løfter hverandre. I 2023 har jeg også samarbeidet med musikere/komponister. Mezzosopran Eva B. Landro, pianist Knut Christian Jansson og jeg laget konsertforestillingen «Havet i Musikk og billedkunst» (Fridalen kirke), og nå i høst laget jeg en installasjon til noen intime «silokonserter» på Bergendal gård.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Det er på en måte litt irriterende at jeg, med unntak av et år på folkehøyskole, har bodd i denne byen siden jeg ble født. Jeg søkte kunstakademiet i Trondheim også, men havnet her. Samtidig er det fint å bo i Bergen hvor jeg har familien min og hvor jeg er omringet av sjø, fjell, vann og skog.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Miljøet er lite nok til at jeg alltid treffer noen jeg kjenner og stort nok til at jeg også treffer noen jeg ikke har møtt før når jeg f.eks. går på en utstillingsåpning. Generasjoner møtes. De som før var mine lærere blir kollegaer og stadig flere av de som har vært mine elever/studenter etablerer seg som kunstnere, og noen blir også kunstlærere slik jeg har vært i en årrekke.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Noe jeg savner i kunstmiljøet generelt, men også lokalt, er et galleri som legger til rette for arbeid med, og visning av, stedsrelatert installasjonskunst. Altså et sted hvor man får tid og ressurser til å arbeide i gallerirommet i en lengre periode (helst en måned, og i hvert fall lengre enn en uke) for så å vise arbeidet for publikum i en normal utstillingsperiode. Jeg fant et slikt galleri i Houston. Rice University Art Gallery, het det. Det var fantastisk, men det ble dessverre nedlagt i 2017 etter 22 års drift.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    For tiden arbeider jeg frem mot en separatutstilling jeg skal ha i Bergen domkirke høsten 2024. Utstillingen er tilknyttet Bergen kirkeautunnale, og vil stå i ca. 3 måneder. Planen er å gå i dialog med den mektige katedralen og gjøre et tydelig inngrep i rommet. Det er både skremmende og frydefullt. Dette er for mange, meg inkludert, et hellig rom. Når jeg skal skape et verk der, er det naturlig å reflektere rundt det hellige. Hva betyr det at noe er hellig? Hva er et hellig rom?  Og hva vil jeg, i den verden jeg lever i, holde hellig? Gjennom historien har det vært mange konflikter tuftet på ulike oppfatninger om hva som er hellig. Våre oppfatninger av hva som er hellig kan påvirke vår naturforvaltning. Vestlig kristendom har i stor grad forfektet et antroposentrisk verdensbilde der mennesket står i sentrum og har størst verdi. Dette er i kontrast til økosentrismen hvor naturen står i sentrum. Men i kristen sammenheng finnes også en motvekt mot antroposentrismen, en økologisk bevegelse som strekker seg fra Frans av Assisi (1182) til vår tids Pave Frans. Dette perspektivet danner et bakteppe for utstillingen. Innledningsvis her ser du et bilde av meg i arbeid med det som trolig blir en bit av en mye større installasjon for Bergen domkirke. Materialet er tre, ull og et gammelt, rustent gjerde. Materialenes betydning og bærekraft er blir langt viktigere for meg de siste årene. De er en del av fortellingen om hvem vi er, hvor vi vil og hva vi må legge bort.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg har en ambisjon om å få vist arbeidene mine litt oftere utenfor byens, og helst utenfor fylkets, grenser. Og jeg håper på at jeg ved fremtidige prosjekter skal beholde roen, være ute i god tid med all planlegging, og få opp utstillinger som jeg kan glede meg over, samtidig som jeg fortsatt har krefter igjen i kroppen. Og en ting til: Prosessen, at den må styres av kunstnerisk nysgjerrighet snarere enn av prestasjonspress og andre potensielt destruktive ting.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Jeg velger Gro Lygre Petersen. Hennes utstilling «Minnene ser oss», som ble vist på Visningsrommet USF i september, var nydelig. Og så anbefaler jeg alle å se Gunhild Sannes «Men hjertet våker» i Bergen domkirke akkurat nå.

    BERGEN: Open call – Mappevisning 14.11

    VISP har invitert Cathrine Hovdahl Vik, Randi Thommessen og Erlend Hammer til mappevisninger med det bergenske kunstfeltet – søknadsfrist 6. november.

    Mappevisningen blir avholdt på CM7 tirsdag 14. november kl 10-14.

    Vi har en intensjon om at Mappevisninger er med på å skape fremtidige samarbeid og utstillinger for våre medlemmer, VISP dekker reise og opphold for kuratorene, men har ingen påvirkning på hvilke kunstnere som velges ut og hvordan et evt videre samarbeid mellom kunstner og gallerist/institusjon/kurator vil utfolde seg.

    Hvordan delta?

    • Du behøver kun å fylle ut dette skjemaet med din mailadresse, lenke til hjemmeside og CV innen 6. november kl 12.00. Ved behov kan du bli spurt om å ettersende bilder av nyere verk.
    • Når frist er utløpt videresendes informasjonen til panelet, de velger selv hvem de ønsker å møte.
    • VISP setter opp kjøreplan for arrangement og kontakter kunstnerne som kuratorene velger ut. Hvis du er blant de utvalgte, får du beskjed minimum 1 uke før møtet.
    • Alle typer kunstneriske uttrykk er velkommen.
    • Du får 20 minutter til å presentere eget kunstnerskap, du velger selv hva du ønsker å fokusere på.
    • Du kan velge om du ønsker å presentere en fysisk eller digital mappe, projektor er tilgjengelig.

    NB: Du må være registrert som medlem i VISP på det tidspunktet du sender inn søknad. Dersom du ikke er medlem av VISP vil søknaden din ikke behandles, sjekk her om du er registrert som medlem.

    Om kuratorene

    Cathrine Hovdahl Vik er kunstnerisk leder/Artistic director i Kjøpmannsgata Ung Kunst (K-U-K). De siste 15 årene har hun etablert seg som en sentral kunsthistoriker og kurator i Trondheim. Hovdahl Vik har stått bak flere større utstillinger med etablerte kunstnere som Kjell Erik Killi-Olsen, Håkon Bleken og Jens Johannessen og hun har publisert en rekke bøker og artikler om disse og andre norske kunstnere.

    Erlend Hammer er utdannet kunsthistoriker og ansatt som kurator ved Haugar kunstmuseum/ Vestfoldmuseene. Han har arbeidet som kunstkritiker og frilans kurator, blant annet for Momentumbiennalen i 2013. Fra 2016-2020 var han Senior kunstekspert ved Blomqvist Kunsthandel, hvor han arbeidet med verdivurderinger og salg av kunst.

    Randi Thommessen er daglig leder ved visningsstedet LNM (Landsforeningen Norske Malere) i Oslo. 2015-2019 jobbet hun som kurator ved Trondheim kunstmuseum. 2007-2013 startet hun opp og drev galleriet LAUTOM i Oslo, galleriet vekslet mellom separatutstillinger og gruppeutstillinger, og deltok også ved en rekke kunstmesser, som Liste og Art Basel i Basel, Nada i Miami, Arco i Madrid og Art Rotterdam. Randi Thommessen har en Bachelor i Fine Arts fra Central St Martins i London og en Master i kuratorpraksis fra Kunsthøgskolen i Bergen/UiB.

    BERGEN: Kunsten å sette pris på kunst

    STED Kib, Marken 37, Bergen, Ballsal i 3. etasje

    DATO 13. november

    TID 19.00-20.30

    Hva skal et kunstverk egentlig koste, spiller faktorer som utdannelse, alder og kjønn inn? Kan en kunstner prise seg ut av et marked, eller selger hen seg på billigsalg? Finnes det egentlig formler som bestemmer kunstverkets verdi? Alt dette og mere til ønsker vi å belyse i samtalen “Kunsten å sette pris på kunst!”

    Vi har invitert  Cathrine Hovdahl Vik, Erlend Hammer, Erlend Aalbæk Høyersten og Randi Thommessen; alle har lang og variert erfaring innen kunstmarkedet og hvordan et kunstverk skal prissettes. Vi har bedt dem senke skuldrene, løsne litt på snippen og delta i en blindtest der de skal prissette tre forskjellige kunstverk av anonymiserte kunstnere tilknyttet Bergen; det eneste de får vite på forhånd er kunstnernes CV.

    Gjennom denne delen ønsker vi å synliggjøre hvor utfordrende, og kanskje tilfeldig, prissetting kan være; noe som vil danne grunnlag for den påfølgende panelsamtalen.

    Det vil bli åpnet for spørsmål fra salen – vel møtt!

    Om panelet

    Cathrine Hovdahl Vik er kunstnerisk leder/Artistic director i Kjøpmannsgata Ung Kunst (K-U-K). De siste 15 årene har hun etablert seg som en sentral kunsthistoriker og kurator i Trondheim. Hovdahl Vik har stått bak flere større utstillinger med etablerte kunstnere som Kjell Erik Killi-Olsen, Håkon Bleken og Jens Johannessen og hun har publisert en rekke bøker og artikler om disse og andre norske kunstnere.

    Erlend Hammer er utdannet kunsthistoriker og ansatt som kurator ved Haugar kunstmuseum/ Vestfoldmuseene. Han har arbeidet som kunstkritiker og frilans kurator, blant annet for Momentumbiennalen i 2013. Fra 2016-2020 var han Senior kunstekspert ved Blomqvist Kunsthandel, hvor han arbeidet med verdivurderinger og salg av kunst.

    Erlend Aalbæk Høyersten er direktør for Høyersten Contemporary i Bergen. Han er cand.phil. (Master of Arts) i kunsthistorie fra Universitetet i Bergen. Han har 21 års museumserfaring, 18 år som museumsdirektør for Sørlandets Kunstmuseum (Kristiansand), KODE (Bergen) i Norge og ARoS (Aarhus) i Danmark og har et stort internasjonalt nettverk.

    Randi Thommessen er daglig leder ved visningsstedet LNM (Landsforeningen Norske Malere) i Oslo. 2015-2019 jobbet hun som kurator ved Trondheim kunstmuseum. 2007-2013 startet hun opp og drev galleriet LAUTOM i Oslo, galleriet vekslet mellom separatutstillinger og gruppeutstillinger, og deltok også ved en rekke kunstmesser. Randi Thommessen har en Bachelor i Fine Arts fra Central St Martins i London og en Master i kuratorpraksis fra Kunsthøgskolen i Bergen/UiB.


    Arrangementet er støttet av Kunstskolen i Bergen
    NB: Arrangementet kommer ikke til å filmes/strømmes.

    BERGEN: Hjemmesidekurs Squarespace

    NB: Fullbooket – USF kjører samme kurset 4. og 5. desember, kontakt Jørgen Blitzner for eventuelle ledige plasser!


    DATO
     21-22 November

    TID 10-15 (begge dager)

    STED USF – Møterom/VIP-bar

    PÅMELDING trykk her 

    Lær å lage nettside i Squarespace

    Bli kjent med Squarespace – «publiseringsverktøyenes svar på Apple». Squarespace er kjent for sitt brukervennlige grensesnitt som inkluderer «drag&drop»-funksjoner og fokus på essensielle nettsideverktøy uten behov for plugins.

    For hvem er kurset?

    Dette kurset krever ingen avansert datakunnskap. Grunnleggende erfaring med Word og enkel bilderedigering er tilstrekkelig.

    Det er også ideelt for de som verdsetter det visuelle, med tilgang til maler som er både enkle å bruke og profesjonelt utformede.

    Egnet også for de som allerede har en nettside på Squarespace og ønsker å forbedre sine ferdigheter.

    Kursinnhold

    • Introduksjon til Squarespace
    • Valg av mal
    • Designendringer
    • Strukturering av sider
    • Målsetting og konvertering
    • SEO (Søkemotoroptimalisering)
    • Tilkobling av domene
    • Analytikk og trafikkstatistikk

    Kursleder: Kristina Austi

    Med solid erfaring og kunnskap om Squarespace, har Kristina Austi designet flere titalls nettsteder spesielt for kunstnere. Eksempler: nettsider til Kari Dyrdal, Astrid Sleire, Marianne Moe, Heidi Bjørgan, med flere.

    Praktisk informasjon:
    Deltakerne må ha med seg en bærbar PC, en idé om hvordan nettsiden skal se ut, og bilder som kan brukes til nettsiden.

    I løpet av kurset vil du lære å opprette, lansere og administrere din egen nettside på Squarespace, fra domenekjøp til analyse av nettsidetrafikk.

    Maks antall deltakere: 12
    NB: Kunstnere med atelier på USF Verftet vil ha førsteprioritet

    BERGEN: How to write about your work

    Dates: Monday 23rd October, Monday 30th October, Monday 6th November
    Time: kl.16-19
    Place: Bergen Assembly Office, Halfdan Kjerulfs gate 4

    To some extent, every artist is also a writer. We have to contextualise our practices within multiple different scenarios and cater to different audiences. There are many ways to speak about one’s work, the most popular being International Art English. There is a time for this type of writing – within academic contexts, certain funding applications – but is this use of language the best for all scenarios? Are there more creative ways in which we can look at the artist statement that reflects the work itself? Do we have to have just one statement, or can we have multiple different options of how to present ourselves for different contexts and audiences?

    In this three part workshop, artist and writer Samuel Brzeski will explore different strategies for writing about your work, focusing on the artist statement. We will discuss the work of others, write together, and gain various new tools and approaches to draft and edit artist statements. The workshop will be run in English, but feel free to write in whichever language you choose. Whilst it is beneficial for you to attend all three sessions, if you can only make some or one of them, this is also fine, but those signing up to the full series will be prioritised.

    The content of each workshop will be tailored to the needs of the participants, so that both inexperienced writers and those who feel more confident writing about their work can all get something out of it. A few readings will be sent out in advance, and the sessions will be based around discussion and a few writing exercises, with some exercises to complete between sessions, but you can participate as much or as little as you like.

    Application / Registration

    Samuel Brzeski is an artist and writer working with language as raw material—through text, voice or otherwise performed. He runs the art writing collective and publishing platform TEXST, works with Lydgalleriet as a writer and editor, and regularly publishes hybrid texts and art writing on various platforms, including Contemporary Art Stavanger, where he was writer-in-residence in 2022.

    We are very grateful to Bergen Assembly for hosting this workshop!

    (NB: The workshop will not be filmed)

    Hedda Kristine Bremseth

    Hva jobber du med?
    Jeg arbeider med relasjonell estetikk.

    Hva inspirerer deg?
    Sosial urettferdighet.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Store strukturelle samfunnsproblemer og nære menneskelige relasjoner.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Jeg har levd et kaotisk og nomadisk liv frem til nå. Har akkurat flyttet tilbake til Stjørdal. Søker mer stabilitet. Har barn og nærmer meg førti. Ønsker å slå meg til ro nært slekt.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Freden og roen. Strekker meg litt for å holde kontakten med det nasjonale og internasjonale miljøet. Det er lettere å bli lat i Oslo eller Bergen.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Jeg må ofte ringe rikstelefonen for å få til en vettug samtale rundt prosjektene mine. Savner en svær kunsthall eller det burde kanskje være forbudt nord for Trondheim?

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg turnerer med mitt publikumsdeltagende talkshow som heter Du skal tåle mye som opptrer på forskjellige institusjoner og subkulturelle settinger. Showet utfordrer publikum til å dele private betroelser fra livet og hverdagen sin. Målet med prosjektet er å gjøre kultur tilgjengelig til lokalsamfunn som kanskje ikke har interesse for eller mangler tilgang til samtidskunst i sitt daglige liv. I prosjektet Hvorfor knuser folk busskur? lager jeg verdens vakreste og koseligste busskur på torget sammen med ungdom. Hvorfor blir det vandalisert? Hva er det som utløser at man ødelegger ting? Hvor er det man møtes og henger hen? Prosjektet bidrar til å se hvilke muligheter man har og hvordan man i felleskap skaper noe nytt.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Bli verdensberømt.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Min generasjon lovende samtidskunstnere under førti.


    Teasere fra diverse prosjekt

    Tander  (passord: tander)
    TEASER (passord: teaser)
    DU SKAL TÅLE MYE (passord: trauma)

    Utstilling på CM7: Leiga – KERAMIKK

    Fredag 29. september kl 18.00
    CM7, Christian Michelsens gate 7, Bergen
    NB: Utstillingen er åpen etter avtale, send mail til aslak@visp.no for å avtale visning

    Velkommen til Leigas første spesialutstilling om keramikk. Vi har invitert kunstnerne Lorie Ballage, Daniela Bergschneider, Eléonore Grieveau og Kari Aasen til å vise frem egne verk.

    Kunstner

    Lorie Ballage er en fransk kunstner som bor og arbeider i Bergen, hun har en BFA fra Kunstakademiet i Dundee, Skottland, og en Master of Fine Art fra Kunstakademiet i Bergen, Norge.

    Daniela Bergschneider er tysk statsborger, basert i Bergen, der hun har en MA fra Kunstakademiet i 2020. Hennes praksis er material- og prosessbasert.

    Eléonore Griveau har en bachelor i kunst fra Superior School of Fine Arts of Tours, Frankrike, og en master fra Kunstakademiet i Bergen. Hun er medstifter og daglig leder for Cone 7-keramikkverksted og driver Cone 7 sitt residency-program.

    Kari Aasen har Hovedfag i spesialisert kunst fra Kunst- og designhøgskolen i Bergen i 2001. Hun arbeider med skulpturelle objekter og installasjoner.

    Leiga

    Leiga er en ny nettside som enkelt lar deg se, leie og kjøpe kunst online. Leiga representerer en ny måte for kunden å oppdage og bestille kunst på, og vi har en ambisjon om at Leiga også skal sikre kunstnere mer stabile inntekter. Leiga er driftet av VISP og er støttet av Kulturrådet, Bergen kommune, Vestland fylkeskommune og Viken fylkeskommune.

    Viken: Stipendkurs med Erik Friis Reitan

    Dato: 5. oktober
    Tid: 17.00-18.30
    Sted: Trafo kunsthall

    VISP, i samarbeid med Trafo Kunsthall, BKA, BBK og NK Viken, inviterer til stipendkurs med Erik Friis Reitan.

    Sliter du med å finne ordene når du skal søke om arbeidsstipend? Hvilke arbeider skal du vise? Bør du skrive snirklete art-speak? Og hva i alle dager er egentlig “kunstneriske planer”?

    I dette kurset går Erik Friis Reitan gjennom noen grunnleggende tips til hvordan skrive den store søknaden om arbeidsstipend. Hvordan forberede søknaden, hvordan navigere i søknadsskjemaene, hvordan organisere bildemateriale, og hvordan beskrive kunstnerskapet på en måte som øker sjansene for å få tilslag. Det vil i tillegg være god tid til spørsmål.

    Vi tar sikte på en hyggelig seanse som både nybegynnere og erfarne kan få noe ut av.

    Erik Friis Reitan er billedkunstner og tidligere doktorgradsstipendiat ved Kunstakademiet i Bergen. Han har mottatt flere stipender og sittet i ulike juryer og utvalg. Erik deler gjerne av sine erfaringer, og har de siste årene holdt mange kurs om søknadsskriving og utstillingsdokumentasjon.

    Kurset er støttet av Viken fylkeskommune.

    SØKNADSHJELPEN 2023: Arbeidsstipend

    Dato: 3. oktober
    Tid: 12.00-13.30
    Sted: ZOOM –  SE OPPTAKET HER!

    Sliter du med å finne ordene når du skal søke om arbeidsstipend? Hvilke arbeider skal du vise? Bør du skrive snirklete art-speak? Og hva i alle dager er egentlig “kunstneriske planer”?

    I dette kurset går Erik Friis Reitan gjennom noen grunnleggende tips til hvordan skrive den store søknaden om arbeidsstipend. Hvordan forberede søknaden, hvordan navigere i søknadsskjemaene, hvordan organisere bildemateriale, og hvordan beskrive kunstnerskapet på en måte som øker sjansene for å få tilslag. Det vil i tillegg være god tid til spørsmål.

    Vi tar sikte på en hyggelig seanse som både nybegynnere og erfarne kan få noe ut av.

    Erik Friis Reitan er billedkunstner og tidligere doktorgradsstipendiat ved Kunstakademiet i Bergen. Han har mottatt flere stipender og sittet i ulike juryer og utvalg. Erik deler gjerne av sine erfaringer, og har de siste årene holdt mange kurs om søknadsskriving og utstillingsdokumentasjon.

    Kirsti van Hoegee er tidligere medlem av stipendkomiteen og vil bidra med innspill og tips til deltakerne. van Hoegee er utdannet kunstner og er for tiden daglig leder ved KRAFT.

    Berit Skive fra Statens kunstnerstipend vil også være med og kan svare på spørsmål fra deltakerne underveis.

    Opptak av kurset blir tilgjengelig på vår YouTubekanal i ettertid.

    OPEN CALL: Mappevisning Bergen 22.9

    (English below)

    VISP, i samarbeid med B-open, har invitert kuratorene Mathilde Carbel, Henriette Noermark og Katja van Etten til å møte det bergenske kunstfeltet fredag 22.9.
    Mappevisningen blir avholdt på CM7 kl 12-16.

    Vi har en intensjon om at Mappevisninger er med på å skape fremtidige samarbeid og utstillinger for våre medlemmer, VISP dekker reise og opphold for kuratorene, men har ingen påvirkning på hvilke kunstnere som velges ut og hvordan et evt videre samarbeid mellom kunstner og gallerist/institusjon/kurator vil utfolde seg. Kuratorene vil selvfølgelig besøke åpne atelier på B-open resten av helgen!

    HVORDAN DELTA?
    -Du behøver kun å FYLLE UT DETTE SKJEMA med din mailadresse, lenke til hjemmeside og CV innen 11. september KL 12. Ved behov kan du bli spurt om å ettersende bilder av nyere verk.
    -Når frist er utløpt videresendes informasjonen til panelet, de velger selv hvem de ønsker å møte.
    -VISP setter opp kjøreplan for arrangement og kontakter kunstnerne som kuratorene velger ut. Hvis du er blant de utvalgte, får du beskjed minimum 1 uke før møtet.
    -Alle typer kunstneriske uttrykk er velkommen.
    -Du får 20 minutter til å presentere eget kunstnerskap, du velger selv hva du ønsker å fokusere på.
    -Du kan velge om du ønsker å presentere en fysisk eller digital mappe, men projektor er dessverre ikke tilgjengelig.

    NB: Du må være registrert som medlem i VISP på det tidspunktet du sender inn søknad. Dersom du ikke er medlem av VISP vil søknaden din ikke behandles, sjekk her om du er registrert som medlem.

    Om kuratorene:


    Mathilde Carbel bor og jobber i Oslo. Hun er kurator for Billedkunstnerne i Oslo og medstifter af galleriet Pachinko sammen med Kristian Schrøder. Mathilde har studert ved CAFA, Central Academy of Fine Art i Bejing, og ved Goldsmiths College i London. Hun har stilt ut ved blant annet Destiny’s Atelier and at ARIEL, Feminisms in the Aesthetics i København, og jobbet ved Kunsthall Oslo fra 2016–2022.

    Henriette Noermark bor og arbeider i København. Hun er en uavhengig kurator med fokus på materialebasert kunst, og arbeider dessuten som skribent og kunstkonsulent. Hun har bakgrunn fra Moderne Kultur og Kulturformidling fra Københavns Universitet. Noermark har kuratert utstillinger i de siste 10 år hos bl.a. Patrick Parrish Gallery, Carvalho Park, Spring/Break Art Show, Maison du Danemark, Augustiana Kunsthal, Glasmuseet i Ebeltoft og Heartland Festival. Hun er bidragsyter til TL Mag, Design Anthology, RUM m.fl.
    Katja van Etten Jarem er kurator med base i Oslo og direktør ved Trafo Kunsthall i Asker. I tillegg er hun direktør og medeier i Van Etten Gallery i Oslo, som hun driver i samarbeid med kunstner Øyvind Sørfjordmo. I sin tid som kunsthistoriestudent i Trondheim grunnla Jarem det stedsspesifikke prosjektrommet kjent som Punket Visningsrom for kunst og hadde stillingen som direktør ved galleriet fra 2014 til 2016.

     

    Mappevisninger er støttet av Vestland fylkeskommune.

    ENGLISH:

    VISP, in collaboration with B-open, has invited curators Katja van Etten, Mathilde Carbel and Henriette Noermark to meet the Bergen art scene on Friday 22 September.
    The portfolio presentation will be held at CM7 from 12-4pm.

    We have the intention that this event helps to create future collaborations and exhibitions for our members, VISP covers travel and accommodation for the curators, but has no influence on which artists are selected and how a possible further collaboration between artist and gallerist/institution /curator will unfold. The curators will of course visit open studios at B-open for the rest of the weekend!

    HOW TO PARTICIPATE?
    -You only need to FILL OUT THIS FORM with your email address, link to website and CV by September 11 at 12pm. If necessary, you may be asked to send photos of recent works.
    – When the deadline has expired, the information is forwarded to the panel, they themselves choose who they want to meet.
    -VISP sets up a schedule for the event and contacts the artists selected by the curators. If you are among those selected, you will be notified at least 1 week before the meeting.
    – All types of artistic expression are welcome.
    -You get 20 minutes to present your own artistry, you choose what you want to focus on.
    -You can choose whether you want to present a physical or digital folder, but a projector is unfortunately not available.

    NB: You must be registered as a member of VISP at the time you submit your application. If you are not a member of VISP, your application will not be processed, check here if you are registered as a member.

    Marie Buskov

    Hva jobber du med?:
    Jeg jobber med skulptur og maleri. Jeg liker å jobbe med et sted som utgangspunkt, og tenke vegger, gulv og tak som del av verket. Atelieret er kjernen i arbeidet mitt, men jeg synes også det er veldig interessant å jobbe med kunst i offentlig rom, som gir mulighet til å strekke og tøye kunsten til omgivelser jeg ellers ikke ville havnet i.

    Hva inspirerer deg?:
    Jeg blir inspirert av og er nysgjerrig på strukturene som omgir oss, både i de store skalaene, men også ned i intrikate detaljer. Samtidig finner jeg mye inspirasjon i å lage verk, idet ett er ferdig kommer iveren etter å lage et annet for å utforske videre det som ble satt i gang i prosessen.

    Men mitt beste sted for å finne inspirasjon er varmt, rennende vann over hodet, altså dusjen. I den varme strålen av vann, kjenner jeg at ideene kommer mye lettere enn ellers. Det er visstnok påvist at rennende vann aktiverer en kreativ del av hjernen.

    I tillegg blir jeg inspirert av andre kunstnere, av litteratur, film og ikke minst musikk. Spesielt poesi og musikk kan åpne noe nytt i meg, som gir meg lyst til å favne samme fornemmelse visuelt. Men når jeg jobber hører jeg gjerne på energisk musikk, i alle sjangre, både klassisk og pop. Det gjør det lettere å komme i kontakt med et intuitivt språk, samtidig som det gir flyt i arbeidet.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg har alltid vært interessert i arkitektur og omgivelser, men den siste tiden har jeg blitt mer interessert i omgivelser i form av strukturer og rytmer, både i de som er synlige og de som ikke er det. Man kan si at jeg jobber med å streke opp nye romligheter med utgangspunkt i disse strukturene. Jeg leter etter luker i rommene, som jeg enten prøver å fylle eller lar stå urørt. Det kan være tanken på rom som oppstår mellom noe, som i møtet mellom to overflater, eller i brytningen mellom noe som er kjent og noe som er imaginært. Jeg er nysgjerrig på sammenkoblingen mellom ulike posisjoner, som det tilfeldige og det planlagte, det lesbare og det abstrakte, og koblingen mellom det utopiske digitale og det håndfaste objektet. De mest interessante områdene er de ubestemte, de som ikke tydelig kan måles, beskrives eller forklares. Det tvetydige og uavklarte som finnes i mellomrom og avgrensninger. Det er dette jeg jobber med å gi synlig form, verkene er mine opptak og forståelser som jeg gjerne vil se i verden.

    Helt nylig laget jeg et lite verk på papir, av akvarell og kaseintempera. Det er kjappe strøk, der pigmentene møter arket direkte og i høyt tempo. Umiddelbart kan det se ut som tilfeldige strøk i ulike retninger, men jeg jobber best når hånden har noe å bryte seg mot. Til dette lille verket har jeg hatt et digitalt mønster som utgangspunkt, et mønster jeg selv har laget ved å bruke et 3D-program «feil». Mønsteret som oppsto har jeg tegnet opp for hånd igjen og igjen til jeg det sitter utenat, og et lite utdrag av dette er altså forlegget til det lille arbeidet. Når jeg jobber helt uten noe å bryte mot så blir det til at hånden repeterer sine egne former, og jeg ender til slutt med generiske former som jeg fort mister interessen for.

    Men det kan også være et bestemt sted, rom eller arkitektur som er interessant å bryte arbeidet mot. I 2020 ferdigstilte jeg arbeidet med kunst til Sola kirke. Her jobbet jeg i dialog med arkitektene, slik at deler av kunsten er integrert i arkitekturen: I kirkens inngangsvegg og altervegg var det allerede tegnet inn skråstilte lameller som lyset skulle sive inn gjennom. Jeg valgte å jobbe videre med dette grepet, og lagde en komposisjon av kutt i lamellene i begge vegger, der jeg også inkluderte farget glass. Dette forsterket det arkitektoniske grepet, men bragte inn noe uregelmessig og uforklarlig. I tillegg til dette laget jeg en altertavle i banket messing, samt alle de liturgiske møblene.

    Jeg jobbet med kunsten til Sola kirke i en periode på tre år. Det er fint å ha noe arbeid som strekker seg over tid, som er omfattende og i flere stadier, men like viktig er det å lage noe i korte støt av energi. Begge deler flytter arbeidet videre.

    Dette med tid synes jeg er en vesentlig del av kunstnerisk praksis, og tilmålt tid på atelieret er et avgjørende rammeverk for hva jeg lager. Jeg fikk barn mens jeg gikk på Kunstakademiet, så hele min måte å jobbe på har vært i hva jeg kan kalle lommer av tid. Alltid med vissheten om at det ikke er lenge til jeg må forlate det for så å komme tilbake. Avbrytelsene har vært like tilstedeværende som tiden til rådighet, både på en god og ikke så god måte. Men denne sommeren har sønnene mine flyttet hjemmefra begge to, og jeg ser for meg at tiden blir langt mer flytende framover. Jeg er noe uviss på hva det innebærer for tiden på atelieret, men at det vil forandre arbeidsprosessen, det er jeg ganske sikker på.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Da jeg var ferdig på Kunstakademiet i Oslo i 2009 gikk min eldste sønn på Steinerskolen på Hovseter i Oslo, og jeg så ingen grunn til å flytte. Samtidig hadde jeg deltidsjobb, først på Nasjonalmuseet og siden på Kunstnernes Hus, som jeg var veldig engasjert i.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Da jeg bodde i København savnet jeg tanken på å kunne gå rett ut av byen og inn i skogen, og potensielt sett fortsette å gå i mange dager uten å møte på annet enn skog. Det kan man i Oslo. Det er en stor frihetsfølelse bare i tanken. Samtidig gir Oslo muligheten til å kunne se mye kunst.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Jeg savner et godt sted å jobbe. Jeg savner et romslig sted, både i form av takhøyde, lys, økonomi – og forutsigbarhet, men også i form av et generøst og faglig fellesskap.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Om noen uker åpner jeg utstilling på Galleri Riis, og jeg holder på med de siste bildene til utstillingen. Jeg prøver å gi meg selv mot til å la penselen være fri på arket.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Min største ambisjon er å holde mitt kunstneriske rom fritt, tøyelig og åpent. Det er et enormt privilegium å ha et sånt rom, og det er ikke noe jeg tar for gitt. Det er hele tiden under påvirkning og angrep fra ytre faktorer, som tid, økonomi og forventninger. Det handler om å gi plass til min egen stemme.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Siri Ekker Svendsen

    SØKNADSFRIST 7.11 – Open call: Leiga lanseres i Viken!

    Snart lanseres nettsiden Leiga i Viken! På Leiga kan man leie kunstverk fra kunstnere i Viken og Vestland, fra måned til måned til 5% av verdien – etter 20 måneder er kunstverket fullt betalt og kunden eier kunstverket. 

    Søknadsfrist er 7.11, gjelder også for kunstnere i Vestland.

    Vår intensjon er å skape faste månedlige inntekter for kunstnere, øke synligheten til samtidskunsten, og bidra til at flere samler på kunst.

    Kunstnere får 80% av inntektene fra utleien, Leiga tar 15% til administrering, markedsføring og vedlikehold av nettsiden, mens Stripe tar 5% i avgift.

    Kriteriene for å delta på Leiga er:
    -Kunstnerisk utdannelse (med mastergrad blir man automatisk godkjent, bachelor eller lavere blir vurdert av et fagutvalg)
    -Høy kunstnerisk aktivitet (utstillingshyppighet)
    -Medlemskap i VISP
    -Bosted Viken/Vestland

    For å søke om å bli representert på Leiga, send inn følgende til fagutvalg@leiga.no:

    – CV

    – Lenke til hjemmeside dersom den er oppdatert, eller evt. tre bilder av egne verk som representerer ditt nåværende kunstnerskap, som eksempler på hva du ville lagt ut for leie/salg på Leiga

    Fagutvalget består av kunstnerne Susanne Skeide (representant for BKFH), Philipp von Hase (representant for NKVN) og Heidi Bjørgan (oppnevnt av VISP).

    Etablering av Leiga i Viken er støttet av Viken fylkeskommune, Leiga er støttet av Kulturdirektoratet, Vestland fylkeskommune og Bergen kommune.

    Viken: Kunstorientert skriving med Aasne Linnestå på Blaker Kunstskanse

    VISP inviterer i samarbeid med Trafo Kunsthall, BKA, BBK og NK Viken til skrivekurs med Aasne Linnestå.

    Kurset finner sted på Blaker Kunstskanse 9. september fra 10.00 til 16.30.

    Kurset vil ha fokus på å skrive på stedet, in situ; det vil bli gitt ulike oppgaver underveis, der det å forløse den enkeltes skrivekraft vil være i fokus. Deltakerne får mulighet til å utforske alt fra poesi til prosa, og i forkant av kurset vil de dessuten få tilsendt et lite tekstkompendium, til ren inspirasjon, men også som utgangspunkt for en eller flere oppgaver i løpet av skrivedagen.

    Aasne Linnestå er poet, romanforfatter og librettist.

    Hun har skrevet åtte romaner og fem diktsamlinger, samt tre librettoer for komponist Maja S.K. Ratkje. I 2017 mottok hun Mads Wiel Nygaards legat, og i 2018 ble hun tildelt Amalie Skram-prisen. Siste utgivelse er romanen «Sommer i mørket», (Gyldendal, 2023).

    Maks 15 deltagere, ingen deltakeravgift.

    Påmelding skjer ved å sende mail til Aslak@visp.no

    KURSET ER STØTTET AV VIKEN FYLKESKOMMUNE

    Bjarte Bjørkum

    Hva jobber du med?
    Jeg jobber 99% med rent foto som sluttresultat og 1 % med objekter som sluttresultat. Det er fint å bruke ulike sjangre i fotografi, og jeg veksler mellom iscenesatt fotografi, konseptuelt fotografi, utvidet familiefotografi og fotografier som eneste måten å vise øyeblikksskulpturer på. Og utenpå de 99% + 1% er jeg 10% forfatter. Etter fem bøker ligger forfatterskapet litt dødt. Det krever så enorm konsentrasjon. Og oppå det er jeg 5% humorist.

    Hva inspirerer deg?
    Det er kanskje lettere å ramse opp den ene tingen som ikke inspirerer meg: Administrasjonsarbeid (ler tørt). Men det som virkelig inspirerer meg er verk av enhver art som får dører i universet til å åpne seg. Noen kunstnere har den sjeldne gaven. Ellers har hodet mitt den egenskapen at det kan snu absolutt alt på hodet eller gi absolutt alt en annen vinkling. Så jeg klarer på en måte å inspirere meg selv i stor grad. Må bare nevne at det å lære seg å sykle enhjulssykkel er veldig bra for hodet. Det var min førtiårskrise. Nå kan jeg sykle ned Fløysvingene på ett hjul uten å skjelve.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Selv om det er vanskelig, prøver jeg å la være å ha forbilder. Jeg liker ikke at andres arbeider skinner gjennom i mine bilder. Referanseløs kunst er spennende, men også utfordrende å få til. Jeg har full jobb ved siden av et kunstnerskap som utøves i affekt og rykk og napp og i en og annen lunsjpause. Men jeg har heldigvis den egenskapen at jeg får komplette visuelle ideer, altså ferdige bilder i hodet. Og jeg er lykkeligvis i stand til å gjenskape det fotografisk. Det hjelper nok at jeg er en jævel på det tekniske, og jeg elsker å ta i bruk både ny og eldgammel teknologi. Men jeg lar ikke det tekniske få plass i bildene mine, det tekniske er bare en forlengelse av eget hode og egen kropp. Jeg har et arsenal av ulike kameraer, og alle representerer en egen måte å se på. Jeg approprierer hvert kameras unike blikk, og lager prosjekter som ser ting på sin egen måte.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Uforutsette ting har ført de fleste mennesker akkurat dit de er nå. Jeg trodde en stund jeg skulle bli i Stockholm, men ulike hendelser førte til at jeg havnet i Bergen. Så førte det til familie og jobb og forpliktelser. Veldig prosaisk. Og veldig utbredt.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Det er fin driv blant de yngre kunstnerne i Bergen. Nyutdannede danner kunstnerkollektiver og lager gallerier.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Rene fotogallerier. Eller gallerier som har en klar profil på fotografi. Og jeg savner visjonære eiere av eldre industribygg som ikke bukker under for trangen til å sette opp en boligblokk i stedet, men ser nytten av å løfte litt slitne områder med kulturbygg som har både konsertscene, kafé og kunsthall.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg jobber med maling. Jeg fotograferer maling. Utrolig gøy. Det dukker opp bilder jeg ikke trodde jeg var i stand til å komme på. Helt ut av det blå. Det kan skyldes at jeg endelig har fått meg eget studio. Den kreative reisen har vært lykksalig. Jeg skjønner først nå hva slags frirom et studio kan være og hva som kan oppstå der. Ellers elsker jeg å jobbe enkelt og med simple materialer. Jeg har blitt veldig inspirert av å studere skulptur. Jeg er på en måte skulptør. Bare at jeg jobber med maling. Og resultatet blir fotografi. Det høres nesten ut som abstrakt poesi.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg tenkte å begynne litt beskjedent med fylkeskommunalt herredømme. Og så utvide etter hvert. Vel. Vi får se. Den store drømmen er jo å kunne leve av å være kunstner. Og jeg drømmer selvsagt om et japanskinspirert studio i en egen hage rundt en egen villa. Men det gjør vel alle.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Uten tvil: Finn Brodal. Et godt kunstnerskap som ikke fortjener å gå under radaren i kunst-Norge. Bosatt i Oslo.

    OSLO: Karina Holland er ansatt i 40% stilling

    VISP har ansatt Karina Holland som vår nye medarbeider i Oslo!

    Karina Holland har god kjennskap til kunstfeltet og kunstinstitusjonene i Oslo fra sine tidligere stillinger hos blant annet Kunstnerforbundet, Oslo Art Guide, Oslo Art Weekend, Forbundet Frie Fotografer og Fotogalleriet, der hun primært har arbeidet med kommunikasjon, koordinering og formidling. 

    Karina har de siste tre årene studert ved forfatterstudiet i Tromsø og har fra tidligere en MA i kunstfotografi fra Kingston University i London. Hun har også studert kunsthistorie og mediearkeologi ved universitetet i Oslo samt journalistikk ved Edith Cowan University i Perth.
    Holland er ansatt i 40% stilling og starter i jobben 15. august.

    Tuda Muda

    What is your expression?
    I love moving between mediums and I don’t have a fixed style. Previously I have worked with drawing, video & Installation art but I see myself moving towards sculpture.

    What inspires you?
    At first “anger” inspired me, its existence, causes, symptoms, consequences and so forth and I did this by mapping its presence in my life and creating works based on that personal experience. Because our personal experiences are a result of the culture, we grew up in, so, then I went after the culture and how it molds the mind to think, feel and behave a certain way. I made works about that. And then I went after myself, how I see myself in this culture? How I chose to respond to it? Do I agree or disagree with it? What I like and dislike about it and what I want to change in it? Then I made works about that. While doing all this I realized that I am doing something important and so I continue to do it.

    How would you describe your art?
    I would describe my art as a shared experience. Meaning, I use my own experiences as a starting point, only to invite and include others with similar experiences. I work with themes of loss, trauma, perseverance, and resilience but also ease, joy and hope. I create these works as means of discovery and manifesting breakthroughs which can be for an individual or a collective. I do this by playing the role of the narrator/protagonist/performer/storyteller in a video/drawing/installation/sculptural format. For example :

    A body of work that was inspired by anger was “I do. Do i?” (2019, Charcoal drawings on paper) becoming a starting point of realizing the conditions I had put forth for loving myself and the external influences determining those conditions. The drawings are of my own body exaggerated, twisted, and manipulated just enough to make me question, “is this what it takes to be loved?”. Often confusing external validation, looking beautiful, and being likable as a way of being loved, “I do. Do I?” brings forth the burden of beauty, it’s inevitable attachment and the conditions of being an acceptable woman. This work led me to do my 1st solo show with Standard (Oslo) and later the same works were acquired by the Nasjonalmuseet of Norway. “KISS MY ASS”, (2020) is one of the large-scale, site-specific installations I did with a size of 279 x 444 cm (9ft x 14 ft) of a 600-resolution scan of my butt printed on glossy paper and pasted in the gallery window Art Academy directed outwards to the street & (society). My butt was hanging heavy in one of the busiest streets of Trondheim, Solsiden and later in Stockholm at Sergel’s Torg as a self-explanatory work and an extension of anger inspiration but directed outwards instead of inwards.

    A complicated work of Anger was “BLINK” (2022), a large scale installation, based on the difficult subjects of rape culture, sexual harassment, sexual abuse, and first/second-hand trauma from the same. The motivation has been my own experiences that I witnessed growing up. Using these experiences as material, I developed an Installation consisting of 234,5 cm x 461,4 cm charcoal drawing of a woman who comes to life when the video footage collected in New Delhi and an in-house animation is projected on top of the drawing. “BLINK” is a revenge fantasy and a work of catharsis, for anyone who has experienced sexual harassment or abuse while commuting. I understand that this is not «my» story, but a story of many women, making this work an opportunity for solidarity and a platform for anger as a natural response to provocation to safety. Producing this work has been the most challenging work I have done till this date, and this work premiered in 2022 during Trondheim Open with funding support from NBK & Kulturådet.

    (You can view this work on Vimeo: https://vimeo.com/tudamuda, other works can be seen, on Instagram @samrridhik and @tuda_muda)

    Why did you end up living in Trondheim?
    Life has a crazy way of working out for you, when you decide that “it” is something you want.
    I first discovered Norway in 2017 when I was living in New Delhi, India because of a singer/musician “Aurora” who was hosting a podcast and began to share the influences that had contributed to her Music, and she credited her upbringing to Nature in Norway. Listening to her talk about life and music, Norway began to resemble another home away from home. And her song “Runaway”, resonated with what I was feeling at the time, where I didn’t feel like I was home, even though I was born and brought up in Delhi. I wanted to literally runaway and find a place where I belonged and where I could be my authentic self. And her music was on point with so many things I was feeling and wanted to experience. One of things that I wanted for myself, to study abroad, and to witness the world outside my bubble and I began to investigate the Art schools available in Norway.

    So, in a bizarre turn of events, I decided to leave everything I had identified as “my life” and moved halfway across the world to Norway, to Trondheim to pursue a master’s in fine art from Kunstakademiet i Trondheim in 2019! It has been one of the best decisions I have made for myself and thanks to the distance, I have better understanding of my own upbringing, country, and the culture. So, now I have 2 homes, Norway and India, and I have never felt better 😊.

    I ended up staying back in Trondheim after my graduation (2021) because I was invited by the curator/artist duo, Rhea Dall and Elmgreen & Dragset to be a part of the inaugural exhibition of K-U-K, followed by a group show with Standard (Oslo), which was then followed by preparing for my 1st solo show held at Standard (Oslo) in 2022! Because of these amazing invitations I had to set up a studio as soon as possible and I found Atelier Ilsvika, where I have had my studio since 2021.

    What do you like about the artscene and the town?
    I like Trondheim for its intimate environment. The city does not swallow you, but you float in it. I don’t even live in the city but on its outskirts because I like the distance. I am still discovering Trondheim a bit by bit via walking, riding, kayaking, swimming and so on. I like that the city inhabits so many artists across discipline and that there is always something happening. I do wonder if we take that for granted.

    I do love where my studio is based out off (Atelier Ilsvika) where I am surrounded by positive and warm creative professionals. I admire Trondheim Kommune and Trøndelag Fylkeskommune, for their various provisions to support Artists of all kinds as it has proved to be very beneficial for a lot of artists including myself.

    The Trondheim Art scene has this familiarity of an artist community moving from the inside of the art academy to the outside of the academy. That can be very helpful in transitioning from a student life to a professional one. The familiarity is nice as you show up in support of each other. But in that sense the art scene also becomes somewhat of a bubble, and due to that safety of a bubble, you forget to take risks or leave the city all together for the possibility of new growth.

    What could be better in the local artscene?
    I am most worried about not seeing student artists from Non-EU/EEA countries in the coming future in this side of the world. With the new fee’s structure, an international student can be expected to pay up to 500,000 kr for an art education which even a Norwegian student cannot afford. It’s a disaster and now, this missing economy will have a direct impact on the functioning of the Art Academies. So, it’s a social, creative, cultural and an economical disaster.

    I was disappointed to see the lack of attendance by the local artists joining the protests and being vocal about this issue as an artist community that thrives on being influenced from each other. I think we can be better at showing up for each other. Perhaps their absence highlights something darker in the local art scene that I am not willing to accept but would like to change.

    Inclusivity & curatorial dissemination can be better in the Trondheim. I find local organizations struggling to acknowledge that. Trondheim has tons of Artists, but we lack a roster of good and creative curators, I hope we see that changing as well.

    What are you currently working on?
    I am currently working on “APPARITION IN THE WOODS” a project that observes and shares the discovery of a mutant in the woods. This mutant is a Half rock-half human, spotted in a forest sitting on the edge of a cliff. Through a short story and series of drawings in natural pigments and red acrylic ink, we see the story of this human turned mutant and its vulnerabilities.

    This mutation experienced by this human, is a physical illness caused by trauma, emotional captivity, or emotional depravity. The mutation is identified as a rock like formation growing and consuming the human body, weighing it down. Through this metaphorical mutation I explore the possibility of health conditions being a symptom of emotional sickness, that restrict us from living our life in best capacities.

    The project is also inspired by the loss of my father to cancer and the possibility of the cancer being a symptom of a larger internal conflict instead of it being a purely physical diagnosis. I wonder if his emotional health led to his physical deterioration. And what could have been the possible factors influencing his emotional sickness? However, the work uses this loss as a conversation starter about our immediate environment and its intolerance towards vulnerability that pushes individuals into the deep end to live this “ideal” life based on gender norms, societal expectations, a good boy/good girl culture.

    What are your ambitions and plans for the future?
    My dream is to create a sculpture park as amazing as the Vigelandsparken (my favorite sculpture park which moved me the first time I saw it, and the 2nd time) So in the coming month, I am traveling to Italy to learn about marble sculptures and to receive the physical training of building marble sculptures. It’s a good step towards this vision, and I am sure I’ll make this happen with great ease, joy and glory.

    Who of your colleagues deserves more attention?
    My colleague, Yinlin Kong is a young visual artist from China based in Trondheim. She makes these amazing paintings with Penguin protagonists in different series of works where she examines the impact of climate change on the species of Antarctica. Her work evokes sympathy for these penguins who seem to be isolated and are taking each day as it comes to survive. There is just something special about what she’s doing, and I really like it. Sometimes I feel she is the penguin in her works. If you want to see her work, just write to her on Instagram, @silverkq .

    FULLBOOKET – VIKEN: Fotodokumentasjon av kunst med Istvan Virag på Trafo Kunsthall

    KURSET ER FULLBOOKET

    VISP i samarbeid med Trafo Kunsthall, BKA, BBK og NK Viken inviterer til kurs i fotodokumentering av kunst på Trafo Kunsthall i Asker 22 august.  I dette kurset vil fotografen og kunstneren Istvan Virag gi en grunnleggende innføring i hvordan fotografere kunst av ulike typer til bruk i portfolio, til nettsider, sosiale medier osv. Kurset krever ikke spesielle forkunnskaper. Etter kurset er målet at alle deltakere skal:

    – kjenne til grunnleggende teori til å dokumentere egne verk (komposisjon, lys, osv.)

    – kjenne til grunnleggende fotografiske teknikker til å dokumentere egne verk (kamerabruk, auto-funksjon, manuelle kamerainnstillinger: blender / lukker / ISO)

    – bli introdusert til enkelt (og rimelig) utstyr (kamera, objektiver og lamper)

    – bli introdusert til et utvalg med nyttige tips & triks for å få bedre dokumentasjonsbilder

    – kjenne til ulike digitale formater, og når det er hensiktsmessig å bruke dem

    – kan gjøre et utvalg av egne bilder, og bli informert om muligheter til bildebehandling på profesjonelle måter

    + praksis, fotodokumentasjon av eget verk

    Kurset finn stad 22 august og varer fra kl 0900 til 1700

    Arrangementet er gratis og har en begrensning på 10 deltagere. Alle må ta med sitt eget kamera til kurset. (det kan vere mobiltelefon/ipad om du ikke har kamera)

    NB: Påmelding skjer ved å sende mail til aslak@visp.no

    Istvan Virag (f. 1982) er bosatt og arbeider i Oslo. Han har utdannelse fra bl.a. Kunsthøgskolen i Oslo, School of Visual Arts, New York og Bilder Nordic School of Photography. Han arbeider som profesjonell fotograf og kunstner med flere gruppe- og separatutstillinger i inn- og utland bak seg. Virag har dokumentert kunst for en rekke kunstnere og arrangementer.

    KURSET ER STØTTET AV VIKEN FYLKESKOMMUNE

    Bilde: Jan Freuchen på Billedhoggerforeningen Foto: Istvan Virag

    OSLO: VISP søker medarbeider i 40% stilling!

    LEDIG STILLING OSLO: VISP søker medarbeider i 40% stilling i Oslo med oppstart 15. august.

    Vi ser etter en medarbeider som er utadvendt og kunnskapsrik, med gode norsk- og engelskkunnskaper. Vår medarbeider må evne å snakke både med kunstnere og byråkrater, og ha god kjennskap til, og bredt nettverk, i det visuelle feltet i Oslo.

    Medarbeider bør ha erfaring med Office, SoMe og WordPress.

    Kontorplass er Øvre Slottsgate 7, men noe reising i jobben må beregnes.

    Stillingen har 6 måneders prøvetid, lønn etter avtale.

    Jobben består av varierte arbeidsoppgaver, de mest sentrale er å:

    -være vertskap for kurs, workshops og andre arrangement i Oslo

    -være et bindeledd mellom VISP og andre kunstorganisasjoner, det offentlige og det visuelle feltet i Oslo

    -ha ansvar for søknads- og rapporteringsarbeid for prosjekt/arrangement i Oslo, i samarbeid med daglig leder

    -ha ansvar for lansering av nettsiden Leiga.no i Viken fylke

    Send søknad med CV til aslak@visp.no innen kl 12.00 den 15. juni, send også gjerne spørsmål til samme mailadresse!

    Intervju vil foregå i Oslo 26. og 27. juni.

    VISP er kompetanse- og nettverksorganisasjonen for det visuelle feltet i Norge. I fjor arrangerte vi nærmere 40 kurs og arrangement over hele landet, samt på nett. Vi har i underkant av 1800 medlemmer som hovedsakelig er billedkunstnere og kunsthåndverkere, men også kuratorer, gallerister, produsenter m.m. Les mer om VISP her.

     

     

    Tora Endestad Bjørkheim

    Hva jobber du med?
    Eg jobbar hovudsakleg med tekstile teknikkar og materialer. Dei fungerer som eit utgangspunkt og ligg gjerne som eit premiss for vidare arbeid med større romlege installasjonar.

    Hva inspirerer deg?
    Eg er nok meir enn noko anna interessert i praksis. Korleis nokon jobbar inspirerar meg gjerne meir enn kva dei jobbar med. Kanskje er eg også opptatt av det fordi eg synest det har vore krevande å finne ein god flyt i eige arbeid, og at det har tatt lang tid for meg å bli kjent med min eigen arbeidsprosess.

    Ellers er eg spesielt interessert når ei utstilling klarer å gjere meg bevisst mitt eige blikk, min eigen posisjon og den situasjonen eg til ei kvar tid er med på å skape. Det betyr ikkje at alle utstillinger ideelt sett skal fungere på ein sånn måte, men det gjer meg interessert fordi det gjer det tydeleg for meg kvifor utstillingssituasjonen er politisk viktig – også på eit samfunnsplan.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Eg har alltid hatt ei grunnleggande og djup interesse for dei tekstile handverksteknikkane, og det potensiale dei har til å skape og ivareta både emosjonelle og sosiale rom.

    Frå denne interessa for handverket spring fleire koplingar ut. Eg tenker gjerne at eg jobbar innanfor fleire overlappande interessefelt som vanskeleg kan skiljast frå kvarandre: funksjon/bruk (t.d. møbler, interiør, objekt), tekstilt handverk/produksjon (t.d. unika, masseproduksjon, repetisjon) og flater/rom (t.d. biletflater, funksjonelle flater, display, modulære system).

    Desse koplast saman i arbeid som både er ei form for biletskaping og ein produksjon av funksjonelle objekt. Håpet er å skape situasjonar som midlertidig kan skapeforskyvingar i forholdet mellom «bruk» og «bilete». Med dette som utgangspunkt forsøker eg å få arbeidet til å mane fram ein kroppsleg og kjenslemessig medviten i og om utstillingssituasjonen.

    Eit døme på korleis dette kan sjå ut i praksis er utstillinga Gesture Texture Display (2019). Der jobba eg med forholdet mellom biletflata og den funksjonelle flata. Element frå̊ ein hushaldingskontekst blei sett saman til eit rom for kroppsleg navigasjon og habitasjon: Enkeltdelar frå̊ standardiserte møbelsystem balanserte i modulære strukturar, bilete frå̊ interiørkataloger var oversett til uskarpe perlevevde flater, og gul golvteip delte inn rommet og la føringar for bevegelse.

    Dei siste par åra har eg også jobba målbevisst med å utvikle eigen metode og arbeidsform, og å gjere dette på ein måte som let arbeidsprosessen og utstillingssituasjonen vere ein respons på eigen livssituasjon og min eigen mentale/emosjonelle tilstand.

    Dei repeterande og rytmiske handverksteknikkane har ei eiga evne til å gi tid og rom for at kroppslege og emosjonelle tilstandar kan eksistere saman med analytiske tankerekker og dei utgjer slik sett også eit godt utgangspunkt for ei undersøking av dette forholdet både teoretisk og formmessig.

    Til dømes så undersøker arbeidet Suite (2022) det dekorative og omsorgsfulle objektet – det som kan bære og omslutte, skjule og avleie – ved fritt å kombinere og delvis gjenskape element frå utvalde historiske og kontemporære bruksgjenstandar. Ustillinga BUDS som opna på KRAFT i april i år er ei vidare utviklinga av dei same problemstillingane.

    Hvorfor ble du boende i Oslo?
    Eg har flytta mykje i oppveksten, mellom aust og vest, og har også budd lenge både i Bergen og Oslo etter endt utdanning. Eg er nok ganske tilpassingsdyktig på den måten, og det skal ikkje så mykje til før eg kjenner meg heime.

    Det er viktig for meg å bu ein plass der det eksisterer eit kunstmiljø som er stort nok til at ein kan oppleve ei breidde, og at miljøet er større enn meg og mine næraste arbeidskollegaer. Etter å ha budd på fleire små stader gjennom oppveksten veit eg også godt at det kan vere krevjande å vere ein av få eller den einaste kunstnaren i området. Samtidig kan eg med jamne mellomrom lengte etter eit anna tempo (og faktisk også færre tilbod). Eg har likevel funne meg godt til rette i Oslo dei siste åra, og har no både familie her og ei deltidsstilling på Kunsthøgskolen på fagområde tekstil.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    For meg er det er godt å få vere ein kunstnar blant mange, både for å ha eit fellesskap og for å kunne fungere kollektivt, men også fordi eg lettare kan tillate meg å vere kunstnar på eigne premiss når det er nødvendig. Det er tydlegare for meg i det daglege korleis ansvaret for lokalmiljøet (t.d. i å formidle og fungere politisk for fagfeltet) delast av fleire.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Mest av alt saknar eg føreseielege arbeidsforhold. No har eg subsidiert atelier frå Oslo kommune i Myntgata. Tidlegare har eg i lange periodar har eg valt å jobbe heime fordi det trass alt har vore betre enn å gå inn i leigeforhold som uansett skal avsluttast i løpet av kort tid på grunn av bustadsutvikling eller liknande. No skal snart både atelierfellesskapa på Ila og i Myntgata avviklast av Oslo kommune utan at det er funne nye alternativ for leigetakarane. Det er kritisk både for det store talet enkeltkunstnarar det gjeld og for byen sitt kunstmiljø for øvrig.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    I fjor starta eg på ei lengre undersøking under den overordna arbeidstittelen det omsorgsfulle objektet – det som t.d. varmar, berer, støttar, skjuler og skyddar. Dette arbeidsområdet gir rom for å bruke tekstile bruksobjekt (som t.d. bringekluten/hjartevarmar, nettet, perleveska) som omdreiingspunkt for undersøkingar av sosiale strukturar og funksjonalitet/bruk.

    Til no har eg jobba hovudsakleg med det eg har kalla «det berande» og det har avgrensa seg til å handle om den hekla perleveska. I kraft av å vere både eit historisk og kontemporært objekt har den potensiale til å aktualisere og knyte saman forståinga av teknikk/materiale med forståinga av sosiale strukturar og politiske spørsmål. Som eit personleg og berbart objekt inngår den også i både offentlege og sosiale situasjonar og gir såleis gode moglegheiter til å undersøke det tekstile bruksobjektet si rolle som meiningsberar og sosial markør.

    Arbeidet Suite som var del av Vestlandsutstillinga 2022 og utstillinga BUDS som no er open på KRAFT i Bergen inngår i denne undersøkinga. Eg er så vidt komen tilbake på atelieret igjen etter ein hektisk innspurt og er akkurat klar for å sette i gang med prøver til nye arbeid innunder det same arbeidsområdet.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Ambisjonane mine handlar nok mest om å skape arbeidsrutiner som fungerer for meg og som gir meg flyt og kontinuitet i arbeidet. Eg synest det har vore krevande å finne ut korleis eg kan jobbe for at det skal vere bærekraftig over tid, både med tanke på energi og økonomi.

    Til slutt: Hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Eg vil gjerne løfte fram min gode venn og kollega Stacy Brafield. Ho har ein praksis som går utanfor og rundt den vanlege opptrakka løypa. Ho skapar møter og bindingar og knyttar nesten alltid seg sjølv og arbeidet sitt til andre. Ho er også uvanleg merksam på omgjevnadane sine, og rører ved store spørsmål i det heilt nære og intime. Sidan eg er veldig interessert i å bruke tid på å finne ut korleis ein kan jobbe og korleis ein praksis kan fungere er det spesielt spennande å følge hennar arbeid, både på avstand, i samtale og som venn.

    Viken: Kurs i synlighet og selvpresentasjon med St. Hans Kommunikasjon (fullbooket)

    VISP i samarbeid med Buskerud Bildende Kunstnere, Trafo Kunsthall, Billedkunstnerne i Akershus og Norske Kunsthåndverkere Viken har gleden av å presentere det første kurset i en kursrekke som holdes for kunstnere i Viken i løpet av 2023:

    Første kurs ut er et kommunikasjonskurs 14 juni kl 10.30-15.00 på Trafo Kunsthall. Maja Hattvang fra St. Hans Kommunikasjon guider deg gjennom de grunnleggende prinsippene for god kommunikasjon av egen praksis, på tvers av digitale og analoge kanaler (inkl. sosiale medier). Vi snakker om hvordan du setter deg relevante mål, gjør gode målgruppevurderinger og bruker de rette verktøyene. Kurset tar høyde for at deltagere kan ha begrenset erfaring med digitale flater. Vi jobber i 4 timer pluss lunsjpause, og med innlagte øvelser basert på deltagernes egen praksis. Alle får med seg maler og verktøy etterpå.

    St. Hans Kommunikasjon ble etablert av skribent og kurator Johanne Nordby Wernø i 2019, som landets første byrå spesielt rettet mot kunstfeltet. Vi har bistått både store oppdragsgivere som KORO, Norsk Kulturråd og flere regionsmuseer, mellomstore visningsrom som Kunsthall Trondheim, Unge Kunstneres Samfund og Tromsø Kunstforening, og en rekke enkeltkunstnere. Maja Hattvang er kommunikasjonsrådgiver hos St. Hans. Hun er kunstskribent, journalist og tekstforfatter, med erfaring bl.a som leder for digital markedsfører hos forlaget Cappelen Damm.

    NB: Krever påmelding. Kurset er fullt!

    Foto: Johanne Log

    Skattekurs 8. juni

    Velkommen til skattekurs for billedkunstnere torsdag 8. juni kl 19.00 på ZOOMmeld deg på her – med kursholder Kristoffer GV Vassdal.

    Grunnet fullbooket kalender, har ikke vår eminente kursholder hatt anledning å holde skattekurs i mai.

    Dersom du ønsker det kan du her be om utsettelse for innlevering av skattemeldingen.

    Hvis du vil levere skattemeldingen nå kan du bruke Skatteetatens egen veiledning her, det er også mulig å sende inn skattespørsmål til skatt@visp.no.

    Opptak av kurset kan du se her på vår YouTube-kanal, husk å abonnere på kanalen!

    Slides fra kurset finner du her: VISP Skattemeldingskurs 08.06.23.

     

    Polina Mihajlovna Chernitskaya

    Hva jobber du med?
    Maleri, mixed-mediainstallation og text

    Hva inspirerer deg?
    Jag inspireras av min omgivning. Mina observationer av miljöer och möten med andra är alltid grunden för mina verk.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jag jobbar med komponering av visuella narrativ: collage av symbolism, diverse medium och objekt. En plats där hantverk och readymades kan mötas och skapa en ny helhet och historia men också porträttera och hinta om det som en gång var. Syftet är att iscensätta och materialisera det immateriella, såsom minnen, traditioner och upplevelser. Mitt mål är att skapa en familjär atmosfär mellan betraktaren och mig själv och på så sätt bjuda in till diskussion kring teman som berör oss alla; saknad, sorg, kärlek, hem och tillhörighet.
    Jag placerar min praxis i genren magisk realism då mitt mål är att skapa en imaginär men relaterbar sfär. Fiktiv, men verklighetsinspirerad, autobiografisk, men universell, figurativ, men med inslag av abstraktion och surrealism. En reflekterande resa genom nedbrytningen av illusioner och dess sublimering.
    Mitt huvudsakliga avgångsverk från Kunstakademiet var installationen ”You can make it rain in a room”. Ett regnande rum: en mörk kammare med mossa som täckte golvet och bland annat bidrog med lukt av skog, vattencirkulation, ljud av tordenvær och en videoprojektion som växlade mellan ett stilla, regnande landskap och barndomsvideon. Installationen är väsentlig att beskriva eftersom den skapade oväntade reaktioner bland betraktarna som fascinerade och överraskade mig: de grät, dansade, mediterade, hade vattenkrig etc. Vissa gick in i rummet och stängde dörren, andra satt vid dörrkarmen och tyckte att det var för intimt för att gå in men satt en lång stund och kikade in likaväl. Många ville prata med mig efteråt och berätta om sina egna minnen och upplevelser av barndomen och sommarregn. Det blev en mötespunkt och milstolpe i min personliga process. Jag fick en förståelse för vad målet med min praxis är: att skapa gemenskap och öppenhet.
    Under hösten 2022 jobbade jag mot min första separatutställning på det studentdrivna galleriet Blunk i Trondheim. I november 2022 öppnade “In the Afterglow of Despair -Chapter 1: Introduction”. Utställningen innefattade två interaktiva verk, fyra målerier, ett ljudverk, två textbaserade verk samt ett performance som ägde rum på öppningskvällen. Dessa bildade ett helhetligt narrativ. Utställningen blev en introduktion till min forskning av sinnesstämningar som visuella landskap.

    Hvorfor ble du boende i Trondheim?
    Jag kom till Trondheim för att studera billedkunst. Redan under min första vistelse (intervjun till Bachelor) blev jag förälskad i atmosfären i byn som är väldigt kulturell och mångfaldig. I mina verk använder jag ofta naturen som symbol och/eller medium, det blir ett sätt att visualisera olika sinnesstämningar. Trondheim och Trøndelag förser mig med konstant tillgång till föränderliga och häpnadsväckande landskap som spelar in i min process på olika sätt.

    Hva er det beste med miljøet og byen?
    Det bästa med Trondheims konstscen är att den är internationell. Många internationella studenter från Kunstakademiet i Trondheim väljer att stanna efter utbildningen. Enligt min mening bidrar det till en varierad och nytänkande konstmiljö. Att få träffa, lära av och inspireras av människor från olika kulturer har helt klart varit en betydande faktor i såvitt min personliga som min konstnärliga utveckling.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Jag önskar att det fanns ytterligare initiativtagande och mötesplatser som fokuserar på yngre konstnärer i etableringsfasen samt fler finansieringsmöjligheter till det.
    Jag upplever att fokus på gemenskap och utveckling som en community uppmuntras och prioriteras på Kunstakademiet. Efter studierna blir det i stället ett måste att konkurrera om de otroligt få arbetsmöjligheter och ateljéplatser som kulturscenen i Trondheim erbjuder. Påföljden blir att den nyetablerade communityn med mycket potential splittras, varje individ blir tvungen att finna sin väg på egen hand, i många fall utan att nödvändigtvis ha rätt kunskap om hur det går till. Hur en klarar sig som konstnär borde i min mening ha ett omfattande, obligatoriskt fokus redan under studietiden, detta hoppas jag förändras inom en snar framtid. Jag, en ung konstnär i etableringsfasen, bosatt i Trondheim, saknar gemenskapen. Att utveckla projekt och växla kunskap tillsammans med konstnärer som är i samma skede i livet, med andra ord saknar jag ett konstnärskollektiv/organisation för och av yngre konstnärer.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jag har två projekt pågående, dels ett individuellt projekt med titeln “In the afterglow of despair” där jag undersöker tiden efter upplevd trauma. Dels ett samarbete sammen med konstnären och kollegan Vilde Rudjord, ett gemensamt projekt med titeln “The consequence of becoming a witch” med fokus på systerskap, gemenskap samt utbyte av kunskap.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Som konstnär i etableringsfasen är min primära ambition att kunna försörja mig på min konst. Mer konkreta framtidsplaner (2023) är bland annat ett projekt med kunsthall Trondheim, en grupputställning i Galleri Nor (Hvaler), en artist residence på Daugavpils Mark Rothko Art Center (Lettland) samt en potentiell separatutställning på kulturarenan Havet (Trondheim).
    I framtiden ser jag fram emot fler samarbeten och kunskapsutbyten. En stor ambition är att finna samarbeten som kan skapa fler sammanhang för konstnärer i etableringsfasen i Trondheim.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Jag har många kollegor som förtjänar mer uppmärksamhet. Det blev väldigt vanskligt att välja och jag vill därför nämna två, jag hoppas att det är okej. Dels vill jag nämna Liz Dom, en multimediakonstnär från Sydafrika med en enorm kunskapsbas, som brukar humor, spiritualitet och populärkultur som ett sätt att dokumentera och kommunicera vår samtid. Samt Vilde Rudjord, en målare som skapar illusoriska världar likt ingen annan med referenser till popkultur, forskning och politik.

    12. mai: Lanseringsfest for Leiga

    Dato: 12. mai
    Tid: 18 til 20
    Sted: CM7, Christian Michelsens gate 7, Bergen

    Snart lanserer vi nettsiden Leiga.no, i den anledning ønsker vi velkommen til salong hvor mange av Leiga-kunstnerne vil delta med forskjellige verk på CM7 i Bergen.

    Leiga er en nettside som enkelt lar deg se, kjøpe og leie kunst online. Leiga er en ny måte å oppdage kunst på, uten forpliktelser. Finn kunstverk du liker og ta det med deg hjem – i noen måneder eller for alltid. Du kan leie et kunstverk til 5% av kunstverkets verdi per måned, og etter å ha leid verket i 20 måneder eier du verket – opplev kunst på din måte.

    Fullstendig kunstnerliste publiserer senere.

    Leiga er støttet av Kulturdirektoratet, Vestland fylkeskommune og Bergen kommune.

    Kunstverk: Colour Correction #10 (64 x 50,8 cm.) av Vilde Salhus Røed.

    Utstillingen blir stående til 30. mai.

    12. mai OSLO: Workshop – Bygg ei transportkasse!

    12 mai inviterer VISP til eit dagskurs i snekring av transportkasser for kunst. Nicolas Ibaceta Zamora vil halde kurset som føregjeng på Kroloftet i Oslo. Kurset tek for seg ei innføring i forskjellige typar transportkasser og eit praktisk kurs der kursdeltakarane går i grupper og bygger enkle men solide kasser. Kursholdar tilbyr materialer og verktøy til kurset, men ta gjerne med handholdt dykksag om du har. Kurset byrjar kl 09 og varer til 16
    NB! Påmelding skjer ved kjøp av billett og har ein pris på 245 kr per deltakar. Sjå lenke.
    Maks. 8 deltakarar! (Først til mølla)
    ENGLISH
    On May 12th VISP invites to a one day workshop in contruction of transport casing for art. Nicolas Ibaceta Zamora vil hold the course, which is hosted by Kroloftet in Oslo. There will be an introduction to various kinds of casings for various purposes and a practical workshop where the course participants will work in groups and make simple but solid boxes. We provide materials and tools for the course, but if you have a handheld circular saw then bring it. Course starts at 09 and ends at 16
    Attention! Sign up is done by buying ticket. There is an entry fee of 245 kr. Press link: https://visp.hoopla.no/sales/event/visptransportkasse/
    Maximum 8 participants! (First come, first served.)
    Nicolas Ibaceta Zamora er en tverrfaglig arkitekt, kunstner og kajakkbygger fra Los Andes, Chile. Det å arbeide både med kunst og båter gjør at han er internasjonalt aktiv.
    Siden 2015 har han vært en del av Corporación Cultural Amereida og Ciudad Abierta, hvor han deltar i deres fellesskap, utstillinger og prosjekter, som Documenta 14 og andre. Gjennom sitt eget arbeid og samarbeidsprosjekter utforsker han både tradisjonelt håndverk og moderne produksjonsteknikker.

    22. mai: ÅRSMØTET I VISP

    Velkommen til Årsmøtet i VISP, 22. mai kl 13.00 på Zoom!
    – PÅMELDING HER

    Saksliste Årsmøte VISP 2023

    2023_VISP_Aarsrapport_digitalfil_FIN

    Budsjett VISP 2023

    Budsjett VISP 2024

    HANDLINGSPLAN_2024

    Alle medlemmer har stemmerett på årsmøtet med en stemme hver. Det er kun mulig å representere en aktør ved avstemming. For å være stemmeberettiget må man ha vært medlem i minst en måned i forkant av årsmøtet. Stemmegiving kan ikke skje ved fullmakt.

    Årsmøtet skal:
    Godkjenne innkalling
    Velge møteledelse
    Orienteres om årsmelding for foregående år
    Behandle og vedta regnskap med revisjonsberetning for foregående år
    Behandle og vedta organisasjonens handlingsplan og budsjett for kommende
    periode
    Behandle innkomne saker
    Velge styremedlemmer og styreleder
    Velge medlemmer til nominasjonsutvalget
    Velge revisor
    Våre vedtekter finner du her.

    – vel møtt!

    WEBINAR: Skattekurs med Fiken 3. mai

    DATO: 3. mai
    TID: 20.00
    STED: På nett

    SE OPPTAK AV KURSET HER!

    I samarbeid med Fiken arrangerer vi webinar om Næringsoppgaven for billedkunstnere (Skattemeldingen) onsdag 3. mai kl 20.00 .

    Fra 2022 kan billedkunstnere levere vanlig skattemelding (næringsoppgave) – i dette webinaret vil vi vise deg hvordan.

    Vi vil primært gå gjennom hvordan du kan:
    – Foreta en årsavslutning (inkludert sluttposteringer) i Fiken for billedkunstnere.
    – Opprette og sende skattemeldingen (næringsoppgaven) i Fiken samt signere hos Skatteetaten

    Alle som melder seg på vil få tilsendt opptak av kurset, uansett om man deltar eller ikke.

    MELD DEG PÅ HER

    PS: Husk at du som medlem i VISP får 15% rabatt hos Fiken!

    Linda Morell

    Hva jobber du med?
    Jag jobbar mestadels med skulptur och installation.

    Hva inspirerer deg?
    Jag skulle nog säga att nu för tiden blir jag inspirerad av praktiker som är helt annorlunda än min egen. Folk som arbetar med format som jag tänker att jag aldrig skulle kunna göra eller har praktiker som jag inte riktigt får grepp om.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    I mitt konstnärskap skapar jag objekt från en rad olika material. Under de senaste åren har jag arbetat mycket med keramik, metall och glas men även använt mig av plaster, textilier, betong och trä. Jag är intresserad av olika typer av objektförståelse som uppstår genom materialens bearbetningsprocesser och de förhållanden vi har till diverse ytor och formspråk. Därifrån har verken tagit form i relativt precisa skulpturer som jag visat i utställningsrum där uttrycken ibland förstärkts med hjälp av ljus och färger.

    Mina projekt utgår ofta utifrån hur olika vetenskapliga modeller interagerar med varandra och hur de bildar samtida myter och sociala konstruktioner i sina överlappningar och tomrum. Ett sådant projekt var utställningen Balsamarium som visades på Nordnorsk Kunstnersenter i Svolvær 2021 och var en slags avslutning av en serie verk som jag jobbat med sedan jag började på konsthögskolan i Bergen. Det utgick ifrån begreppet hälsa som ett elastiskt begrepp som kan innebära avsaknad av sjukdom men också peka mot ett ouppnåeligt tillstånd av perfekt balans.

    I mitt senaste projekt ville jag jobba mer med ett organiskt formspråk och intresserade mig för hur naturen och dess lagar skildrats i upplösningstillstånd i diverse historiska undergångsberättelser. Jag var särskilt inspirerad av ”the abyss”, det väldiga kosmiska hav som beskrivs i John Miltons Paradise Lost från 1667 och vars beskrivning tycks närma sig mörk materia. Utifrån några av de påtagliga förändringarna som sker i vår egen natur försökte jag sedan bygga upp utställningen i form av abyssens strandkant från Paradise Lost. Utställningen bestod av glasteckningar som efterliknar bildspråket hos medeltida träsnitt, socklar av bränd gran med uppsköljda maneter i glas, keramik med metall och oljeliknande glasyrer samt färgat ljus och i den senaste versionen på S12 i Bergen, där flera av verken producerats, även större mängder sand.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    När jag blev klar från konsthögskolan ville jag bara börja arbeta och se vad för slags verk jag kunde utveckla utanför utbildningsinstitutionens ramverk. Eftersom jag bara ville sätta igång var platsen som jag befann mig på det enklaste valet där och då. Det fanns naturligtvis också en väldigt reell ekonomisk del med projektstöd och liknande i Bergen och Norge överlag som gjorde det möjligt att fortsätta arbeta direkt efter konsthögskolan. Men likt som med allt annat i min praktik pågår det ett ständigt övervägande om platsen fortfarande är främjande eller hämmande, men den frågeställningen kommer nog alltid vara konstant.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    En annan sak som fick mig att bo kvar i Bergen är den internationella konstmiljön som ändå får plats i en så förhållandevis liten stad. Det är den absolut bästa saken med Bergen. Konsthögskolan hade en fantastisk tilldragning av studenter från många länder som sedan valde att fortsätta arbeta i Bergen och bygga upp stora delar av den konstmiljö som finns här. Det är något som jag önskar att framhäva både därför att mångfalden av praktiker och konstnärer är vad jag uppskattar mest med Bergen men också därför att detta är hotat genom de nya reglerna kring universitetsutbildningar i Norge som är i färd med att ytterligare begränsa vem som har möjlighet att söka sig till en konstutbildning och följaktligen förlägga sin praktik här.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Som konstnär som arbetar med bearbetning av material och objekt saknar jag fler ateljéer och verkstäder som lämpar sig att faktiskt arbeta i. Det krävs en viss plats för att kunna arbeta med olika material och plats är något som är väldigt dyrt i Bergen.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    I skrivande stund är jag på residens i Leipzig där jag jobbar med att testa idéer i ett nytt medium.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Planen för i år är att resa på flera residens och uppleva olika konstscener. Min ambition är att därigenom också evaluera min arbetsprocess och vilken funktion objekten som jag skapat och deras materialitet har haft i min praktik.

    Til slutt: Hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Jag skulle vilja lyfta fram min vän och kollega Andreas Knag-Danielsen på grund av hans gränsöverskridande praktik som sträcker sig utanför gallerirummet och det typiska utställningsformatet. Jag tycker hans projekt B3IG3 är särskilt intressant som bjuder in andra konstnärer att visa verk i hotellrum där besökarna guidas av olika teknologi-inspirerade drag karaktärer. De olika delarna av projektet som performancen, utställningen och dokumentationen tycks både ske samtidigt och separat vilket ger projektet en väldigt spännande tidsdimension i tillägg till att det också utspelar sig på flera olika platser, fysiska som ickefysiska.

    17. april: Styrekurs for kunstfeltet

    Dato: 17. april
    Tid: 20.00 til 21.00
    Sted Zoom – SE OPPTAKET HER (passord: ?j1kO!yB)

    Mange av oss som arbeider i det visuelle feltet innehar styreverv i organisasjoner, institusjoner, visningsrom og lignende. Men vet vi egentlig hvilket ansvar vi påtar oss? Hvilke krav stilles til deg som styremedlem? Hvilke rollekonflikter kan oppstå for deg som enkeltperson kontra ditt styreverv?

    Kursholder: Marte Røv er utdannet jurist ved Universitetet i Bergen og har jobbet som advokat siden 2005. Hun har hatt verv som både styremedlem og styreleder i en rekke virksomheter innen kultur og scenekunst i Bergen.

    Kurset strømmes kun via Zoom, du kan se opptak av styrekurset ved å trykke på lenken lenger oppe.

    (foto: Tima Miroshnichenko/Pexels)

    April 12: Artist survival | Workshop

    Date: April 12
    Time: 09.00 (Oslo)/10.00 (Bucharest)
    Place: Zoom – register here
    This workshop is a co-production between VISP and Sector 1 Gallery, you can watch
    a recording of the workshop here.

    How to survive as an artist? In many countries private collectors are key for artist survival, as selling art works are the most important income, but Norway cannot boast on a lot of collectors – yet. Norway is more known for public art commissions and public funding of artistic research, but that does not imply that it is easy to get funding. Many funds depend on political aims or collaboration with local institutions and nonprofit organizations outside the arts, but this is hard to do if you live outside of Norway and do not know how to present your project or find these collaborators. Some artists within the field of figurative painting also have the impression that public funding bodies “detest figurative art”, but this is not the case. Norwegian funding bodies focus on the theme of your project – like with other types of research in the humanities, they care about WHY. Why is your project important? What is it about?

    During a two-hour session, art historian, critic, curator, and former gallerist Maria Veie will guide participants through key topics related to artist survival. The workshop is dedicated to artists of all ages and backgrounds, who would like to discover more about how to develop and survive as an art professional. The session offers a short and condensed take on this subject, providing the insight and tools to navigate artist survival in Norway and internationally.
    The workshop will explore the following topics: how to define a project that attracts attention in Norway, and how to approach and present your project to galleries, museums, art professionals and public funds.
    ———
    Maria Veie (b. 1977) is an art historian, critic and curator with a strong focus on site specific, performative and sound based art. After many years living between Oslo and Berlin she is based in Trondheim, Norway. Recent projects: «Queer Spirit» by Pride Art, «Kraft» by Øyvind Brandtsegg and Erlend Leirdal, «Into the Pink Sun» by MFA, KiT NTNU and «Paralysens Liturgi» by Liv Kristin Holmberg and composer Eirik Havnes in Nidaros Cathedral. Currently she’s working as a Publishing Editor at Museumsforlaget specializing on academic publications within art history and museology, teaching MFA students at Trondheim Academy of Fine Art and curating the performance “Liturgi for stemødre” together with the artists Liv Kristin Holmberg and Camilla Vatne Barratt-Due.
    Between 2018-2022 Veie developed a number of anthologies; «Criticism for an absent reader» that she co-edited together with Anette T. Pettersen, «Gustav Vigeland + Nidaros Cathedral. Two National Icons», «Silver Linings. Clouds in Art and Science», «Digital og analog tegning» and «Et kunstmuseum i endring?» together with Line Engen and Boel Christensen Scheel and “Kunstsentrenes vekselstrøm». Among her upcoming anthologies are «Spreng grensene» and «Tingenes metode».
    She founded Galleri Maria Veie in 2008. From 2009-2013 the gallery was connected to a permanent location in Oslo, developing solo shows by young artists as Jumana Manna, Elin Melberg and Marit Roland. Since 2014 Maria Veie has presented pop-up projects in other cities, eg. “Abgesang des Posthauses” together with Trondheim Voices and Goro Tronsmo at Berlin Art Week 2016.

    VISP is a resource and a networking organisation for the Visual Arts in Norway, and work to improve and facilitate conditions for the production and dissemination of Visual Arts.
    VISP represents all of the creative community within the Visual Arts, including artists, galleries, institutions, producers, curators, critics and suppliers of materials and services. VISP is a membership organisation and membership is free.

    Sector 1 Gallery is a contemporary art gallery dedicated to supporting the evolution of Romanian contemporary art by placing emphasis on artistic freedom and experimentation.
    From its founding in 2017, the gallery has developed a program centered on exhibiting and representing contemporary artists trained in the artistic community in Cluj as well as a few Post avant-garde Romanian artists. Currently, the gallery focuses on the development of a diverse program that (re)presents emerging talents, as well as established artists, Romanian and international.

    EEA Grants
    This presentation is part of the project “The enhancement of cultural entrepreneurship and the enlargement of audience through organizing the series of exhibitions About Master and Media, the paradigm of bipolarity in contemporary art.” The project takes place between September 2021 to August 2023, in partnership with VISP Norway. The total budget of the project is 217.146 Euros, of which the value of the non-refundable financial support is 195.431 Euros.
    This project is financed with the support of EEA Grants 2014 – 2021 within the RO-CULTURE Programme.

    The EEA Grants represent the contribution of Iceland, Liechtenstein and Norway towards a green, competitive and inclusive Europe.
    There are two overall objectives: reduction of economic and social disparities in Europe, and to strengthen bilateral relations between the donor countries and 15 EU countries in Central and Southern Europe and the Baltics.

    The three donor countries cooperate closely with the EU through the Agreement on the European Economic Area (EEA). The donors have provided €3.3 billion through consecutive grant schemes between 1994 and 2014. For the period 2014-2021, the EEA Grants amount to €1.55 billion.
    Further information available here: www.eeagrants.org and www.eeagrants.ro
    RO-CULTURE is implemented in Romania by the Ministry of Culture through the Project Management Unit. The Programme aims at strengthening social and economic development through cultural cooperation, cultural entrepreneurship and cultural heritage management. The total budget amounts to almost 34 million EUR. For more details: www.ro-cultura.ro

    24. april: Velkommen til seminar om ateliersituasjonen i Oslo

    Mandag 24. april 2023
    Kl. 11.00-13.30
    UKS, Keysers gate 1, 0180 Oslo

    Påmelding
    Billetter koster 50 kr, men seminaret er gratis for deg som er kunstner, student, pensjonist eller ikke har mulighet til å betale for billett.
    Arrangører: Oslo Open, VISP, UKS og BO

    Ved utgangen av 2023 blir rundt 40% av kunstnerne som leier offentlig subsidierte atelierer i Oslo, nødt til å flytte uten et alternativt arbeidsrom. De midlertidige kontraktene for atelier og for få arbeidsrom til disposisjon, har skapt behov for å finne bedre og mer langsiktige løsninger enn den nåværende ordningen.

    Hva må gjøres for at kunstnerne får flere og bedre arbeidsplasser i Oslo? Og hvem har ansvaret? Til seminaret har vi invitert kunstnere, organisasjoner og politikere til en paneldiskusjon.

    Program
    11.00
    Velkommen ved Oslo Open og VISP

    Tre innlegg om ateliersituasjonen av:
    Steffen Håndlykken, styreleder i Unge Kunstneres Samfund (UKS)
    Sebastian Makonnen Kjølaas, styreleder i Billedkunstnerne i Oslo (BO)
    Maya Økland, kunstner og styremedlem i Bjørka, verksted for kamerabasert kunst

    11.40
    Paneldiskusjon om ateliersituasjonen i Oslo
    Hva kan gjøres, og hvordan kan de ulike aktørene ta ansvar?

    I panelet:
    Omar S. Gamal, byråd for kultur, idrett og frivillighet (SV)
    Eivor Evenrud (Arbeiderpartiet)
    Hallstein Bjercke (Venstre)
    Mehmet Kaan Inaan (Høyre)
    Maya Økland, kunstner og styremedlem Bjørka
    Moderator: Boel Christensen-Scheel, dekan, avdeling kunst og håndverk, KHiO

    Spørsmål og innspill fra salen.

    12.45
    Enkel lunsj og tid til uformell samtale etter seminaret.

    13.30
    Slutt

    Praktisk informasjon
    UKS er tilgjengelig for rullestolbrukere, men trenger å få beskjed om at de skal tilrettelegge. Inngangsdøren er ett trinn opp fra gatenivå. Grunnet bygningens vernestatus har UKS en flyttbar rampe som de lett kan plassere ut etter behov. Les UKS sin tilgjengelighetsærklæring her.

    Seminaret vil bli strømmet.

    Seminaret foregår på norsk.

    Seminaret blir ikke tolket til tegnspråk. Dersom du har behov for tolk, ta kontakt, så forsøker vi å skaffe en tegnspråktolk i tide.

    For spørsmål eller annet i forbindelse med seminaret, ta kontakt med oss på info@osloopen.no.

    Om arrangørene

    Seminaret arrangeres i samarbeid mellom Oslo Open, kompetanse- og nettverksorganisasjon VISP og kunstnerorganisasjonene Unge Kunstneres Samfund (UKS) og Billedkunstnerne i Oslo (BO).

    Seminaret er støttet av Fritt Ord.

     

    BERGEN: Kurs i Mokuhanga – japansk tresnitt

    (ENGLISH BELOW)
    Kurs i Mokuhanga (japansk tresnitt)

    1. mai – 5 . mai
    Kl. 11 – kl. 15
    STED: TRYKKERIET, Fjøsangerveien 70A, BERGEN
    INSTRUKTØRER: Shoichi Kitamura / Miyuki Kitamura. Assistenter Asbjørn Hollerud & Hedvig Thorkildsen
    DELTAKERAVGIFT: kr 4900,- for medlemmer av VISP, kr 5800,- for ikke-medlemmer – PÅMELDING

    Det er en glede å kunne tilby et 5 dagers kurs i Mokuhanga-teknikken med Mokuhanga mester Shoichi Kitamura & mokuhanga-kunstner Miyuki Kitamura. På kurset vil du lære om overføring av bilde til platen, utskjæring, registrering, innsverting og trykking.

    Mokuhanga er ganske annerledes enn hvordan vi er vant til å jobbe med oljebasert, vestlig tresnitttradisjon. I Mokuhanga gir vannbasert blekk muligheter for bredt spekter av farger og gjennomsiktighet. Dette gjør det mulig å skape en naturlig falming av farger, og en annen følelse av dybde. Fargeprosessen påføres også med en pensel, mens den med treblokk i vestlig stil vanligvis gjøres med en rull.
    Et annet spennende trekk ved Mokuhanga er at du ikke trenger en trykkepresse. Trykkingen kan gjøres hvor som helst så lenge du har materialer, verktøy og et bord.
    Selve trykkingen gjøres for hånd ved hjelp av det flate verktøyet. Dette gir også et bredt spekter av muligheter da du da kan variere trykket for ulike deler av motivet ditt.

    Link til video

    Arrangører: Trykkeriet og VISP

    ENGLISH VERSION:
    Course in Mokuhanga – Japanese woodcut
    TIME: 01.05.— 05.05.23, 11:00— 15:00
    LOCATION: TRYKKERIET, Fjøsangerveien 70A, BERGEN
    INSTRUCTOR: Miyuki Kitamura / Shoichi Kitamura. Assistants Asbjørn Hollerud & Hedvig Thorkildsen
    PRICE: 5800 kr (Non – VISP members) / 4900 kr (VISP members) – APPLY HERE

    We are very pleased to offer a 5 day course in the Mokuhanga technique with master carver Shoichi Kitamura & mokuhanga artist Miyuki Kitamura. In the course you will learn about transfer of image to the plate, carving, registration, inking and printing.

    Mokuhanga is quite different from how we are used to work with oil based woodcut in the western tradition. In Mokuhanga, water based inks provide a wide range of vivid colors, and transparency. This makes it possible to create a natural fading of colors, and by doing so offering a different sense of depth. The inking process is also applied with a brush, while in the western style woodblock it is typically done with a brayer.

    Another beautiful aspect of Mokuhanga is that you don´t need a printing machine. It can be done anywhere as long as you have the materials, tools and a table.

    The printing is done by your own hand pressure using the flat barren tool. This also gives a wide range of possibility as you can then vary the pressure for different parts of your motif.

    VESTLAND: Open call til Leiga – søknadsfrist 21. mars!

    Leiga er en ny nettside som enkelt lar deg se, leie og kjøpe kunst online. Leiga representerer en ny måte for kunden å oppdage og bestille kunst på, og vi har en ambisjon om at Leiga også skal sikre kunstnere mer stabile inntekter.

    Vil du leie ut din kunst via Leiga? Søk innen 21. mars!

    Som kunstner på Leiga vil du ha mulighet til å leie ut og selge dine kunstverk på en enkel måte til et nytt publikum, mens vi tar oss av papirarbeidet, betalingsprosessen og markedsføringen. Kunden kan leie et kunstverk i inntil 20 måneder, og betaler 5 % av verkets verdi hver måned. Etter full leieperiode er dermed verket nedbetalt, og kunden eier verket. Alternativt kan det leveres tilbake og kunden får muligheten til å leie med seg et nytt kunstverk i stedet. Kunden er selv ansvarlig for forsikring og opprettholdelse av leieforholdet.

    Leiga driftes av VISP, og for å fortsette å utvikle, markedsføre og administrere nettsiden trekkes det et 20 % formidlingshonorar. De resterende 80 % går direkte til kunstneren.

    Kriterier for å være med, er:
    -Kunstnerisk utdannelse (med mastergrad blir man automatisk godkjent, bachelor eller lavere blir vurdert av et fagutvalg)
    -Høy kunstnerisk aktivitet (utstillingshyppighet)
    -Medlemskap i VISP
    -Bosted Vestland

    Ved annen utdannelse kan kunstnerisk aktivitet vektlegges.

    For å søke om å bli representert på Leiga, send inn følgende til fagutvalg@leiga.no innen 21. mars:
    -CV
    -Lenke til hjemmeside dersom den er oppdatert, eller evt. tre bilder av egne verk som representerer ditt nåværende kunstnerskap, som eksempler på hva du ville lagt ut for leie/salg på Leiga

    Fagutvalget består av Susanne Skeide (representant for BKFH), Philipp von Hase (representant for NKVN) og Heidi Bjørgan (oppnevnt av VISP).

    Søknadsfrist for å være representert på Leiga er tirsdag 21. mars, og søkere vil få tilbakemelding kort tid etter. Siden lanseres offentlig i løpet av april.

    Spørsmål om Leiga kan sendes til veronika@leiga.no

    NB: Leiga er et prøveprosjekt og derfor foreløpig kun tilgjengelig for kunstnere bosatt i Vestland. Prosjektet blir i løpet av 2023 også utvidet til å omfatte Viken, og senere også flere fylker. Følg med!

    Sigurd Aas Hansen

    Hva jobber du med?
    Maleri, Skulptur, Installasjon

    Hva inspirerer deg?
    Det er så mange ting. Jeg blir inspirert av dagliglivet og stereotypier, jeg synes noe av det mest befriende i kunsten er mulighetene til å overdrive. Jeg blir inspirert av kunst som ikke forholder seg altfor minimalistisk, og som får meg til å undre. Jeg synes også verk som ikke tar seg selv for høytidelige og som spiller på humor er veldig interessant.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg jobber i flere medier, men har gjennom mesteparten av min utdanning, og nå som profesjonell kunstner, hatt en dragning mot det todimensjonale. Det siste året har fokuset mitt vært på skulpturer inspirert av formene jeg kjenner igjen fra treningsrommet, i disse skulpturene har jeg flyttet fokuset fra den narrative til den materielle representasjonen.

    Jeg har ikke mange regler for meg selv i mitt kunstnerskap, men jeg ønsker ikke å gjemme eller lyve. Dette gjør at jeg i mine maleri stolt viser fram skisselinjer og lin-lerretets nakenhet. I skulpturene mine blottlegger jeg innsiden av de forskjellige konstruksjonene ved å be tilskueren inn i objektenes innmat hvor all feil og tvil manifesteres.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Det var helt tilfeldig at jeg endte opp i Bergen, jeg kom hit for å begynne å studere arkeologi, men endte opp med å slutte for å begynne på Kunstfagskolen i Bergen. Etter to år der søkte jeg på forskjellige Kunsthøyskoler i landet og kom inn i Bergen. Bergen er en «liten» storby som passer meg perfekt med gåavstander til det aller meste og med et kunstmiljø som ikke er overdrevent stort eller uoppnåelig.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Det var det intime kunstmiljøet som gjorde at jeg ble i Bergen etter fulført utdanning, jeg fikk inntrykk av at hierarkiet mellom nyutdannet og veletablert kunstner ikke fantes på samme måter som i Oslo. På grunn av et levende kunstmiljø er det heller ikke så høy terskel for å få vist fram sin egen kunst, enten som student eller nyutdannet.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Jeg kommer fra en relativt liten by hvor man gleder seg til de kulturtilbudene som først trer frem, i Bergen virker det som det alltid er noe som skjer og man har kanskje blitt litt bortskjemt. Det å savne noe er vel å ønske noe tilbake, og nå som pandemien har lagt seg så er vel det meste tilbake. Det hadde kanskje vært fint med flere rimeligere verksteder i bykjernen slik at man har lavere terskel for å eksperimentere med keramikk, treverk og metall. Samtidig savner jeg et tilbud fra kommunen til nyutdannede som ønsker lettere overgang fra skole til atelier.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    I september 2022 hadde jeg min første store soloutstilling på Visningsrommet USF. Der stilte jeg ut en samling av skulpturer i papp, sportstape og trelim som til sammen dannet en installasjon. Dette endte opp med å bli verk som jeg er veldig stolt av og som jeg må riste av meg for å jobbe fremover. Jeg jobber tett sammen med en gruppe malere fra Danmark, Sverige og Nederland med å få til en gruppeutstilling i løpet av våren. Jeg har også planer om å delta på en artist-residency i Bergen denne sommeren.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg ønsker å kunne bruke mer av min tid på å lage kunst, som forholdsvis nyutdannet billedkunster bruker man mye tid på å lage plass til kunstkarrieren når man må sjonglere deltidsjobb og atelier. Jeg har ambisjoner om å motta arbeidsstipender og diversestipender, men det er utenfor min makt, jeg ønsker heller å opprettholde min besettelse av kunst og jobbe opp mot fremtidige utstillinger og med nye materialer. Jeg har skjønt såpass at dette er en maraton ikke en sprint.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Det er mange som burde blitt trukket frem, jeg har fått æren av å leie studio i samme etasje som Masoud Alireza, Sonia Barreiro og Jonas Andren. Dette er billedkunstnere jeg har stor respekt for og som har vært en stor støtte for meg.

    Vanna Bowles

    Hva jobber du med?
    Tegning, skulptur, installasjon.

    Hva inspirerer deg?
    Jeg blir ofte inspirert av litteratur, både filosofisk og skjønnlitterær. Når en tekst åpner noe i meg jeg ikke visste fantes eller får meg i kontakt med noe som er forståelig og ugripelig på samme tid. Da får jeg lyst til å lage noe.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg arbeider med tegning i kombinasjon med skulptur, installasjon og performance. Jeg beveger meg innenfor et figurativt og surrealistisk formspråk, og ved å utvide tegneserieuttrykket til å inkludere tredimensjonalitet og rørlighet, ønsker jeg å destabilisere skillelinjen mellom bildeflaten og betrakterens omgivende rom. Grensene mellom natur og kultur, vold og omsorg, nærvær og ubevissthet er utgangspunkt for arbeidet mitt, og jeg prøver å skape ambivalente bilder som beveger seg mellom disse begrepene. Motivene til mine arbeider er bl.a. basert på originale fotografier fra sykehusmiljøer, medisinsk historie, nærstudier av planter og dyr, og tegninger og gjenstander som ofte viser fragmenter av mennesker, fugler, planter og insekter. Se gjerne verken Table Parables, skulpturen og performancen Transcending Parrot og installasjonen The Animal Spectacle.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Jeg trives på Nesodden, det er vakkert med nærhet til skog og hav, og jeg har både venner og kolleger her. Det er dessuten kort vei til Oslo.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Nærheten til naturen og at det er mange kunstnere og
    uliktenkende som bor her.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Flere lokaler egnet til atelier, sånn at flere kunstnere som bor her også kan arbeide her.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg arbeider med en separatutstilling som skal vises på Konstepidemien i Göteborg i april. Det er et ganske stort galleri med tre saler, så jeg har mye å gjøre….I tillegg arbeider jeg med et offentlig kunstverk til et torg i Halmstad i Sverige.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg har lenge hatt en drøm om å få lage et scenisk verk, og nå ser det ut som om denne drømmen kanskje blir virkelighet. Jeg har begynt et samarbeid med koreograf Vilde Sparre og vi arbeider med et forprosjekt til en helaftens danseforestilling. Hvis vi får fullfinansiert forestillingen, blir den satt opp i 2024.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Da vil jeg gjerne trekke frem Ragna Misvær Grønstad!

    Februrary 22: Working Green – Sustainability within the Arts

    Date: February 22
    Time: 10 AM CET
    Place: Zoom – register your participation here
    You may also watch the webinar live or as a recording on our YouTube channel
    (See links to websites mentioned in the presentation and to the Youtube-recording below.)

    In this webinar, Jacob Teglgaard, Lisbeth Burian and Elin Már Øyen Vister will look at the complexity of sustainability in a world of an escalating climate crisis.
    What can we as artists do to minimize our climate footprint, how can we inspire the institutions we work with, the state, the private companies and the public, and how can we encourage behavioral change in everything we do?

    We aim that the webinar will provide you with ideas and tips on how to work green while continuing your artistic practice.

    Keywords to this webinar are:
    Sharing of knowledge
    Exchange of experience
    Creating new ideas of change.

    Speakers:
    Jacob Teglgaard is the co-founder and CEO of Bæredygtig Scenekunst NU. BSN is the first Danish NGO working exclusively for the green transition in the cultural sector in Denmark and the Nordics.
    Jacob has advised organizations and cultural institutions and held workshops across Scandinavia. This summer he achieved the title of Creative Climate Leader 2022 through the UK organization Julie’s Bicycle.
    Jacob is also a climate activist and a professional actor with more than 15 years of experience.
    (photo: Hein photography)

    Lisbeth Burian is educated as set- and costume designer from The National school of performing arts in Copenhagen. She is the leader of the working grant committee for stage artists in the Danish Art Council 2020-24. In 2022 she initiated a sustainability board in the union for Danish Designers for Stage and Scree. Lisbeth works with performing arts, in the widest possible way – from abstract dance, film, performances, classic text theater to interactive installations

    Elin Már Øyen Vister (born 30 June 1976 in Oslo) is a Norwegian artist and composer living in Røst in Lofoten/Lofuohta, born and raised on Veitvet in Groruddalen, Oslo. Elin Már is also known as one of the pioneers within club music; and had a radio show on NRK P3, Radio Nova and in the UK as DJ Sunshine. They/them have a Master’s in visual arts from Bergen Academy of Fine Arts and a master’s in sound art from the KUNO program Nordic Sound Art affiliated with KIT in Trondheim/Tråante.

    Links:
    YOUTUBE
    THEATRE GREEN BOOK
    KEA
    STATENS KUNSTFOND
    RETHINK SCENEKUNST

    TRONDHEIM: Innføringskurs i sveising – søknadsfrist 1.2

    Kursholder: Ulf Amundstad
    Når:
    Kurs 1: 14/2, 16/2 og 21/2 – 2023 kl 17-21
    Kurs 2: 6/3, 9/3 og 14/3 – 2023 kl 12-16
    Hvor: LKV, Mellomveien 3A, Trondheim
    Pris: kr 1000 (materialutgifter)
    Påmeldingsfrist: 1. februar

    Lademoen Kunstnerverksteder (LKV) i samarbeid med VISP er glade for å kunne invitere til et tredagers kurs i sveising/metallarbeid på LKV. VISP er kompetanse- og nettverksorganisasjonen for det visuelle kunstfeltet og arbeider for å bedre og tilrettelegge vilkårene for produksjon og formidling av visuell kunst.

    I kurset gis det en grunnleggende innføring i sammenføyning av metall med fokus på sveising av svart stål (vanlig stål). Det er plass til fire deltakere pr kurs og kursdeltakere får tilgang til metallverksted i hele kursperioden (1 uke fra kursstart) for å jobbe / øve på egen hånd.

    Kursdeltakerne får gjennom tre kvelder / dager mulighet til å lære mig og tigsveis og eventuelt andre sveisemetoder ved behov. Kursholder Ulf Amundstad er en erfaren sveiser som vil tilrettelegge så godt det lar seg gjøre.

    Kurset passer for nybegynnere, men også dere som tror dere kan sveise, men det var lenge siden nå, og forrige gang dere sveiset så sveisen ut som en kavring.

    Kurset starter med en liten teoridel og HMS intro, fokus på sikkerhet og verneutstyr, samt sikkerhetsrutiner i verkstedet, men mest av alt vil dere på ulike måter lære å få metall til å sitte sammen.

    Kurset er ikke lagt opp til at dere skal produsere noe, men lære og teste ut ulike sveisemetoder. Kurset er støttet av Trondheim Kommunes koronamidler og koster kr 1000 for profesjonelle kunstnere.

    Kursdeltaker trenger ikke eget verneutstyr, men kursdeltakere bør ha og ta med egne arbeidshansker, samt egnede sko. LVK har sveisemasker, sveisehansker osv til kursdeltakerne.

    Angående påmelding til kurs 2 i mars. Kurset kan tilpasses og kjøres på kveldstid hvis det er stort behov.

    Spørsmål om kurs kan rettes til Per Kristian Nygård på nygaardpk@gmail.com

    Påmelding tas kun imot via DETTE påmeldingsskjemaet. På grunn av svært begrensede antall plasser, vil vi foreta en utvelgelse av de påmeldte kunstnere med utgangspunkt i påkrevde motivasjonsbrevet. I begynnelsen av februar vil du få svar på om du har blitt tildelt plass i kurset.

    21. februar: Søknadshjelpen 2023 – webinar

    Dato: 21. februar
    Tid: 12-14
    Sted: Zoom – PÅMELDING HER

    Vi gjentar suksessen og kjører en ny utgave av Søknadshjelpen tirsdag 21. februar kl 12!:

    Sliter du med å finne ordene når du skal søke om prosjektstøtte? Hvordan søke på en utstillingsplass når du ikke vet hva du skal vise? Og hva i alle dager skal man ha med i budsjettet?

    I dette kurset går vi gjennom noen grunnleggende tips til hvordan skrive søknader om prosjektstøtte og utstillingsplass. Hvordan organisere bildemateriale, hvordan beskrive prosjektet på en måte som øker sjansene for å få tilslag, og hvilke ulike støtteordninger som finnes, lokalt og nasjonalt.
    Kurset fokuserer hovedsakelig på norske ordninger. Noe av informasjonen kan være nyttig i forbindelse med søknad til arbeidsstipend (statens kunstnerstipend), men for å
    holde det oversiktlig blir det ikke fokus på denne typen stipender i dette kurset, det tar vi heller et eget kurs på når fristen i oktober nærmer seg.

    Kurset vil også sendes live på VISPs egen Youtube-kanal, der kan du også opptak av webinaret i ettertid.

    Kursholder: Erik Friis Reitan (f.1979) er billedkunstner med doktorgrad fra Kunstakademiet i Bergen. Han har bakgrunn fra en mengde styrer og faglige utvalg/juryer, og har tidligere sittet i styret for Norske Billedkunstnere.

    Moderator: Arild Våge Berge (f.1983) er prosjektkoordinator ved VISPs Oslokontor, han er selv kunstner og er utdannet ved KMD i Bergen.

    Kunstskolen i Bergen: Igangsetterkurs 11., 12. og 25. mars

    Igangsetterkurs for viderekomne og profesjonelle kunstnere – rabatt for medlemmer av VISP!

    Faglærer: Borghild Rudjord Unneland
    Lengde: 3 dager (1 helg + 1 dag. 11.-12. mars og 25. mars) kl. 11.00-15.00
    Plasser: 15
    Nivå: for viderekomne og profesjonelle kunstnere
    Pris: 1 700 kr, medlemmer av VISP betaler kun kr 1300!
    Arrangør: Kunstskolen i Bergen

    Dette er et kurs for deg som går med gode ideer, men ikke helt klarer å komme i gang;
    for deg som har vært litt ute av «gamet» og gjerne vil inn igjen, eller for deg som bare har lyst til å jobbe ved siden av noen i et kreativt miljø i noen dager.

    For påmelding send e-post til linda@kib.no.
    Merk e-posten med «kurs 2023». Skriv navn på kurset i e-posten i tillegg til fullt navn, telefonnummer og adresse!

    25.1: Nettmøte om Bergen kommune og Vestland fylkes støtteordninger

    Onsdag 25. januar kl 10:00:

    (English below)

    VISP inviterer til informasjonsmøte om Bergen kommune og Vestland fylkes tilskuddsordninger for det visuelle feltet. Steinar Sekkingstad, rådgiver ved fagavdeling for kunst- og kulturutvikling i Bergen kommune, og Marianne Ose Askvik, seniorrådgiver Kulturutvikling/Kultur og folkehelse i Vestland Fylkeskommune, informerer om eksisterende ordninger og eventuelle endringer i disse.

    Har du spørsmål eller ting du ønsker at Steinar og Marianne skal snakke om på møtet kan du gjerne melde dette inn på forkant: aslak@visp.no.

    Det blir mulig å stille spørsmål underveis, webinaret kan også oppleves på vår Youtube-kanal, både direkte og i ettertid.

    MELD DEG PÅ HER

    ENGLISH
    This online meeting about the various grants and stipends for visual arts available through the City of Bergen/Vestland county will be held in Norwegian, but you are free to ask your questions in English. You may also forward them in advance to aslak@visp.no – press the link to sign up!

    Presentasjonene:
    BERGEN KOMMUNE: Søknadskurs visuell kunst 2023 25.januar

    VESTLAND FYLKESKOMMUNE: Tilskotsordningar i Vestland fylkeskommune 25.01.23

    January 24: Webinar – Nordisk kulturkontakt/ Nordic Culture Point

    Tuesday January 24, at 10 AM ECT

    Register your attendance here.

    In this zoom meeting we have invited Nordic Culture Point (Nordisk kulturkontakt) to give an introduction to their work and how you as a visual artist or working within the visual arts can apply for funding through their many various funding and grant programmes.

    The meeting will be held in English and is open for all professionals working within the visual arts, it will also be available as a recording on our Youtube channel.

    About:
    «Nordic Culture Point (NCP) is a Nordic cultural institute in Helsinki. We promote, strengthen, and communicate Nordic cultural co-operation so that everyone can participate equally in the Nordic cultural scene and Nordic society.

    Nordic Culture Point administers several of the Nordic Council of Ministers’ funding programmes for culture and society, runs a Nordic library, and organises cultural events in Helsinki and around Finland.

    We are an institution under the Nordic Council of Ministers. The Ministers for Nordic Co-operation have given us the job of helping the Nordic Region become the most sustainable and integrated region in the world by 2030.

    At Nordic Culture Point, we have identified three key areas with the best opportunities for us to help make society more sustainable. Learning, diversity, and accessibility are our watchwords when we plan our day-to-day operations.»

    You may view a recording of the webinar here and download the document Direct links here Direct links.

    Webinar: Introduksjon til Fiken – 18. januar

    Dato: 18.1
    Tid: kl 20.00
    Sted: Webinar – meld deg på her!

    På dette webinaret får du en enkel innføring i hvordan du som kunstner kan bruke regnskapsprogrammet Fiken og dermed få bedre oversikt over inntekter, skatt og fakturering. Trykk lenken for å melde deg på, dersom du ikke kan delta på selve kvelden får du tilsendt opptak av webinaret så fremt du har registrert din deltakelse.

    Visste du at du som medlem av VISP får 15 prosent rabatt på bruk av fiken.no? Se mer under Medlem/rabattavtaler.

    Fiken er regnskapsprogrammet som gjør det enkelt for små bedrifter og enkeltpersonforetak å gjøre regnskapet selv.

    Noen av deres viktigste funksjoner er:

    • Enkel fakturering.
    • App som skanner og tolker kvitteringene dine.
    • Oversikt over frister, og påminnelser slik de ikke glemmes.
    • Levering av mva-oppgave, årsregnskap og skattemelding rett til Altinn fra Fiken.
    • Gratis support.

    Hvis det er noe du lurer på om Fiken: Send dem gjerne en e-post på kontakt@fiken.no.

    Siavash Kheirkhah

    What is your expression?
    Film, Video and Photography

    What inspires you?
    1.  A dialogue or a monologue, words, any adjective even a preposition like ‘And’.
    2. An image or a vision.

    How would you describe your art?
    I work with photography, film and video art with an experimental approach. I try to investigate the relations in the states of being through the triangle of remembrance, vision and memory as my main focuses of practice. Distance is my reoccurring theme as I explore different states of being in distance, and the distance itself. I believe that we live in an in-between position. Every object that we know well, becomes less familiar after getting distanced from. This alienation and deconstruction cause fragmentation in our minds as we try to recover what has already extinct.

    Image, not only in the form of a two-dimensional object but also in the form of an abstract image has always been equivalented to recreating another object. This constantly manifests the presence of “absence”. We seek the reality with the help of image and each effort comes along with some sort of dissatisfaction caused by “not reaching”. The photo installation, “Tactile eye”, a photo series in 2020 worked with found images. After crumpling the images, I put them into the freezer to make an ice cube for photographing them. I used a laminate plastic with 20cm distance from the picture, hanged by magnets. The result is a blurred and obscure image/vision that only by touching the plastic you can see.

    Also in the video installation, “Re-cycle” I tried to explore relationship between the reality and the imagination through the elements of time and camera movement.  The pivotal idea of “Re-cycle” is Time. How going forward and backwards in time can change our perceive of the phenomenon around us. We are generally convinced that time presents linear features. In this 5 minutes-length loop film, I aimed to question this feature of time and give a chance to minds to think over it and see this “obvious” fact from another point of view. The moments in which we are at, and the seconds that we call “now”, are untouchable past as we call them and there would be no access to them as they pass. However, there are many actions, which, when recorded and played in rewinding mode, one cannot recognize whether the scene is forwarding or rewinding regarding the linear direction of the time.

    How did you end up living in Bergen?
    I moved to Bergen to study MFA at KMD. Studying here, gave me a good chance to know the art society in the city and make a good network. I believe that Bergen is my main city in Norway, but I am interested to challenge myself in other cities such as Oslo and experience making and exhibiting artworks related to those atmospheres as well.

    What do you like about the artscene and the town?
    Bergen has very high potential to play more centric role as a Nordic and an European art centre, particularly in craft based arts. I also appreciate supports by the City of Bergen and other sources which are important for the artists.

    What could be better in the local artscene?
    The city has a high opportunity for craft artists, but I believe there are less opportunity for photography and video art. So, I believe we need more support in visual arts realm, particularly photography and videos.

    What are you currently working on?
    I am working on an experimental film which its pivotal idea is the Lullabies. I am also preparing for a solo exhibition at Studio K in May 2023.

    What are your ambitions and plans for the future? 

    1. Making more films and expanding my knowledge and experience in exploring distance in photography and films.
    2. I am planning to present my art in different and more international art arenas, in different parts of the world.
    3. Get a PhD position.

    Who of your colleagues deserves more attention?
    There are many good and strong works and artists in Norway, but if I would name just one, it would be Mohammad Bayesteh who is an Iranian filmmaker and studies MFA in Trondheim. His cinematic language and his experimental approach to film medium is very interesting specially in his recent work which has been made in Norway during his education.

     

     

    FLOKK MARKED PÅ CM7 – åpner fredag 9.12 kl 12.00

    Velkommen til åpning av gruppeutstillingen Flokk Marked i Christian Michelsens gate 7 i Bergen!
    Utstillingen viser kunstverk laget av nesten 40 profesjonelle kunstnere som arbeider i Bergen og omegn, med et mangfold av ulike uttrykk, teknikker og prisklasser.
    Alle salg formidles uavkortet mellom kjøper og kunstneren direkte via vipps eller bankoverføring, og ingen av kunstverkene koster mer enn 10.000 kroner – så her kan du gjøre et skikkelig kunstkupp!
    Gruppeutstillingen er et samarbeid mellom VISP og prosjektlederen for den helt nye ideelle organisasjonen Flokk Bergen, som er et prøveprosjekt støttet av Bergen Kommune og Vestland fylke for å øke synligheten og nedslagsfeltet for kunst i Vestland.
    Gjennom de neste tre årene vil prosjektleder Jakob Myklebust Huus fortsette å bruke lokalene i CM7 til å gjennomføre en rekke ulike utstillinger, prosjekter og arrangementer.
    Åpningstider:
    Fredag 09.12: 12:00 – 19:00
    Lørdag 10.12: 11:00 – 16:00
    Søndag 11.12: 12:00 – 16:00
    Mandag 12.12: 11:00 – 15:00
    Tirsdag 13.12: 11:00 – 15:00
    Onsdag 14.12: 11:00 – 15:00
    Torsdag 15.12: 11:00 – 15:00
    Fredag 16.12: 11:00 – 15:00
    Lørdag 17.12: 11:00 – 16:00
    Søndag 18.12: 12:00 – 16:00
    KUNSTNERE:

    Amelia Bjørnsen

    Anne Angelshaug

    Anneli Belsvik Aras

    Bo Magnus

    Carl Martin Hansen

    Dora Sofie Kittilsen

    Elin Brissman

    Elisabeth Rydland Nilssen

    Elly Prestegård

    Emil Olsson

    Gunhild Sannes Larsen

    Helene Norseth

    Ida Westberg

    Jonas Andrén

    Kari Hjertholm

    Laura Gaiger

    Linda Ebert

    Linda Soh Trengereid

    Manuel Portioli

    Mari Norddahl

    Marta Nerhus

    Nora Adwan

    Patrícia Šichmanová

    Reinhard Haverkamp

    Renate Prokopcika

    Sara Kollstrøm Heilevang

    Siavash Kheirkhah

    Sigurd Aas Hansen

    Siri Haaskjold

    Sónia Barreiro

    Suvi Nieminen

    Torild Tadesse

    Torunn Havstad Brandanger

    Trine Hovden

    Trine Hovden og Heidi Bjørgan

    Trond Nesheim

    Trude Berg

    Viktorija Semjononva

     

    Fin Serck-Hanssen

    Hva inspirerer deg?
    Det som ligger på siden av stien. Og så syns jeg det er veldig rart å være menneske.  

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg begynte ganske seint å fotografere, i slutten av tenårene, og da var det pga musikken. Det som skjedde med punk- og newwavebevegelsen fascinerte og inspirerte meg til å fotografere. Jeg portretterte musikere og band, og etter hvert ble jeg opptatt å lage mer ekspressive bilder av kropper. Gjerne i vann der kroppen blir optisk forvrengt og lyset oppfører seg annerledes enn i luft. 

    Jeg har siden hatt portrettet som et tilbakevendende tema. Det jeg opplever som kanskje det sterkeste portrettprosjektet er serien Tema Aids fra 1993. 

    Andre politiske portrettprosjekter har vært Pionerdykkerne fra Nordsjøen, Gay watch, og tema som HIV, ME, torturoverlevere og skeive ikoner. 

    Hvorfor ble du boende i Oslo?
    Familie, venner, London Pub og fjorden. 

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Grønt og nært sentrum, fjorden og Marka. 

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Det burde vært bygd billige atelier til kunstnere her. Jeg savner også tida da fotografene hang på labben og venta på filmframkalling. 

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    En utstilling i samarbeide med Harald Lunde Helgesen på Det Norske Teatret i forbindelse med forestillingen Berre Verdas Undergang. Jeg fotograferer også til en bok/utstilling om utsatt kunst sammen med Per Gunnar Tverbakk, Kaia Eriksen, Bjørn Hatterud og Mathias Berner. Holder også å på å dokumentere Per Barclays installasjon i pissoaret i Stensparken som skal publiseres som bok. Jeg fortsetter også portrettprosjektet Queer Icons/Skeive Ikoner. 

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Bli gammel og lovende.  

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Det er jo så mange gode kunstnere! Jeg synes billedkunst generelt får lite oppmerksomhet. Norge har mange dyktige fotografer som lager fantastiske arbeider, jeg er veldig spent på å se nye arbeider av blant andre Ingrid Eggen og Preben Holst 

    December 13: An introduction to the Norwegian art scene

    WEBINAR: «Understanding the Norwegian art scene» 

    Place: Zoom

    Day: Tuesday December 13

    Time: 10 AM (Oslo)/11 AM (Bucharest)

    Speaker: Steffen Håndlykken

    Host: VISP (NO) and Sector 1 Gallery (RO)

    In this webinar we will give you an introduction to the Norwegian art scene: How is it organised, what is the role of artists’ unions, what are the main institutions, what are the funding possibilities?

    We have invited artist and chair of the artist organisation UKS (Unge kunstneres samfund / Young Artists’ Society), Steffen Håndlykken who in his presentation will give a historical perspective in understanding the Norwegian art scene. He will discuss the pillars of the artist economy, and how the art scene has gradually opened to regional, european and international perspectives.

    What opportunities does this leave artists in Norway? And how can Romanian artists work and exhibit in Norway? Håndlykken will offer information about opportunities and possibilities, but will also discuss the income situation and working conditions for artists in Norway and how these can be improved through organising.

    Use this link to sign up –  a recording of the webinar will later be available on our Youtube-channel. The webinar is open to art professionals who want to learn more about the arts in Norway.

    Steffen Håndlykken is an artist and chair of the artist organisation UKS since 2020. He is educated at the National Academy of the Arts in Oslo, where he was part of the final group of students to graduate from the Institute for Colour. In 2010 he founded the exhibition space 1857 with Stian Eide Kluge, that showed young international artists in a former lumberyard in the Grønland area of Oslo, as well as in various other venues. He was the curator of the 9th Norwegian Sculpture Biennale at the Vigeland Museum in 2017, and has written for kunstkritikk.no, Billedkunst and served as editor for UKS – forum for samtidskunst.

    VISP is a resource and a networking organisation for the Visual Arts in Norway, and work to improve and facilitate conditions for the production and dissemination of Visual Arts.

    VISP represents all of the creative community within the Visual Arts, including artists, galleries, institutions, producers, curators, critics and suppliers of materials and services. VISP is a membership organisation and membership is free.

    Sector 1 Gallery is a contemporary art gallery dedicated to supporting the evolution of Romanian contemporary art by placing emphasis on artistic freedom and experimentation.
    From its founding in 2017, the gallery has developed a program centered on exhibiting and representing contemporary artists trained in the artistic community in Cluj as well as a few Post avant-garde Romanian artists. Currently, the gallery focuses on the development of a diverse program that (re)presents emerging talents, as well as established artists, Romanian and international.

    EEA Grants
    This presentation is part of the project “The enhancement of cultural entrepreneurship and the enlargement of audience through organizing the series of exhibitions About Master and Media, the paradigm of bipolarity in contemporary art.” The project takes place between September 2021 to August 2023, in partnership with VISP Norway. The total budget of the project is 217.146 Euros, of which the value of the non-refundable financial support is 195.431 Euros.
    This project is financed with the support of EEA Grants 2014 – 2021 within the RO-CULTURE Programme.

    The EEA Grants represent the contribution of Iceland, Liechtenstein and Norway towards a green, competitive and inclusive Europe.
    There are two overall objectives: reduction of economic and social disparities in Europe, and to strengthen bilateral relations between the donor countries and 15 EU countries in Central and Southern Europe and the Baltics.

    The three donor countries cooperate closely with the EU through the Agreement on the European Economic Area (EEA). The donors have provided €3.3 billion through consecutive grant schemes between 1994 and 2014. For the period 2014-2021, the EEA Grants amount to €1.55 billion.
    Further information available here: www.eeagrants.org and www.eeagrants.ro
    RO-CULTURE is implemented in Romania by the Ministry of Culture through the Project Management Unit. The Programme aims at strengthening social and economic development through cultural cooperation, cultural entrepreneurship and cultural heritage management. The total budget amounts to almost 34 million EUR. For more details: www.ro-cultura.ro

    (Photo: Jan Khur)

    OPEN CALL: FLOKK MARKED – gruppeutstilling på CM7, søknadsfrist 25. november

    (English below)

    FLOKK og VISP inviterer alle profesjonelle visuelle kunstnere med base i Bergen/omegn til å søke om deltagelse på salgsutstilling i Christan Michelsens gate 7 i Bergen 9.-18. desember.

    Søknaden registreres i dette googleskjemaet innen 25. november kl. 23:59. Svar sendes ut innen 1. desember.

    Søknaden skal inneholde:
    – Navn og kort kunstner-bio + nettside/sosiale medier
    – Dokumentasjon på 1-2 verk du ønsker å delta med.
    – Pris, produksjonsår, størrelse, teknikk og tittel på arbeidene du søker med

    Kriterier for å søke
    Med profesjonelle kunstnere mener vi gjennomført grad på BA- eller MA-nivå, diplom fra norsk kunstutdanning, eller tilsvarende fra utlandet. For søkere uten kunstfaglig utdannelse vil kunstnerisk aktivitet være vurderingsgrunnlag, eventuelt medlemskap i kunstnerorganisasjon (som NBK, NKVN, BKFH o.l.).

    Du kan søke med 2- eller 3-dimensjonelle verk, maksimalt 2 arbeider. Maks totalpris pr. verk er NOK 10.000 (inkl. kunstavgift).

    Priser
    Kunstneren bestemmer pris på egenhånd. For verk med pris over NOK 2000, må kunstavgift tilsvarende 5% av salgssummen beregnes og bakes inn i salgsprisen. Det er kunstnerens eget ansvar å påse at kunstavgift er medregnet i salgspris og at denne innbetales ved et eventuelt salg.

    For å stimulere til salg via VIPPS, er det en fordel om flesteparten av verkene er priset til under 5.000, som er grensen for gebyrfrie transaksjoner i app.

    Vi ønsker også rimeligere verk i prisklasser som treffer salgskategorier av typen «julegave» (NOK 400 –1500), samt å stimulere til førstegangskjøp eller impulskunstkjøp i prisklassen NOK 1500 – 6000.

    Om FLOKK

    Flokk er en helt ny organisasjon som jobber for økt synlighet og nedslagsfelt for kunst i Vestland, og utstillingen FLOKK MARKED på CM7 er vårt aller første formidlingsarrangement. Målet med utstillingen er å vise et mangfold av ulike uttrykk, teknikker og prisklasser, med lav terskel for salg.

    Siden organisasjon fremdeles er helt i oppstartsfasen, har vi bestemt oss for å ikke ta provisjon ved salg. I stedet vil salg formidles direkte mellom kjøper og kunstners konto: Kunde vippser/overfører betaling, og vi avventer bekreftelse på innbetaling fra kunstner før verket markeres som solgt. Kunstner står selv ansvarlig for frakt til og fra våre lokaler i Christian Michelsens gate.

    FLOKK and VISP invite all professional visual artists based in Bergen and the surrounding area to apply for participation in a sales exhibition in Christan Michelsens gate 7 in Bergen December 9th – 18th.

    The application must be registered in this google form by November 25th at 23:59. Responses will be sent out by December 1st.

    The application must contain:

    – Name and short artist bio + website/social media
    – Documentation of 1-2 works you wish to participate with.
    – Price, production year, size, technique and title of the works you are applying with

    Application criteria
    By professional artists we mean completed degree at BA or MA level, diploma from Norwegian art education, or equivalent from abroad. For applicants without an artistic education, artistic activity will be the basis for assessment, or membership in an artist organization (such as NBK, NKVN, BKFH, etc.).
    You can apply with 2- or 3-dimensional works, maximum 2 works. The maximum total price per work may not exceed NOK 10.000 (incl. art fee)

    Prices
    The artist decides the price point of the work. For works with a price above NOK 2000, art tax corresponding to 5% of the sales price must be calculated and included in the final sales price. It is the artist’s own responsibility to ensure that art tax is included in the sale price and that this is paid in the event of a sale.

    To stimulate for sales via VIPPS, it is preferable that the majority of the works are priced at less than NOK 5.000, which is the limit for fee-free in-app transactions.

    We also want to exhibit cheaper works in price ranges that hit sales categories such as «Christmas gift» (NOK 400 –1500), as well as to stimulate first-time purchases or impulse art purchases in the price range NOK 1500 – 6000.

    About FLOKK

    Flokk is a brand new organization that works for increased visibility and reach for art in Western Norway, and the exhibition FLOKK MARKED at CM7 is our very first event. The aim of the exhibition is to show a diversity of expressions, techniques and price ranges, with a low threshold for sale.

    Since the organization is still in the start-up phase, we have decided to not take commissions on sales. Instead, sales will be mediated directly between the buyer and the artist’s account: The customer vipps/transfers payment, and we await confirmation of payment from the artist before the work is marked as sold. The artist is responsible for transporting works to and from our premises in Christian Michelsens gate.

    Flokk flytter inn på CM7

    De neste 3 årene skal den nyetablerte organisasjonen Flokk få boltre seg i lokalene til VISP i Christian Michelsens gate 7. Det treårige prøveprosjektet har mottatt støtte fra Bergen kommune og Vestland fylkeskommune. Formålet er å eksperimentere med nye måter å øke nedslagsfeltet og publikummet til kunstscenen i Vestland, i tillegg til å dele erfaringer og ny kompetanse med lokale kunstnere og kunstorganisasjoner.

    CM7 vil fungere som et prosjektrom og laboratorium for organisasjonens aktiviteter, med publikumsrettede prosjekter som sitt hovedvirke. Her vil Flokk eksperimenterer med å nå ulike målgrupper gjennom nye samarbeid på tvers av uttrykk og fagområde, mellom kunstnere, små kunst- og kulturaktører og større institusjoner i Vestland.

    Kunsthistoriker Jakob Myklebust Huus er ansatt som prosjektleder for den ideelle organisasjonen i en 30% stilling. Jakob har også blitt ansatt som medarbeider i en 20 % stilling hos VISP.

    I samarbeid med VISP, arrangerer Flokk sin første aktivitet Marked, med gruppeutstilling på CM7 9.-18. desember. Alle profesjonelle kunstnere med hovdevirke i Bergen inviteres til å bli med! Søknadsfrist er utgangen av 25. november.

    Se egen OPEN CALL for utfyllende informasjon.

    Galleripresentasjoner OSLO

    Onsdag 30. november kl 20.00, Kulturhuset, Oslo:

    VISP ønsker velkommen til en kveld med presentasjoner av et utvalg visningsteder for kunst i Oslo!
    Galleriene presenterer seg selv for kunstscenen, kunstnere, og hverandre. Hvem driver galleriene, hva motiverer driften, hvordan gjøres kuratering? Vi vil også få se eksempler på utstillinger.

    Vi avslutter kvelden med en panelsamtale med galleristene om hvordan kunstnere kan presentere seg og hvordan visningstedene velger ut kunstnere og setter sammen utstillinger.

    Deltagende gallerier er:
    Unge Kunstneres Samfund (UKS), Galleri K4, Atelier Nord og Bærum kunsthall.

    Det vil bli servert snacks. Drikke kan kjøpes i baren. Arrangementet foregår på Kulturhuset i Oslo, i rommet Laboratoriet, og er selvfølgelig gratis og åpent for alle!

    Bilde: Yuko Mohri I/O (In Oslo)
    Installation view 2021
    Atelier Nord
    Foto: Tor S. Ulstein/KUNSTDOK

    Mappevisning i Rogaland – open call, frist 13. november

    (English below)

    VISP og Rogaland Kunstsenter (RKS) inviterer med dette Rogalandsbaserte kunstnere til mappevisning med tre inviterte gallerister fra Oslo: Laetitia Queyranne fra ISCA, Nikola Lindenberg fra Golsa og Christine Marie Bruu fra QB Gallery.

    Mappevisningen avholdes fredag 9. desember på Rogaland Kunstsenter fra kl 11:00 til 16:00, fysisk oppmøte, presentasjon over nett ikke godkjent.

    Det er plass til opp til 10 kunstnere.

    VIKTIG:
    Du behøver kun å fylle ut dette skjema med din mailadresse, lenke til hjemmeside og CV innen 13. november 2022.

    Dersom du ikke har egen hjemmeside kan du sende mappen din som pdf til aslak@visp.no innen samme frist.

    Ved behov kan du bli spurt om å ettersende bilder av nyere verk. Når frist er utløpt videresendes informasjonen til galleriene, de velger selv hvem de ønsker å møte.

    VISP setter opp kjøreplan for arrangement og kontakter kunstnerne som galleriene velger ut. Hvis du er blant de utvalgte, får du beskjed minimum 1 uke før møtet.

    Du får 20 minutter til å presentere eget kunstnerskap, du velger selv hva du ønsker å fokusere på. Du kan velge om du ønsker å presentere en fysisk mappe eller på din mac/pc, projektor vil bli tilgjengelig.

    Alle typer kunstneriske uttrykk er velkommen.

    Vi har en intensjon om at Mappevisninger er med på å skape fremtidige samarbeid og utstillinger for kunstnere i Rogaland. VISP og RKS dekker reise og opphold for galleristene, men har ingen påvirkning på hvilke kunstnere som velges ut og hvordan et evt. videre samarbeid mellom kunstner og gallerist vil utfolde seg.

    Med vennlig hilsen,

    Rogaland Kunstsenter og VISP
    ________

    OPEN CALL: Portfolio presentations Rogaland!

    VISP and Rogaland kunstsenter (RKS) hereby invites artists based in Rogaland to apply for participation in a portfolio presentation with these gallerists: Laetitia Queyranne from ISCA, Nicola Lindenberg from Golsa og Christine Marie Bruu from QB Gallery.

    The portfolio presentation will be held on Friday December 9th at Rogaland Kunstsenter from 11 am to 4 pm, online presentation not allowed.

    There is room for up to 10 artists in total.

    IMPORTANT:
    You only need to fill in this form with your email address, link to your website and CV by November 13, 2022.

    If you do not have your own webpage, please send your portfolio as a pdf to aslak@visp.no by deadline.

    If necessary, you can be asked to send images of recent works. When the deadline has passed, the information is forwarded to the galleries, they will choose who they want to meet.

    VISP sets up the schedule for the day and will contact the artists that the galleries select. If you are among the selected, you will be notified at least 1 week before the meeting.

    You will get 20 minutes to present your own art, you choose what you want to focus on. You can choose whether you want to present a physical folder or on your mac/pc, projector will be available.

    All kinds of expressions within visual arts are welcome.

    We have an intention that Portfolio presentations will help to create future collaborations and exhibitions for artists based in Rogaland.

    Best Regards,

    Rogaland Kunstsenter and VISP

    Mette Hellenes

    Hva jobber du med?
    Forskjellige teknikker, mest tegning og akvarell. Mye av det jeg lager blir til bøker.

    Hva inspirerer deg?
    Enkelte kolleger og folk,  noen utstillinger, musikk, teater, litteratur, radio, elsker å gå på kurs. Var på mange onlinekurs under pandemien. Liker å jobbe sammen med folk, så pleier av og til å ha tegne-/ akvarelltreff med et par kolleger.
    Tar mye bilder. Som en slags notatbok.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg jobber mye med deadlines, må holde meg nogenlunde oppdatert på samfunnsdebatten. Ellers bruker jeg det jeg har rundt meg i livet. Tegner og maler, hekler og lager små skulpturer. Jeg liker å lage bøker, de varer lenge.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Jeg flyttet til Oslo på 80 tallet, før internettet.  Det var større mangfold i Oslo og mer som skjedde, Trondheim var for homogent. Alt var lettere tilgjengelig her.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Tilgang på kultur. Været. Nærmere Europa.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Stabile atelierforhold.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Nå er jeg akkurat ferdig med en bok om hund som gis ut på No Comprendo Press. Den har tatt tid å lage, nå starter et nytt kapittel. Snart reiser jeg en tur til Skottland, fikk et reisestipend fra Fegerstenstiftelsen. Det gleder jeg meg til.
    Hver uke lager jeg tegninger til Morgenbladet.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Fylle opp vanndunker og organisere preppelageret. Håper på at verden blir bedre. Planlegger en ny bok og har begynt å male med akryl, det er vanskelig.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Jon David Nielsen.

    Ressursguide OSLO – oversikt over det du trenger i Oslo!

    Har du husket å sjekke ut Ressursguide OSLO? Nettsiden er et verktøy og oppslagsverk for kunstnere i Oslo-regionen. Den gir brukerne en oversikt over verksteder, produksjonsfasiliteter, leverandører av tjenester og materialer. Det er dessuten mulig å finne fagorganisasjoner og etater som tilbyr kompetanse og økonomiske midler til kunstnere – besøk siden her.

    Ressursguide OSLO er finansiert og driftet av VISP.

    KRISTIANSAND: Mappevisning – open call 15. oktober

    (English below)

    VISP, Agder kunstsenter, Kristiansand kunsthall og Bomuldsfabriken kunsthall inviterer med dette sørlandsbaserte kunstnere til mappevisning med de tre Oslogalleriene Golsa, QB og KÖSK.

    Mappevisningen avholdes fredag 4. november fra kl 12 til 16 på Kristiansand kunsthall, det er plass til opp til 10 kunstnere totalt.

    VIKTIG:
    -Du behøver kun å fylle ut dette skjemaet med din mailadresse, lenke til hjemmeside og CV innen 15. oktober. Ved behov kan du bli spurt om å ettersende bilder av nyere verk.

    -Når frist er utløpt videresendes informasjonen til galleriene, de velger selv hvem de ønsker å møte.
    -VISP setter opp kjøreplan for arrangement og kontakter kunstnerne som galleriene velger ut. Du får beskjed om du er valgt ut eller ikke senest en uke før møtet.
    -Alle typer kunstneriske uttrykk er velkommen.
    -Du får tjue minutter til å presentere eget kunstnerskap overfor panelet, du velger selv hva du ønsker å fokusere på.
    -Du kan velge om du ønsker å presentere en fysisk eller digital mappe, projektor vil bli tilgjengelig.

    Vi har en intensjon om at Mappevisninger er med på å skape fremtidige samarbeid og utstillinger for kunstnere i regionen. Vi dekker reise og opphold for galleristene, men har ingen påvirkning på hvilke kunstnere som velges ut og hvordan et evt videre samarbeid mellom kunstner og gallerist vil utfolde seg.

    (Her kan du få tips til hvordan du skal presentere egen mappe)

    OPEN CALL: Portfolio presentations, Kristiansand
    VISP, Agder kunstsenter, Kristiansand kunsthall and Bomuldsfabriken kunsthall hereby invites visual artists in the south of Norway to a portfolio presentation with the three Oslo galleries QB, Golsa and KÖSK.

    The portfolio presentation will be held on Friday November 4 at Kristiansand kunsthall from 12 am to 4 pm, there is room for up to 10 artists in total.

    IMPORTANT:
    -You only need to fill in this form with your email address, link to your website and CV by October 15. If necessary, you may be asked to send images of recent works.

    -When the deadline has passed, the information is forwarded to the galleries, they will choose who they want to meet.
    -VISP sets up the schedule for November 4 and will contact the artists that the galleries select. You will be notified at least 1 week before the meeting whether you are chosen or not.
    -All types of artistic expression are welcome.
    -You will get 20 minutes to present your own art, you choose what you want to focus on.
    -You can choose whether you want to present a physical or digital folder, projector will be available.

    We have an intention that Portfolio presentations helps to create future collaborations and exhibitions for artists in the region!

    (Here´s some advice on how to present your portfolio)

    Kurset er støttet av Kristiansand kommune og Agder fylkeskommune!

    Marianne Moe

    Hva jobber du med?
    I de siste årene har jeg jobbet hovedsakelig med store skulpturelle arbeider i ullfilt. Arbeidene har både to- og tredimensjonale kvaliteter, og forholder seg som oftest til vegg.  Arbeidene er sammensatt av fargede strimler eller moduler i ullfilt.  Arbeidene er kuttet eller klipt for hånd for så å bli montert sammen med lim, håndsøm eller monterer direkte på vegg med spiker eller skruer. Jeg liker veldig godt å arbeide i store formater, og arbeidene mine er ofte monumentale. I atelieret lager jeg også akvareller og tegninger, men det er en måte å tenke på og ikke noe som jeg har hatt lyst til å vise frem. Men dette er noe som er i utvikling.

    Hva inspirerer deg?
    Jeg lar meg inspirere av naturen og skiftninger mellom lys og mørke. Jeg bor ved fjorden og ser ofte på hvordan lyset og omgivelsene speiler seg i vannet. Jeg betrakter bølgene etter fraktebåtene som går forbi. Fjellet er en kort spasertur unna og jeg liker å se på veltede trær som er overgrodd av mose.

    Jeg blir også inspirert av å se andres kunst. Jeg prøver å holde meg oppdatert på den lokale kunstscenen. Jeg finner også stor glede i Instagram, her har jeg oppdaget mange kunstnere som jeg ikke har kjent til fra før. I det siste har jeg ryddet i mine gamle ting og sett en del i mine gamle skissebøker. Jeg blir overrasket over at 20 år gamle skisser stadig er aktuelle. Ofte er det å arbeide i materialene som er vesentlig for meg, og inspirasjonen kommer ofte til meg i det jeg går inn i atelieret og ser, og tar på materialene mine.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg har arbeidet med tekstil på ulike måter i snart 20 år. Tidlig i 20-årene gikk jeg på Kunstskolen i Kabelvåg, der jeg ble fanget på stofftrykksalen og kom aldri ut igjen. På den tiden trodde jeg at jeg skulle bli maler, men jeg fant noe i tekstilene som jeg aldri har sluppet taket i. Tekstil er et materiale som innbyr til å bli formet til noe, det er taktilt og innbyr til å bli tatt på. Jeg lagde mine første skulpturelle arbeider da jeg gikk på Kunsthøgskolen i Bergen. Senere var det andre problemstillinger som tok meg. Jeg lagde blant annet brukstekstiler med trykk i flere år. I disse årene følte jeg ofte at jeg ikke var helt på plass. Og etter hvert begynte jeg å se på studentarbeidene mine på en ny måte. Og det har ført meg dit jeg er i dag i mellomrommet mellom det skulpturelle og det maleriske.

    Gjennom hele mitt kunstnerskap har jeg hatt små og store verv, og det er en fin måte å komme seg ut av atelieret, treffe kollegaer og diskutere fag og fagpolitikk. Ulike verv gir erfaringer både faglig og organisatorisk, og for meg har det vært nyttig.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Jeg kom til Bergen som student i 1996, jeg trivdes fra første stund og jeg så meg aldri tilbake. Etter hvert traff jeg også en mann fra Vestlandet og stiftet familie. Det betydde også mye at jeg som nyutdannet var en del av atelierfelleskapet Kunstnerverksteder i C. Sundstgt 55. Der hadde jeg atelier i 13 år. Bergen er også en vital by, det er mye spennende som skjer innen mange kunstarter. Det er en relativt liten by, men med ett stort antall utstillinger, festivaler og arrangementer. Jeg har bosatt meg i utkanten av kommunen og nyter godt av både det landlige og det urbane liv.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Jeg opplever Bergens kunstmiljø som åpent. Det er god takhøyde og plass til ulike uttrykk. Bergen kommune har også generøse støtteordninger, og viser med dette at kunst er viktig i samfunnet.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Jeg skulle ønske det var flere private gallerier i Bergen.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    For øyeblikket har jeg en pause fra det skapende arbeidet. I de siste årene har jeg hatt atelier hjemme, men nå har jeg for liten plass og skal flytte til et stort atelier i Arna Industrihus i Ytre Arna. Det gir en god anledning til rydding, sortering og kasting. Men også oppdagelser av uferdige og mislykkede prosjekter, som kanskje kan bli nye prosjekter? Jeg har nylig hatt en utstilling på Soft galleri i Oslo. Og jeg har vært leder av juryen til Norske kunsthåndverkeres årsutstilling, som åpnet i Drammen 17 september.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Akkurat nå er fremtiden et hvitt lerret. Jeg er priviligert og har 10 årig arbeidsstipend. Etter mange år med kontinuerlig utstillingsvirksomhet, har jeg ingen utstillingsavtaler i nær fremtid. Fremover skal jeg se på de tidligere arbeidene mine og sortere tankene.  Jeg skal eksperimentere i mitt eget uttrykk uten å ha som mål å lage ferdige arbeider med en gang. Hvis jeg tenker langsiktig så er målet å lage flere utstillinger, gjerne i et stort gallerirom. Jeg kunne også tenke meg å jobbe med utsmykkinger.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Hilde Angel Danielsen. Hun lager ofte store skulpturer og har hatt en omfattende utstillingsvirksomhet i Australia. Jeg skulle gjerne sett flere av hennes verk i Norge.

    BERGEN: Den kulturelle lykkepillen

    Bergen kommune, Kulturetaten ved Kunst, kultur og psykisk helsewww.kkph.no søker profesjonelle utøvere innen ulike kunstarter til kulturprogrammet: Den kulturelle lykkepillen, oppdrag på aktivitetshus for mennesker med psykiske helseplager.

    Du får selv være med å utforme oppdrag innen musikk, drama, litteratur og visuelle uttrykk.
    NB! Søknadsfrist: Mandag 3. oktober 2022 kl. 23.00 for oppdrag i 2023.

    Bergen kommune drifter aktivitetshus for mennesker med psykiske helseplager.
    Der arrangeres for eksempel malekurs, kurs i keramikk, minikonserter, forfatterbesøk, små teaterforestillinger, samt turer m.m.

    Vi søker profesjonelle utøvere til oppdrag på de ulike aktivitetshusene.

    • Musikere til minikonserter og workshops ev. som instruktør til kurs
    • Forfattere til skrivekurs, opplesning, samtale og workshops
    • Skuespillere som instruktør på kurs, workshops, og opptreden/underholdning.
    • Kunstnere/utøvere innen visuelle uttrykk (tegne, male, film, foto, design) for kortere kurs, aktiviteter eller workshops
    • Utøvere innen tradisjonshåndverk
    • Formidler/foredragsholder innen ulike tema
    • Danseinstruktører

    Les eventuelt mer om Kunst, kultur og psykisk helse her og her eller klikk deg direkte tilutlysning og registrering/søknadskjema.

    VISP medlemsrabatt på Oslo Minilager!

    VISP kan no tilby våre medlemmar 10% rabatt på alle former for lagring hjå Oslo Minilager.
    Booking av lager gjerast enkelt på nettet. Det er forskjellige storleikar på lagringsromma og etter booking har ein tilgang med egen inngangskode døgnet rundt. Oslo Minilager har lokaler på Ulven i Oslo.
    Sjå Oslo Minilager sine nettsider for meir info. Sjå VISP sine medlemsider for rabattkode.

    Enno ikkje VISP medlem? Meld deg inn då vel! Det er gratis.

    BUCHAREST: LES FEMMES DU FEU

    LES FEMMES DU FEU – group show
    22.09.2022 – 03.11.2022
    Opening Sept. 22, 6pm at Sector 1 Gallery
    Curated by Thale Blix Fastvold
    Hedda Sterne
    Geta Brătescu
    Hortensia Mi Kafchin
    Ioana Ursa
    Tincuța Marin
    Codruța Cernea
    Marianne Darlén Solhaugstrand
    Karoline Hjorth & Riitta Ikonen
    Ingrid Torvund
    “I grew up with surrealism. I took it for granted that art is essentially an act of freedom. You react to the world totally freely. I met many artists in New York who believed progress is linear, from figure to abstract. In my work I never followed that idea. I always thought that art is not quite self-expression but communication. It is saying, hey, look!” – Hedda Sterne
    “They are peaceful, serious creatures. They know the secrets of the sea, they don’t bark, and they don’t gnaw upon one’s monadic privacy like dogs do”
    As said the 19th-century French poet Gérard de Nerval about his habit of taking his lobster for a walk in the Palais Royal gardens in Paris. Friends and colleagues, how do you feel now? After these last years, the pandemic unceasing, but we are adapting to that, and to the unsettling new era we live in, in Europe the war in Ukraine has been going on for six months now, we all know we are living on the edge of an impending ecological (and possibly nuclear) apocalypse. The climate worldwide is acting more erratic and wilder than ever and still, so many people in power are ignoring all the warning signs, and on top of this, the world is actually spinning faster than before.
    I know I feel dizzy, here in between different ages and possible futures, so to counteract this constant vertigo, the spring of 2022 I started practicing the five Tibetan rites. Every day I spin 21 times – towards the right as I live on the Northern hemisphere – and then I remember that I am part of nature, air and the ocean, and the oceanic part of me is connected by memory to all the water on Earth and we are spinning, moving together. I was traveling by train this summer – through Europe, from Cambridge to London to Paris to Prague to Vienna to Budapest, seeing the landscape unfolding slowly, floating by outside the window in the same pace as we have been traveling for the last 200 years, and quite different from the hectic feeling of air travel – while reading Peggy Guggenheim’s memoirs I came across her notes about Hedda Sterne. After both women were forced to flee Europe during the WW2 Sterne was as so many other artists starting a new life in exile in NYC, and she was included in the legendary exhibitions “31 Women” in 1943 and “The Women” in 1945 at Guggenheim’s Art of this Century gallery, with surrealist iconic artists Leonora Carrington, Leonor Fini, Meret Oppenheim, Dorothea Tanning and Frida Kahlo among others. Surrealism has a history of traveling – from all over Europe in the early 20th century to Paris, to NYC during the 1940s, and onwards to and merging with the art in Mexico, and in the surrealist’s art you see their world and people reflected as through an obscure and magical looking glass, sensual and amazingly mesmerizing, an animated, surprising and emancipated world not constricted by normal laws of neither physics nor realism.
    How do we, artists, curators, and writers respond to our current crises and conflicts – how do we react to this time in our art? The current Venice Biennale explores ecofeminist visions, by remembering the past and rewriting herstory, and finally gives Leonora Carrington her due place in art history. Similarly, Documenta in Kassel introduce new perspectives; collective and activist art praxises that take inspiration from the global south, the value shifted from the art objects and to the actual effect on local communities, and nonlinear perspectives and an expanded understanding of time, rituals and history as illustrated by projects such as Black Quantum Futurism, Saodat Ismailova and OFF-Biennale Budapest.
    Perhaps a new wave of surrealism is on the horizon. Similarly to the 1020s post pandemic, post first world war-feelings of upheaval and chaos, now again in 2022 surrealism makes sense. When Sector 1 gallery’s director Andreea Stanculeanu asked me to curate a show this new wave of surrealism was the theme I chose to focus on. As an artist my curatorial method is intuitive and based on collective artistic research, and in LES FEMMES DU FEU we present a group of Norwegian and Romanian artists who are all working within the landscape of surrealism, reflecting on the surreal with various mediums and methods and from different viewpoints.
    The artists in LES FEMMES DU FEU are all women and within the exhibition we are weaving spiderly treads through time and space and creating a collective conversation, from the original surrealist works of Hedda Sterne (1910-2011) and Geta Bratescu (1926-2018) to new works by the contemporary artists Mi Kafchin, Ioana Ursa, Tincuța Marin, Codruța Cernea, Marianne Darlén Solhaugstrand, duo Karoline Hjorth & Riitta Ikonen and Ingrid Torvund.
    I am happy to present to you the group show LES FEMMES DU FEU at Sector 1 gallery Bucharest and would like to thank the artists for sharing their visions of new, parallel and alternative worlds and mystical, mythical and magical creatures with us.
    (Text by curator Thale Blix Fastvold, Oslo, September 2022)
    ___
    Partner: VISP – Produksjonsenhet for visuell kunst
    ___
    The exhibition is part of the project «The enhancement of cultural entrepreneurship and the enlargement of audience through organizing the series of exhibitions About Master and Media, the paradigm of bipolarity in contemporary art.” The project takes place between September 2021 to August 2023, in partnership with VISP Norway. The total budget of the project is 217.146 Euros, of which the value of the non-refundable financial support is 195.431 Euros.
    This project is financed with the support of EEA Grants 2014 – 2021 within the RO-CULTURE Programme.
    The EEA Grants represent the contribution of Iceland, Liechtenstein and Norway towards a green, competitive and inclusive Europe.
    There are two overall objectives: reduction of economic and social disparities in Europe, and to strengthen bilateral relations between the donor countries and 15 EU countries in Central and Southern Europe and the Baltics.
    The three donor countries cooperate closely with the EU through the Agreement on the European Economic Area (EEA). The donors have provided €3.3 billion through consecutive grant schemes between 1994 and 2014. For the period 2014-2021, the EEA Grants amount to €1.55 billion.
    Further information available here: www.eeagrants.org and www.eeagrants.ro
    RO-CULTURE is implemented in Romania by the Ministry of Culture through the Project Management Unit. The Programme aims at strengthening social and economic development through cultural cooperation, cultural entrepreneurship and cultural heritage management. The total budget amounts to almost 34 million EUR. For more details: www.ro-cultura.ro

    Se mindre

    OSLO: Søknadskurs og stipendinfo med Erik Friis Reitan, Kulturrådet og NBK

    Sliter du med å finne ordene når du skal søke om arbeidsstipend? Hvilke arbeider skal du vise? Bør du skrive snirklete art-speak? Og hva i alle dager er egentlig “kunstneriske planer”?

    I dette kurset går Erik Friis Reitan gjennom noen grunnleggende tips til hvordan skrive den store søknaden om arbeidsstipend. Hvordan forberede søknaden, hvordan navigere i søknadsskjemaene, hvordan organisere bildemateriale, og hvordan beskrive kunstnerskapet på en måte som øker sjansene for å få tilslag. Det vil i tillegg vere god tid til spørsmål.

    Berit Skive vil informere og svare på spørsmål om Statens Kunstnerstipend på vegne av Kulturrådet.

    Kajsa Sogn Balto vil informere om stipenda som NBK forvaltar og svare på spørsmål om desse.

    Vi tar sikte på en hyggelig seanse som både nybegynnere og erfarne kan få noe ut av.

    Erik Friis Reitan er billedkunstner og doktorgradsstipendiat på Kunstakademiet i Bergen. Han har mottatt flere stipender og sittet i ulike juryer og utvalg. Erik deler gjerne av sine erfaringer, og har de siste årene holdt mange kurs om søknadsskriving og utstillingsdokumentasjon.

    Berit Skive er seniorrådgiver i seksjon for Statens Kunstnerstipend i Kulturrådet.

    Arrangementet er moderert av Arild Våge Berge, gratis adgang.

    Dato: Onsdag 5. oktober

    Tid: 12.00-15.00

    Sted: Kinosalen på Kunstnernes Hus, Oslo

    STAVANGER: Kunstkritikk med Kjetil Røed – Workshop

    Dato: 26. september
    Tid: 13-16
    Sted: Rogaland kunstsenter, Stavanger
    Velkommen til workshop i det å skrive om samtidskunst!
    Rogaland Kunstsenter ønsker å la flere få øve seg i å sette ord på sine refleksjoner i møte med kunst. I workshopen får deltakerne innsyn i hvordan en erfaren kunstkritiker tenker rundt ulike aspekter som gjør seg gjeldende som kunstkritiker, og kunstkritikkens rolle i samtidskunstfeltet. Røed er kunstkritiker, forfatter og redaktør for “Billedkunst”. Han lanserer den helt nye boken «Fra punktum til kolon. Et essay om kritikk og kjærlighet»
    Om «Fra punktum til kolon. Et essay om kritikk og kjærlighet»:
    Kritikkens betydning er i dag truet av to trender: En journalistisk dreining, hvor kritikken reduseres til forbrukerveiledning og underholdning, og en akademisering av kritikken, hvor verdibegrepet forankres i en språkmessig elite. Både kulturjournalistikk og akademiske tekster om kultur har naturligvis en legitim plass i en levende offentlighet, men når disse får dominere anmelderiet, går vi glipp av den brede, reflekterende kritikkens viktige rolle i diskusjonen rundt kunst og kultur, mener Kjetil Røed.
    I en slentrende og personlig stil diskuterer han i dette essayet muligheten av en folkelig kritikk, som legger bak seg den tradisjonelle smakskritikken, men bevarer dens kunnskapsforankrede fundament. Han argumenterer for en kritikk hvor dens vurderende innhold beholdes, men på samme tid unngår å gjøre kulturen til et anliggende for de få.
    Boka er også et innlegg i debatten omkring språket vi bruker om kultur. Det særegne og personlige er ingen svakhet ved kvalitetsvurderinger, mener Røed, som hevder at både kjærlighet og subjektive erfaringer kan være det beste grunnlaget for en grundig vurdering, så lenge den kombineres med solide, transparente begrunnelser og gode eksempler. Omsorg og amorøs tilknytning forbindes vanligvis med private relasjoner, men Røed argumenterer for et kritisk kjærlighetsbegrep, hvor kulturen er avhengig av en kritiker som er villig til å stille seg sårbar gjennom sin vurderende tanke fremfor å demonstrere makt.
    Kanskje kritikkens fremtid bestemmes av hvorvidt vi kan finne denne «tredje veien» mellom fornuft og følelser, og det reflekterende og det folkelige?
    «[Vi trenger] et kritisk kjærlighetsbegrep, som evner å gå til roten av hva ting handler om, slik at vi bedre blir i stand til å verne om og utvikle det vi bryr oss om. Det radikale i en slik kjærlighetsforståelse ligger i at man tar på alvor det som allerede er der, den omsorgen vi spontant kjenner når vi bryr oss om noe eller noen […] Fra et slikt perspektiv kan kritikk være en form for tenkende omsorg, som reflekterer gjennom argumenter og er seg bevisst makten som ligger i å forvalte andres og egen skjebne.»
    Kjetil Røed
    Tidsplan for workshop:
    13:00 – Daglig leder Jane Sverdrupsen ønsker velkommen
    13:05 – Presentasjon Kjetil Røed
    14:00 – Individuell skriving med utgangspunkt i verk fra utstillingen “Susurro: Poetisk kvinnelighet” ved RKS
    15:00 – Tilbakemelding på skrevne tekster
    15:40 – Oppsummering av workshop og diskusjon i gruppen
    16:00 – Slutt
    Workshopen er støttet av Rogaland fylkeskommune, og er et samarbeid mellom Rogaland Kunstsenter og VISP.

    BERGEN: How to visualize a public art proposal – a workshop with Lang/Baumann

    (Norsk versjon under)

    Where: Aldea, C. Sundtsgate 55, 5004 Bergen

    When: Thursday 13. October, 10 – 17

    Hosts: Aldea and VISP

    Sign up: to Visp on email,  please include a couple of sentences about your interest in and/or experiences with art in public space .
    NB: There´s only 12 spaces available, if you sign up but fail to attend without due cause, you will be charged a fee of NOK 300

    Workshop fee: The workshop is free. The first part of the workshop is an artist presentation by L/B and does not require signing up. 

    In this one day workshop the Swiss artist duo Lang/Baumann will give you an introduction to different ways of visualizing your public artwork proposal. The participants should bring their own project (fictive or real, upcoming or finished). After the introduction by L/B we will work in groups with the participants’ own projects as workshop cases to visualize. It is possible to join the workshop without bringing a project.

    Lang/Baumann will start the day at 10 am with an artist presentation showing some examples from their extensive career in shaping public spaces with their indoor and outdoor installations, sculptures, mini-hotels, bars, wall paintings, street paintings and more. This presentation is free and open to all.

    In the next component of the workshop, L/B will use some of their own work examples to go through different formats of presentation a proposal, and their pros and cons (for example physical models vs 3D renderings). They will show how they use software such as Photoshop and Vectorworks to visualize art work and their surrounding environments. They will also go through which material /documentation is important to gather from the site of the proposed artwork.

    After lunch, which is included, we will look at the participants’ own projects. Please bring sketches, plan drawings, photos from the site etc. and we will use these to go through different options for visualization.

    Sabina Lang and Daniel Baumann live in Burgdorf (Switzerland) and have collaborated since 1990. Their body of work includes installations, sculptures, large-scale wall or floor paintings, and architectural interventions. Most of their works are site-specific, some are modular and can be adapted to different situations. Many of their pieces can not only be viewed but actually used as well, while others merely feign usability or artfully subvert it. Through careful prior analysis of the location and context of their interventions, Lang/Baumann initiate a dialogue with the existing situation, often playfully upending expectations and disrupting patterns of perception. With their opulent imagery they deliberately seek a delicate balance between clearly defined categories like public and private space, familiar and strange, art and functionality.

    Aldea is a Center for Contemporary Art, Design and Technology in Bergen that has provided resources for the arts since 2018. Aldea has a studio collective, a residency program, a gallery and workshops for wood, metal and digital fabrication. In our thematic workshops we invite artists and professionals in other creative industries to share with us their knowledge about tools that they are using.

    «Up #4» (2020)

    Norsk versjon:
    Hvordan visualisere kunst i offentlig rom – en workshop med Lang/Baumann på Aldea

    Hvor: Aldea, C. Sundtsgate 55, 5004 Bergen
    Når: Torsdag 13. oktober, 10 – 17
    Verter: Aldea og VISP
    Meld deg på: til Visp på e-post,  ta med et par setninger om din interesse for og/eller erfaringer med kunst i det offentlige rom
    Workshopen er gratis, men det er kun 12 plasser tilgjengelig på del to og derfor bindende påmelding; dersom du melder deg på, men ikke møter opp, vil du bli fakturert kr 300,- (gjelder ikke ved sykdom o.l.).

    Første del av workshopen er en kunstnerpresentasjon av L/B og krever ikke påmelding.

    I denne workshopen vil den sveitsiske kunstnerduoen Lang/Baumann (L/B) introdusere ulike måter å visualisere kunst i offentlig rom. Deltakerne tar med sine egne prosjekt (fiktive eller reelle, kommende eller gjennomførte) som vi bruker som eksempler når vi jobber i grupper med visualisering. 

    Lang/Baumann starter dagen kl. 10 med en kunstnerpresentasjon som viser noen eksempler fra deres omfattende karriere i å forme offentlige rom med sine innendørs -og utendørsinstallasjoner, skulpturer, minihoteller, barer, veggmalerier, gatemalerier og mer. Presentasjonen er gratis og åpen for alle.

    I den neste del av workshopen vil L/B bruke noen av sine egne verk som eksempler for å gå gjennom ulike formater for visualisering av kunst i offentlig rom. De vil snakke om både fysiske modeller og 3D-visualisering, og hvilke fordeler og ulemper de ulike formatene kan ha. De vil vise hvordan de bruker programvare som Photoshop og VectorWorks til visualisering av både det foreslåtte kunstverket og omgivelsene det skal plasseres i. De vil også gå igjennom hvilket materiale og dokumentasjon man bør samle inn fra stedet verket skal plasseres.

    Etter lunsj skal vi se på deltakernes egne prosjekter. Ta gjerne med skisser, plantegninger, bilder fra stedet etc. så bruker vi disse til å gå gjennom ulike muligheter for visualisering. Det er mulig å delta på kurset uten å ha med eget prosjekt.

    Sabina Lang og Daniel Baumann bor i Burgdorf (Sveits) og har samarbeidet siden 1990. Arbeidene deres omfatter installasjoner, skulpturer, vegg- eller gulvmalerier i stor skala, og arkitektoniske inngrep. De fleste av deres arbeider er stedsspesifikke, noen er modulære og kan tilpasses ulike situasjoner. Mange av verkene deres kan ikke bare sees, men faktisk brukes også, mens andre bare utgir seg for å vere funksjonelle. Gjennom grundige analyser av sted og kontekst, innleder Lang/Baumann med sine verk en dialog med sine omgivelser og balanserer mellom klart definerte kategorier som offentlig og privat rom, kjent og merkelig, kunst og funksjonalitet.

    Aldea er et senter for samtidskunst, design og teknologi i Bergen. Aldea har et atelierkollektiv, et gjestekunstnerprogram, et galleri og verksteder for tre, metall og digital fabrikasjon. I våre tematiske workshops inviterer vi kunstnere og fagfolk i andre kreative næringer til å dele med oss ​​sin kunnskap om verktøy de bruker.

    VISP er kompetanse- og nettverksorganisasjonen for det visuelle kunstfeltet og arbeider for å bedre og tilrettelegge vilkårene for produksjon og formidling av visuell kunst. VISP henvender seg til alle aktører og ledd innen det visuelle kunstfeltet – kunstnere, gallerier, institusjoner, produsenter, kuratorer, kritikere og leverandører, og er organisert som en medlemsorganisasjon med fritt medlemskap.

    Kenneth Varpe

    Hva jobber du med?
    Jeg har arbeidet med både tegning, objekt og video, men har i de siste årene hovedsakelig arbeidet med maleri. Ved siden av min praksis har jeg også vært engasjert i fagpolitikk, og gjør jevnlig formidlingsarbeid og arbeider som kunstkonsulent.

    Hva inspirerer deg?
    Det er vanskelig å definere hva det er som inspirerer meg, men jeg kan si noe om hvor jeg finner inspirasjon – og det er både gjennom å oppleve andre kunstverk og være i dialog med andre kunstnere, samt ved å være helt alene, ofte i naturen.

    Jeg setter pris på verk som henvender seg til intellektet, men de som setter spor i meg er kanskje de som trigger en eller annen emosjonell respons – der verket «virker» på meg uten at jeg nødvendigvis er klar over hvordan. Jeg blir grepet av performanser, men også av materiale- og objekt baserte verk, som i motsetning til live art ofte presenterer noe fortidig, noe som er forbi – og der jeg kun har tilgang til resultatet av den interaksjonen som har foregått mellom et menneske og et materiale, på et tidligere tidspunkt. Jeg finner en slags melankoli i dette, som kan ofte være stimulerende.

    Jeg har etter hvert også funnet ut at det å være alene over tid er et produktivt rom for meg når det kommer til inspirasjon. Det er blant annet derfor jeg har søkt meg til en del residency-opphold de siste årene, særlig med mindre urbane beliggenheter. Jeg er i utgangspunktet veldig sosial, nysgjerrig og er på mange vis glad i systemer og strukturer. Men, jeg prøver i større grad å ta på alvor de prosessene som foregår inni meg som ikke nødvendigvis er et resultat av bevisste og rasjonelle resonnement – men som likefullt er bearbeidelser av erfaringer og inntrykk.  Og ved å legge til rette for situasjoner der jeg på et vis blir «overlatt til meg selv» over lengre tid, som et residency ofte muliggjør, så rekker jeg å merke eller lytte til impulser, refleksjoner og idéer som kommer opp, som jeg ellers kanskje ville oversett.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Mitt kunstneriske prosjekt har de siste årene på et vis dreid seg om å finne tilbake til en meningsfull måte å arbeide med maleriet.

    Da jeg tok min utdannelse i Storbritannia rundt årtusenskiftet, så var den fremdeles disiplin-oppdelt på bachelornivå. I løpet av min bachelor i maleri rendyrket jeg et ganske formalt orientert uttrykk, bl.a. med maleriet som en serie «lenende objekter» i metall og plexiglass. Men i løpet av bacheloren begynte jeg (som mange andre på den tiden) å miste troen på maleriet, jeg skrev min dissertasjon «Painting at a dead end» parallelt med en studiopraksis som jeg opplevde mer og mer tømt for mening, og da jeg fortsatte på masteren rett etterpå så hadde jeg forlatt maleriet helt og begynte å eksperimentere med video og lydarbeider.

    Arbeidet mitt de neste årene bredte seg over video, lyd og objekt – og etter hvert også scenerelatert, i samarbeid med koreograf og dansere – men det var som regel prosjektbasert, dvs. at det jeg gjorde som regel var i respons til spesifikke kontekster, og uten disse så var det vanskelig å se hva mitt eget prosjekt egentlig dreide seg om. Og det tok meg noe tid å innse at jeg egentlig savnet maleriet. Jeg savnet det å male, selv om jeg egentlig ikke hadde noe spesifikt jeg ville at maleriet skulle gjøre. Så jeg begynte å gjøre små skisser i atelieret der jeg rettet blikket på materialer jeg hadde liggende, og gjorde disse til motiv for en serie arbeider jeg egentlig ikke betraktet som verk, men som en slags håndverksmessige øvelser.

    Og etter hvert som valgene av materialer jeg avbildet beveget seg fra tape, bomullstråd, og over i leire, gips, sparkelmasse og til maling i seg selv, så skjønte jeg at disse øvelsene var i ferd med å formulere seg som et prosjekt.

    Og det er egentlig der jeg er i dag – ved at jeg lager malerier der malingen er både materialet jeg bruker, og motivet jeg avbilder. Dette er selvsagt en komprimert versjon av en mer kompleks fortelling, men den sier noe om hvordan jeg har endt opp med å fokusere på å male etterligninger av mine egne malingsstrøk. Disse maleriene er på et vis abstrakte og figurative på samme tid, abstrakte ved at motivene forestiller fargerike dynamiske strøk eller klatter av maling, og figurative ved at de er ganske møysommelige malte imitasjoner av det samme. Det er et forsøk på å arbeide innenfor det mimetiske, samtidig som jeg får reflektere over formale kvaliteter ved maleriet.

    Det er en risiko for at prosjektet kan framstå vel idiosynkratisk, men ved å la valgene av palett og strøk-dynamikk informeres av konkrete motiver og troper i maleriets historie, så forsøker jeg å komme fram til et uttrykk som har formale kvaliteter i og for seg samtidig som det er seg bevisst den tradisjonen det står i forlengelsen av. Jeg er for eksempel interessert i hvordan malingsstrøket i overgangen mellom atten- og nittenhundretallet på et tidspunkt begynte å snakke om hvordan det representerer i like stor grad som hva det representerer. Det er et ganske radikalt punkt i maleriets historie. Og i forlengelsen av det så kikker jeg akkurat nå på mekanismer og krefter som påvirket kanoniseringen av de tidlige impresjonistene, som jo berører både moral- og  kjønnspolitikk.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Jeg lever i en litt delt tilværelse, og det er ikke én grunn til det – men en kombinasjon av private årsaker (familie/kjæreste) og arbeidsmuligheter.

    Etter endt utdannelse i London flyttet jeg hjem til Stavanger, da jeg ble tilbudt en undervisningsjobb der. Det var en brå overgang, men det var mange fine folk i Stavanger, som skapte andre og nye arenaer – Tou Scene var allerede i gang som en dynamisk hub for musikk, kunst og scenekunst – og vi var en gjeng kunstnere som startet et visningsrom som vi drev i seks år (21m2 visningsrom), og jeg engasjerte meg etter hvert også i styret ved Stavanger kunstforening (nå Kunsthall Stavanger). Jeg trivdes svært godt i byen, men da jeg i 2006 møtte min partner, som er dansk – så ble det etter hvert til at jeg flyttet til København. Vi har siden bodd noen år i Oslo, før vi nå begge har en litt delt tilværelse, jeg mellom København og Stavanger/Klepp og han mellom København og Bergen, hvor han underviser ved UiB.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Det beste med miljøet i Stavanger for min del er at det, på tross av at det virker som om det kommer flere og flere til, fremdeles er såpass lite at det blir relativt oversiktlig –  man blir fort kjent med folk, og mange av mine kolleger er også mine beste venner. Det er også fint å oppleve relativt sett god flyt og kontakt mellom de ulike nivåene, fra museet, kunsthallen og kunstsenteret til kunstnerdrevne initiativer.

    Det beste med miljøet i København er vel at det er en ganske stor og variert scene – fra de store tunge institusjonene, mellomstore kunsthaller og kunstforeninger og til de mange kunstnerdrevne initiativene. Det at det er såpass mange aktører innenfor hvert «nivå» gjør at man også kan bevege seg horisontalt innenfor samme nivå. Det er en ganske hyppig tilvekst (og bortfall) av kunstnerdrevne initiativer, som nok henger sammen med måten tilskuddsordningene fungerer på, der det er mulig å få toårig oppstarts-støtte, men vanskeligere å få driftstilskudd etterpå, men det igjen bidrar kanskje til at flere ulike perspektiver og stemmer kommer fram på scenen med en annen frekvens. I tillegg så spiller høyere utdannelse en positiv rolle for diskursene som foregår. Studentene ved kunstakademiet betyr et jevnt tilsig til scenen, og når universitetene i byen i tillegg har teoretiske utdannelser i de estetiske fagene, så forekommer det fruktbare møter mellom praksis og teori, som informerer, nyanserer, også kritisk, samtalene om kunsten.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Det aspektet jeg ovenfor trekker fram som en styrke ved det ene stedet, er samtidig et aspekt jeg savner i det andre – men det er kanskje et umulig ønske, at så ulike kontekster skal kunne innfri det beste ved begge to. Så jeg prøver heller å fokusere på hva jeg får i de ulike, fremfor hva jeg mangler.

    En delt tilværelse har altså fordeler, men det at jeg er litt her og der bidrar også til at det er mange ting jeg går glipp av begge steder, samtidig som folk ikke alltid regner med meg – så jeg har i det siste også begynt å kjenne litt på at jeg savner følelsen av å høre ordentlig til ett sted.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg arbeider for tiden opp mot en soloutstilling i Haugesund Kunstforening som skal vises i Haugesund Billedgalleri neste høst. Maleriene er ganske tidkrevende å utføre, så jeg er nødt til å arbeide med en relativt lang tidshorisont. Utstillingen blir en fortsettelse av en utstilling jeg gjorde i starten av 2020, der jeg iscenesatte verk fra de foregående fem årene i en slags installasjon, der jeg ikke benyttet meg av rommets ytre vegger, men bygde egne vegger i rommet som maleriene ble montert på. Til den kommende utstillingen vil jeg vise nye verk og jeg vil også denne gang plassere maleriene inne i rommet på et vis – men denne gangen kanskje uten å bygge desiderte vegger og heller utforme en slags konstruksjon, en tredimensjonal romlig tegning som bærer verkene samtidig som den tillater beskueren å bevege seg rundt og blant dem.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Det å få lov til å arbeide med kunst på heltid er på mange vis å befinne seg i en privilegert situasjon, samtidig som man også må akseptere og kunne leve med en stor grad av uforutsigbarhet. Jeg har ikke så mange konkrete ambisjoner om faglige ting jeg vil oppnå eller krysse av på en liste, men jeg håper at jeg vil ha mulighet til å fortsette å arbeide med kunst så lenge jeg opplever at det jeg gjør har en relevans, og at jeg har økonomisk og praktisk anledning til det.

    Jeg har de siste årene engasjert meg en del i fagpolitikk, ved styreverv i bl.a. UKS og i Billedkunstnernes Vederlagsfond, og jeg håper at jeg også fremover vil kunne bidra til feltet på ulike vis og dyrke og styrke kollektive idealer.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Det er jo mange faktorer, og interesser, som påvirker hvilke praksiser som til enhver tid løftes fram, og det er ikke nødvendigvis alltid en sammenheng mellom praksisens kvalitet eller relevans og oppmerksomheten den vies.  Og blant oss kunstnere så er det heller ikke alle som er like «gode til», eller interesserte i, å skape oppmerksomhet rundt seg selv, så det er selvfølgelig mange praksiser jeg kunne nevne her.

    Men den jeg velger å trekke frem i denne sammenhengen er Susanne Christensen (f.1952). Hun er en dansk kunstner som var bosatt og virket i Sandnes/Stavanger i noen og tretti år, før hun for noen år siden flyttet tilbake til Danmark med familien. Hun er en kunstner og kollega jeg har samarbeidet med i flere prosjekter og som også er en venn, men det er likevel fra et faglig perspektiv at jeg ønsker å nevne henne her. I løpet av de årene hun virket i regionen var hun en pådriver for mange prosjekter og ordninger, fikk bl.a. igangsatt atelierprosjekter, var i redaksjonen for Localmotives (et tidlig nettbasert magasin for samtidskunst og kultur), var med å etablere institusjoner som Kinokino, og hun har i flere omganger bidratt i fagpolitikken.

    Hun bidro til å utvide scenen, ikke bare i kraft av den kunsten hun skapte, men også ved å etablere diskursive rom, og insistere på det kritiske blikket og samtalen som et produktivt og utviklende element.

    Hun lager fremdeles kunst, og har f.eks. et fint verk med på dette årets utgave av vestlandsutstillingen Monument, kuratert av Espen Johansen – men jeg synes ikke at hennes kunstnerskap hittil har fått den institusjonelle oppmerksomheten det fortjener, og det kunne være spennende å se hennes praksis mer omfattende presentert og kontekstualisert.

     

     

     

    CM7: Illuminating the Non-Representable

    (english version below)
    Illuminating the Non-Representable

    Utstilling og Performance

    1. – 12. sep 2022

    Book of Remembrance

    Imi Maufe & Hilde Kramer

    Book of Remembrance er et performativt bokverk og utstilling laget av Imi Maufe og Hilde Kramer for det kunstneriske forskningsprosjektet Illuminating the Non-Representable ved Fakultet for kunst, musikk og design ved Universitetet i Bergen. Verket illustrerer og refererer til en begivenhet som fant sted i Litzmannstadt-gettoen i den polske byen Łódź mellom 5. og 12. september 1942, kjent som Wielka Szpera (generelt portforbud).

    UTSTILLING OG PERFORMANCE
    CM7, Christian Michelsen gate 7
    5.—12. september 2022 (unntatt 7.september) 15.00—18.00

    PERFORMANCE
    Bergen Offentlig Bibliotek 6. sep. 13:00—14:00

    Storetveit kirke 7. sep. 19:00 (utvidet program med et opptak av Chaim Rumkowskis tale «Gi meg barna deres» på 4.september 1942 fortolket av Helge Jordal og musikalske verk framført av Jostein Aarvik på orgel og sopransang av Eli-Johanne Rønnekleiv.

    KMD Auditorium Knut Knaus 9. sep. 12:00—13:00

    Tårnsalen, Universitetsmuseet 10. sep. 12:00—13:00

    Bergen Jernbanestasjon 11. sep. 12:00—13:00

     

    Illuminating the Non-Representable

    Exhibition and performance

    1. – 12. sep 2022

    Book of Remembrance

    Imi Maufe & Hilde Kramer

    BOOK OF REMEMBRANCE is a performative book work and exhibition created by Imi Maufe and Hilde Kramer for the artistic research project Illuminating the Non-Representable at the Faculty of Art, Music and Design at the University of Bergen. The work illustrates and refers to an event that took place in the Litzmannstadt ghetto in the city of Łódź, Poland, between 5th and 12th, September 1942, known as Wielka Szpera (general curfew). The project will take place in Bergen 80 years since the Wielka Szpera, 5th—12th September 2022.

    EXHIBITION AND PERFORMANCE
    CM7, Christian Michelsen gate 7, Bergen
    5th—12th September 2022 (except 7th Sept.) 15.00—18.00

    PERFORMANCE
    Bergen Public Library 6th Sept. 13:00—14:00

    Storetveit Church 7th Sept. 19:00 (extended program with a recording of Chaim Rumkowski’s speech “Give Me Your Children» on 4 September 1942 interpreted by Helge Jordal and musical works performed by Jostein Aarvik on organ and soprano vocals by Eli-Johanne Rønnekleiv.

    KMD Knut Knaus Auditorium 9th Sept. 12:00—13:00

    Tårnsalen, University Museum 10th Sept. 12:00— 13:00

    Bergen Railway Station 11th Sept. 12:00— 13:00

    BERGEN: Mappevisninger under B-open – Open call

    (ENGLISH BELOW)
    I samarbeid med B-open har VISP invitert kuratorene Kari Brandtzæg fra Munch-museet og Johan Gustavsson fra 1646 i Haag til å møte det bergenske kunstfeltet!
    Fredag 16. september vil vi arrangere mappevisning på Grand Hotel Terminus fra kl 16 til 20.

    VIKTIG:
    -Du behøver kun å FYLLE UT DETTE SKJEMA med din mailadresse, lenke til hjemmeside og CV innen 5. september. Ved behov kan du bli spurt om å ettersende bilder av nyere verk.
    -Når frist er utløpt videresendes informasjonen til panelet, de velger selv hvem de ønsker å møte.
    -VISP setter opp kjøreplan for arrangement og kontakter kunstnerne som kuratorene velger ut. Hvis du er blant de utvalgte, får du beskjed minimum 1 uke før møtet.
    -Alle typer kunstneriske uttrykk er velkommen.
    -Du får femten minutter til å presentere eget kunstnerskap, du velger selv hva du ønsker å fokusere på.
    -Du kan velge om du ønsker å presentere en fysisk eller digital mappe, projektor er tilgjengelig.
    -Du kan holde presentasjonen din enten på norsk eller engelsk.

    NB: Du må være registrert som medlem i VISP på det tidspunktet du sender inn søknad. Dersom du ikke er medlem av VISP vil søknaden din ikke behandles, sjekk her om du er registrert som medlem.

    Vi har en intensjon om at Mappevisninger er med på å skape fremtidige samarbeid og utstillinger for våre medlemmer, VISP dekker reise og opphold for kuratorene, men har ingen påvirkning på hvilke kunstnere som velges ut og hvordan et evt videre samarbeid mellom kunstner og gallerist/institusjon/kurator vil utfolde seg.

    Om kuratorene:
    Kari J. Brandtzæg er konservator/kurator ved Munchmuseet. Brandtzæg er mag.art. med en magistergradsavhandling i russisk kunst ved Universitetet i Oslo i 1995.  Hun har virket som kunsthistoriker og kurator ved flere kunstinstitusjoner som Norsk kulturråd, KORO (Kunst i offentlig rom) og Nasjonalmuseet med utstillinger som; Se opp! Kunst fra Moskva og St. Petersburg, (2004, Museet for samtidskunst) og Kyss frosken! Forvandlingens kunst (2005, Nasjonalmuseet), Krigens skygge. Politisk kunst i Norge 1914–2014,( 2015, Kunstnernes Hus). Hun var kunstkritiker i Dagbladet 2008–2009 og har bidratt med en rekke artikler til diverse publikasjoner i inn og utland. Fra 2009 til 2013 var hun doktorgradsstipendiat ved Freie Universität, Berlin og Universitet i Oslo.  Ved Munchmuseet har hun siden 2016 kuratert flere profilerte utstillinger som bl.a Tracey Emin. Sjelens ensomhet 2021.

    Johan Gustavsson (Stockholm 1978) er kurator og pedagog med base i Haag, Nederland.
    Gustavsson er co-direktør/kurator ved 1646 (www.1646.nl) og foreleser ved Royal Academy of Art, i Haag. Han var en av initiativtakeren av Alternative art guide  og styreleder for Page not found .
    Gustavsson kuraterte storskalautstillingene Prospects for Mondriaan Fonds i 2020, 2021, 2022 og jobber for tiden med neste utgave av Prospects 2023 på verdensarvsbygget Van Nelle Factory i Rotterdam.

    Mappevisninger er støttet av Vestland fylkeskommune.

    ENGLISH: In collaboration with B-open, VISP has invited the curators Kari Brandtzæg from the Munch Museum and Johan Gustavsson from 1646 in The Hague to meet the Bergen art scene!
    On Friday 16 September, we will organize a portfolio viewing at the Grand Hotel Terminus from 4pm to 8pm.

    IMPORTANT:
    -You only need to FILL IN THIS FORM with your email address, link to your website and CV by September 5. If necessary, you can be asked to send images of recent works.
    -When the deadline has passed, the information is forwarded to the curators, they will decide who they would like to meet.
    -VISP sets up the schedule for the presentations and will contact the artists that the curators select. If you are among the selected, you will be notified at least 1 week before the meeting.
    -All types of artistic expressions are welcome.
    -You will get fifteen minutes to present your own art, you choose what you want to focus on.
    -You can choose whether you want to present a physical or digital folder, projector will be available.

    NB: You must be registered as a member of VISP at the time you submit the application. If you are not a member of VISP, your application will not be processed, check here to see if you are registered as a member.
    We have an intention that Portfolio presentations helps to create future collaborations and exhibitions for our members. VISP covers travel and accommodation for the curators, but has no influence on which artists are selected or how any further collaboration between artist and gallerist/institution/curator will unfold.

    The panel:
    Kari J. Brandtzæg is a conservator/curator at the Munch Museum. She has worked as an art historian and curator at several art institutions such as the Norwegian Arts Council, KORO  and the National Museum with exhibitions such as; Look up! Art from Moscow and St. Petersburg, (2004, Museum of Contemporary Art) and Kiss the Frog! The Art of Transformation (2005, The National Museum), The Shadow of War. Political art in Norway 1914–2014, (2015, Kunstnernes Hus). She was an art critic in Dagbladet 2008–2009 and has contributed a number of articles to various publications at home and abroad. From 2009 to 2013, she was a doctoral student at the Freie Universität, Berlin and the University of Oslo. At the Munch Museum, she has since 2016 curated several high-profile exhibitions such as Tracey Emin: «The Loneliness of the soul» (2021).

    Johan Gustavsson (Stockholm 1978) is a curator and educator based in The Hague, The Netherlands. 
    Gustavsson, co-director/ curator at 1646 (www.1646.nl) Lecturer at the Royal Academy of Art, in The Hague. Co-initiator of (www.alternativeartguide.com) and head of the board at (www.page-not-found.nl).
    Gustavsson curated the large scale exhibitions Prospects for the Mondriaan Fonds in 2020, 2021, 2022 and currently working on the next edition of Prospects 2023 at work heritage building Van Nelle Factory in Rotterdam. (https://www.mondriaanfonds.nl/en/activities/prospects-mondriaan-fund-shows-talent/)

    OPEN CALL: Portfolio presentations Bergen September 9

    OPEN CALL: Portfolio presentations, Bergen
    VISP hereby invites its Bergen- and Vestland-based members to a portfolio presentation with a panel consisting of curator Nathanja van Dijk (Amsterdam), gallerist/curator Jacek Sosnowski (Warsaw gallery Weekend/Warszawa) and Trude Gomnæs Ugelstad, artistic director at Sørlandets art museum/Kunstsilo.

    The portfolio presentations will be held on Friday 9 September at Hotel Grand Terminus from 11 am to 4 pm, presentations to be held in English.

    IMPORTANT:
    -You only need to FILL IN THIS FORM with your email address, link to your website and CV by August 24. If necessary, you can be asked to send images of recent works.
    -When the deadline has passed, the information is forwarded to the curators, they will decide who they would like to meet.
    -VISP sets up the schedule for the presentations and will contact the artists that the curators select. If you are among the selected, you will be notified at least 1 week before the meeting.
    -All types of artistic expressions are welcome.
    -You will get fifteen minutes to present your own art, you choose what you want to focus on.
    -You can choose whether you want to present a physical or digital folder, projector will be available.

    NB: You must be registered as a member of VISP at the time you submit the application. If you are not a member of VISP, your application will not be processed, check here to see if you are registered as a member.
    We have an intention that Portfolio presentations helps to create future collaborations and exhibitions for our members, we will also do a second Portfolio presentations during B-open with three other curators.

    The panel:
    Nathanja van Dijk works as independent curator and advisor. Until 2021 she was the executive director of Kunsthal Rotterdam, one of the leading cultural institutions of the Netherlands. In 2014 she co-founded A Tale of a Tub in Rotterdam, and served as its director until 2019. The institutes program is centered around questions of how art can contribute to our understanding of present-day social, political, and ecological issues. Previously she was artistic director of Frankendael Foundation in Amsterdam (2012–2014) and of Concordia 21rozendaal in Enschede (2010–2012).

    Jacek Sosnowski – curator, producer, psychoanalyst. Co-Organizer of Warsaw Gallery Weekend. Since 2007 director of PRPGND (former Propaganda gallery) in Warsaw. Author of several art-branding strategies and projects. Currently developing «We, You and Us»(with Ibrahim Quraishi), and «Południca»(interdisciplinary exploration of Balto-Slavic landscape).

    Trude Gomnæs Ugelstad is the artistic director at Sørlandets art museum /Kunstsilo. Over the last 20 years she has held senior curator – and management roles at several national arts institutions in Norway. She is chair of Office for Contemporary Art Norway (OCA), and has initiated and produced visual art and design projects in close collaboration with embassies worldwide. She is working closely with the Norwegian Ministry of Culture and the Arts Council in Norway as chair for State Artist Grants. She served at the international and European board of World Crafts Council for six years.

    The portfolio presentations are supported by the county of Vestland.

    (Here´s some advice on how to present your portfolio!)

    NORSK: VISP inviterer med dette sine bergens- og vestlandsbaserte medlemmer til mappevisning med et panel bestående av blant andre kurator Nathanja van Dijk (Amsterdam), gallerist/kurator Jacek Sosnowski (Warsaw gallery Weekend/Warszawa) og Trude Gomnæs Ugelstad fra Sørlandets kunstmuseum/Kunstsilo.

    Mappevisningen avholdes fredag 9. september på Hotel Grand Terminus fra kl 10 til 16 og den vil foregå på engelsk.

    VIKTIG:
    -Du behøver kun å FYLLE UT DETTE SKJEMA med din mailadresse, lenke til hjemmeside og CV innen 24. august. Ved behov kan du bli spurt om å ettersende bilder av nyere verk.
    -Når frist er utløpt videresendes informasjonen til panelet, de velger selv hvem de ønsker å møte.
    -VISP setter opp kjøreplan for arrangement og kontakter kunstnerne som kuratorene velger ut. Hvis du er blant de utvalgte, får du beskjed minimum 1 uke før møtet.
    -Alle typer kunstneriske uttrykk er velkommen.
    -Du får femten minutter til å presentere eget kunstnerskap, du velger selv hva du ønsker å fokusere på.
    -Du kan velge om du ønsker å presentere en fysisk eller digital mappe, projektor er tilgjengelig.

    NB: Du må være registrert som medlem i VISP på det tidspunktet du sender inn søknad. Dersom du ikke er medlem av VISP vil søknaden din ikke behandles, sjekk her om du er registrert som medlem.

    Vi har en intensjon om at Mappevisninger er med på å skape fremtidige samarbeid og utstillinger for våre medlemmer, vi vi også kjøre en annen Mappevisning under B-open, da med tre andre institusjoner. VISP dekker reise og opphold for kuratorene, men har ingen påvirkning på hvilke kunstnere som velges ut og hvordan et evt videre samarbeid mellom kunstner og gallerist/institusjon/gallerist vil utfolde seg.

    (Her kan du få tips til hvordan du skal presentere egen mappe!)

     

    BERGEN: Slippfest 7. september

    SLIPPFEST
    Er du interessert i å vite hva som stilles ut i Bergen det neste halve året? Onsdag 7. september arrangerer vi årets andre Slippfest for det visuelle feltet i Bergen, på Landmark, Bergen Kunsthall. Vi har invitert bergenske visningsrom og gallerier til å presentere utstillingsprogrammet for det neste halvåret.

    Vi håper at dette blir en fast sosial møteplass to ganger i året der publikum får møte gallerister, publikum og presse. Vi ønsker at dette gjør det lettere for et kunstinteressert publikum og hele feltet å få oversikt hva som stilles ut i Bergen.

    Presentasjonene starter 20:00

    Slippfest for det visuelle feltet er en samproduksjon mellom VISP, Bergen Kunsthall og B-Open.

    Etter presentasjonene blir det mingling og DJ-set – vi sees!

     

    English:
    SLIPPFEST
    What can you experience at the Bergen galleries until January? On Wednesday 7 September at Landmark, we are arranging the second «Slippfest» for the visual arts scene in Bergen. We have invited Bergen`s galleries and spaces to present their upcoming exhibition program for the next six months.

    We hope this will be a regular social meeting place twice a year where the public gets to meet galleries/spaces, the public and the press. We aspire that this event makes it easier for the entire art scene, and not least an art-interested audience, to get an overview of what is on display in Bergen. The presentations start at 20:00.

    Slippfest is a co-production between VISP, Bergen Kunsthall and B-Open.

    There will be a dj-set after the presentations – stick around!

     

    Elisa Helland-Hansen

    Hva jobber du med?
    Bruksgjenstander i keramikk

    Hva inspirerer deg?
    Inspirasjon er et vanskelig ord, mitt arbeid springer først og fremst ut fra lyst og et grunnleggende uttrykksbehov. Næring hentes fra mange kanter som:

    den gode samtalen

    kunstverk, (sist Beth Wyllers keramiske vegg på galleri KRAFT i Bergen)

    bøker (sist Nina Malteruds katalog Materielle påstander fra KODE Bergen)

    utsikten fra Kviteggja (sist en natt under åpen himmel)

    fotografering (hver dag)

    moderne arkitektur (sist Cabin Ulvik)

    å få stor lyr på kroken (forrige uke)

    himmellyset der jeg bor (hver dag)

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Helt siden min utdanning på 1970-tallet har jeg kontinuerlig arbeidet med gjenstander ment for daglig bruk ved måltider, på kjøkkenet, til matlaging og servering.

    Utforsking av dette området er min lidenskap. Interessen knytter seg til det visuelle uttrykket, de funksjonelle egenskapene, det sansbare og taktile samt den sosiale konteksten som måltider representerer. De siste par årene har det jeg kaller «vandreskåler» fått min økte oppmerksomhet, en åpen skål med ujevn kant og individuelt pregede mønstre, – de fleste brent i en vedfyrt saltovn i Sogn.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Traff en en kjernekar fra Rosendal for 12 år siden og flyttet dit fra Bergen. Trodde jeg var en urban sjel, men det stemte ikke. Nybygd atelier på drømmetomt gav fornyet arbeidslyst.  Hurtigbåt til Bergen på under to timer tilfredstiller de fleste bybehov.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Stillheten, den mektige naturen, sjøen.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Ingenting. Jeg henter næring fra mange kanter.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Har hatt to større utstillinger i år på Lillehammer og i Sverige. Nå har jeg et hvileskjær.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg arbeider med en bok om mitt liv som keramiker.

     

     

     

     

    Terje Abusdal

    Hva jobber du med?
    Jeg pleier å si at jeg lager prosjekter som ligger et sted i skjæringspunktet mellom fakta og fiksjon. Ofte ender de i bokform, i tillegg til utstillinger.

    Hva inspirerer deg?
    Når jeg får pusterom så liker jeg å lese bøker. Jeg er glad i historie, og de fleste av prosjektene mine har røtter i virkelige hendelser.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    I mitt kunstnerskap arbeider jeg med fotografi og lydinstallasjoner hvor jeg undersøker hva det betyr å høre til. Motivasjonen grunner både i en personlig søken etter egen historie og opphav, men også en glødende interesse for hva det er som former oss som enkeltmennesker og samfunn. Som Mattis spør den vennlige gardkona i Tarjei Vesaas’ roman «Fuglane», når arbeidet enda en gang har gått i stå for han: «Kvifor er det slik det er?» For å svare på dette eksistensielle spørsmålet tar jeg i bruk en blanding av fakta og fiksjon, der tekst, arkivmateriale og fotografi er viktige elementer. Mitt viktigste prosjekt til nå, Slash & Burn, er et femårig arbeid hvor reiste jeg rundt i Skandinavia for å fotografere og intervjue skogfinner – etterkommerne av finske svedjebrukere som utvandret på 1600-tallet. Det er en fortelling med røtter i virkelige historier og mennesker, men formidlet ved bruk av fabel og iscenesettelse. Prosjektet ble utgitt på tyske Kehrer Verlag i 2018, og er vist på et tyvetalls utstillinger nasjonalt og internasjonalt.

    Hvorfor ble du boende i Oslo?
    Jeg har bodd veldig mange steder opp gjennom årene, men alltid vendt tilbake til Oslo. Her har jeg de fleste av mine venner og nettverk, og trives veldig godt i byen.

    Hva er det beste med miljøet og byen?
    Jeg liker Oslo. Det er vel det nærmeste man kommer en storby i Norge, selv om den ikke er så stor da. Det bor mye fine folk her, finnes alltid spennende utstillinger å se og har et veldig aktivt foto- og kunstmiljø. Jeg er også medlem av et verksted for kamerabasert kunst, Bjørka, hvor jeg har tilgang til mørkerom og alt jeg trenger for å lage arbeider.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Organiserte former der man kan diskutere prosjekter under utvikling. I Bergen hadde vi et kurs som het «Why Images», der man kunne sette opp en utstilling slik den var tenkt vist i et galleri. Deretter fikk man sitte og høre på mens de i rommet diskuterte verkene dine, uten at man hadde lov til å si noe selv. Seansen var ikke ferdig før ingen hadde mer på hjertet. Noen ganger tok dette fire-fem timer. Det var utrolig lærerikt og til stor hjelp i arbeidet med å utvikle prosjektet, selv om det også var hardt å høre på noen ganger.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    En soloutstilling på Buskerud Kunstsenter som åpner i januar 2023. Prosjektet består av fotografier tatt over en fireårsperiode på moped-reiser mellom Norge og Hellas, inspirert av albumene til min morfar Thomas Mølland. Høsten 1977 ble han enkemann i en alder av 75 år og dro på sin første utenlandsreise. Etter å ha bodd på en avsidesliggende gård på Sørlandet hele sitt liv, besøkte han i løpet av sine siste ti leveår over to dusin land. Det skal legges til at han likte å telle med de han fløy over.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg har ingen livsplan, men tenker å fortsette med det jeg holder på med: lage bøker og utstillinger.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Arne Langleite. Han brukte 15 år på å fotografere nedstigningstårnene til Oslos transformatorstasjoner om natta. Det ble en flott fotobok (Camouflage) gitt ut på eget forlag, men som altfor få har fått anledning til å se.

    Zofia Cielatkowska: If we could crack the fineness of the shell

    Avant-propos: Writing about a graduation show – similarly to curating one – is a double problematic and ambiguous task. The curator has little (if any) choice when it comes to the exhibition space, no choice in the selection process of artists and works; and so, his or her role seems to be closer to a teacher than the actual curator in the process. Then, even if there is no intended narrative, the fact of placing the artworks in an architecturally defined space will likely create dialogues and connections between them. Who really has the responsibility for how the works are presented and what ideas are readable? Should we still talk about the exhibition or is it something else; a presentation of works, a collection of ideas etc.? I leave those questions open. This problematic setup influences the way minus plus minus equals plus can – and can’t be – described. Additionally, the unusually large number of graduates makes it impossible to give equal attention to each of them. I take this impossibility as a starting point to comment on the show in a bit broader context.

    Bundled minuses
    It is accurately right to state that minus and minus is a plus, but if there was any value standing together with both minuses the sum would always be negative. So what hides behind those unnamed minuses? Is it just a nod to abstract thinking, an accidental, poetic title, or a mathematic nostalgia? Or maybe – as the opening line suggests – an equation that represents a black hole that instead of consuming stars produces them; a positive change stemming out of negative circumstances. I prefer the last metaphor. Not because I’m particularly interested in faraway galaxies (and who needs more stars anyway?), but because it makes me think of something else, another art show also born in a crisis.

    Walking through minus plus minus equals plus presenting various kinds of material-based art, I was thinking about the Les Immatériaux (1985) exhibition curated by ­Jean-François­ Lyotard and Thierry­ Chaput, devoted to – broadly speaking – how new conditions of communications and technologies influence all; from everyday habits, perceptions and understandings to more general domains of art, science or philosophy. As Lyotard was describing – back then – a contemporary crisis; ­“The­ insecurity,­ the­ loss ­of ­identity, the ­crisis­ is ­not ­expressed ­only ­in ­economy­ and ­the­ social, ­but ­also ­in ­the ­domains ­of­ the ­sensibility,­ of ­the ­knowledge ­and­ the ­power ­of ­man ­(futility, ­life, ­death),­ the ­modes ­of ­life­ (in ­relation ­to ­work, ­to ­habits, ­to ­food,­…­etc.).”

    Reading those words almost forty years later, in the middle of the climate crisis – among many others – and after the pandemic that exposed various inequalities and made many tired of the digital, sound familiar: the need for new sensibilities, modes of life, and knowledge together with new structures, approaches, understandings, and storytelling.

    Going through the minus plus minus equals plus what was the most striking and noticeable was the way the materials were obtained and used. I would describe this method as a learning from nature approach that also included thinking of possible minimalization of the resources. The earth thinking also appeared more or less directly as a theme, but not in a classical mimesis understanding, but more in a sense of reworking or reflection; what is the place of art (and me as an artist) in given contemporary circumstances (crises). In this context, I should mention the practice of Hanna Halsebakke in creating artistic eco-systems (harvesting pigments, plants, and minerals from the surroundings), Sara Svensson working within the forgotten or overseen narratives of plants and animals, the textile objects of Alexandra Skog Booker, the ceramic pink clouds of Amina Baker Shubar, the fragile sculptural forms made of ceramic sticks (like those found accidentally in the forest) by Hågen Gade, the colorful yarn installation by Susanne Roti (in which colors to dye nylon yarn were obtained from regular mass-produced clothes), the curiosity cabinet by Kari Ibel Kolltveit (reflecting on superior relation of human towards nature) or approach in the creative process in the textile works of Ingrid Aarvik Berge. This earth thinking can to a certain extent also be read in the textile performance by Rosanna Vibe that in a subtle, yet pinkish-purple visible way – due to the used beetroot pigment – commented on a relation between the body (as material) and the outside world. Mentioning the body; perhaps reflection through, around, and on the body – with or without issues of identity and/or politics at the background – was another important and visible theme (the works of Rosanna Vibe, Amalie Vöge Jensen, Lill Yildiz Yalcin, Renate D. Dahl, Karoline Kvalheim, Debangona Paul, Shitika Agrawal and Kamil Kak spring to mind).

    Yet, looking at these new climate conscious approaches in creating artworks of 29 people beginning a new chapter, I felt thwarted. The show is in a way a product of the times of the pandemic, and during the pandemic, as it was the cultural sector that was hit the hardest (just after aviation), and many precarious art workers outside of the stable contracts were forced to find other sources of income in order to survive.

    Many, not all.

    There seems to be a huge inconsistency between various elements of the art system. On the one-hand there is a growing understanding of dealing with climate crisis, diversity issues, changing academia curriculum, breaking the Euro-centrism, focusing on inclusiveness, socially engaged thinking. On the other hand the whole system tends to think of networks and products (finished works, exhibitions, biennales, published art texts, art travels, etc.) instead of activities, communities, and lives (the art workers), thus privileging the ones that already have resources to create and produce art.

    Coming back to the unnamed minuses: Perhaps they can be found in a simple found object, and they have an important task to do;

    If we could crack the

    fineness of the shell

    we’d see the

    bundled minuses

    stacked as in a safe,

    ready for use

    if things don’t

    go well.[1]

    But of course, we definitely need more than just poetic spells.

     

    [1] Kay Ryan, In Case Of Complete Reversal

     

    Zofia Cielatkowska is a philosopher and an independent researcher, curator and art critic. She holds a Ph.D. in Philosophy and works across the fields of visual culture, feminist art history, contemporary French thought, Norwegian contemporary art, and environmental humanities. She publishes in various art magazines (Billedkunst, Kunstkritikk, Hyperallergic, etc.). Cielatkowska is a member of the International Association of Art Critics (AICA Norway), International Association of Curators of Contemporary Art (IKT) and The Norwegian Critics’ Association (Norsk kritikerlag). She lives in Oslo, Norway.
    This text is a result of Zofia Cielatkowska taking part in VISP and KHIO´s  Critic´s talk about the graduation show minus plus minus equals plus at KHIO June 7 2022.

    KRISTIANSAND: KURS OM MOMSREGLER FOR KUNSTFAGLIG PROSJEKTLEDER

    Sted: Kristiansand Kunsthall
    Tid: 16.juni 12:00-14:00
    Kursleder: Avgiftsrådgiver, Hilde Alvsåker, fra Skattebetalerforeningen.
    Kurset er gratis.
    Jobber du som kunstfaglig prosjektleder, og har spørsmål vedrørende reglverket knyttet til moms? Da er dette et kurs du absolutt bør få med deg.
    Avgiftsrådgiver Hilde Alvsåker vil klargjøre lover og regler omkring moms ved konsulentvirksomhet innen kunst i offentlig rom oppdrag.
    Som jurist arbeider Hilde Alvsåker med merverdiavgift, som spesialfelt i Skattebetalerforeningen. Hun er redaktør for fagtidsskriftet Avgiftsnytt og underviser i mva ved Høgskolen i Oslo og Akershus.
    VISP, Kristiansand kunsthall, Agder Kunstsenter og Bomuldsfabriken Kunsthall inviterer til kurs for kompetanseheving for billedkunstnere på Sørlandet. Vi skal arrangere fire kurs/foredrag i løpet av 2022, alle er gratis ved påmelding.
    Kursrekken er støttet av Agder fylkeskommune og Kristiansand kommune.
    Påmelding til
    christina@agderkunst.no

    BERGEN: Sommerfest fredag 10. juni

    BKFH STØTTET AV VISP INVITERER TIL SOMMERFEST PÅ HKS FREDAG 10. JUNI KL. 19.00
    Bildende Kunstneres Forening Hordaland inviterer alle kunstnerne i Bergen til sommerfest!
    Festen blir som vanlig på Hordaland Kunstsenter, og vi feirer at vi endelig kan få møtes igjen etter to års pause.
    BKFH er billedkunstnerne i Hordalands interesseorganisasjon, og om du ikke allerede er medlem av BKFH, så kan du bli det nå.
    Det blir litt faglig påfyll og informasjon om BKFHs politiske arbeid, og hvordan du kan engasjere deg i kunstpolitisk arbeid.
    BKFH og VISP spanderer pizza og en velkomstdrink, og etterpå blir det DJ. Fergus Tibbs @reckleskettle and Freya Coursey @hildisviini skal spille til kl. 23.00.
    Du kan kjøpe drikke i baren på HKS, og det blir anledning til å endelig få snakke med kolleger og bli kjent med nye kunstnere.
    Hjertelig velkommen!

    Kristine Øksendal

    Hva jobber du med?
    Utgangspunktet for alle mine prosjekter er maleriet. Ideen om meg selv som maler, eller en nysgjerrighet på hvor det maleriske uttrykket kan bevege seg. De siste årene har jeg jobbet med et skulpturprosjekt i betong.

    Her er maleriske motiv overført til støpt betong. I tillegg har jeg utforsket ulike teknikker for modellering, jeg liker både det digitale og det analoge uttrykket, derfor har jeg jobbet med dette i kombinasjon. Det har vært viktig for meg å utforme et verk for offentlig bruk, uten at bruken skal gå på bekostning av den kunstneriske prosessen og kvaliteten.

    Hva inspirerer deg?
    For øyeblikket er det prosessen i seg selv som fanger meg og nye muligheter. Enten jeg maler lag på lag eller jobber med prosjekter som innebærer mange ulike faser i produksjonen. Prosjektene har element av selvbiografiske temaer. Disse er mer eller mindre bevisst til stede i prosessen. Jeg er oppvokst på en øy Oslofjorden og mitt indre kompass orienterer etter dette landskapet, etter himmelretningene og horisonten. I tillegg er det andre faktorer som daglige opplevelser og oppfatning av egen livssituasjon.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Kjernen i mitt kunstnerskap er det ekspressive. Følelsesutblåsningen. Og det sanselige. Dette har alltid vært mitt uttrykk, helt fra starten. Jeg må bruke mitt eget følelsesregister som materiale. Arbeidsprosessen gjør meg ofte noe introvert, fordi det krever mye av meg, både emosjonelt og fysisk. Jeg vil beskrive min kunst som eterisk: sanselig og full av bevegelse.

    Jeg jobber med visuelle virkemidler som kontraster og overflate, men målet alltid å kombinere det fysiske med det metafysiske. Uten å kreve svar av meg selv eller publikum. Opplevelsen er målet.

    I tillegg har jeg når jeg har opplevd at jeg har stivnet i en form eller uttrykk hatt en tendens til å sette meg nye mål, enten i form av prosjekter som involverer en form for samarbeid, og alltid ved å skrive.

    Hvorfor ble du boende i Oslo?
    Jeg liker meg i Oslo. byen har både urbane og landlige kvaliteter, en mini-metropol. Samtidig reiser jeg mye rundt i hele regionen, og føler meg ikke bundet spesielt til Oslo som by. For øyeblikket leier jeg et atelier av Oslo kommune, i kort avstand fra eget hjem. Dette letter arbeidet mitt mye. Jeg har i flere år vært på konstant flyttefot fra atelier til atelier i hele byen. Jeg har også jobbet mye hjemme og utendørs i hagen til mine foreldre.

    Hva er det beste med miljøet og byen?
    Mulighetene for produksjon og logistikk er god. Jeg er avhengig av å kjøpe en del materialer og tjenester. Som nå sist tjenester fra en betongfabrikk.

    Store satsninger som Munchmuseet og Nasjonalmuseet gjør Oslo til en spennende by for fremtiden. Samtidig var jeg for en uke siden på Drammen museum og så den faste samlingen en liten perle. Slike perler finnes i hele Norge.

    Oslo er en studentby, det er en ung vibe her, samtidig sikrer gamle institusjoner en følelse av kontinuitet, til høsten starter sønnen min på Oslo fotokunstskole, jeg gleder meg til å se at han utvikler videre sitt eget kunstneriske uttrykk.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Kanskje et offentlig støttet profesjonelt verksted, med verktøy og utstyr tilgjengelig. Byens mange kunstnere trenger bedre produksjons og visningssteder. Særlig de unge som ikke har etablert seg med eget utstyr. Som kunstner er jeg opptatt av kunstens muligheter og plass i samfunnet, som en bedre integrert del av arkitekturen eller landskapsdesignet. Jeg savner en mer bevisst holdning til dette i prosessen med offentlige byggeprosjekter.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg jobber med en ny serie malerier i olje på atelieret. Her utforsker jeg nye motiv og teknikker.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Akkurat nå ønsker jeg å bruke god tid på å ferdigstille nye arbeider. Jeg har lyst til å lukke meg inn i en boble og ikke komme ut før jeg har kommet frem til noe jeg har lyst å vise frem. Og jeg har også lyst å jobbe mer med leire, et herlig enkelt materiale med uendelige muligheter.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Det er så mange kunstnere som fortjener mer oppmerksomhet. Jeg har også mange kunstnere i vennekretsen og i familien som jeg ønsker det beste for. Men akkurat i dag tenker jeg spesielt på Anne Guro Larsmon. I tillegg til oppmerksomhet for de fine arbeidene sine, trenger hun en lang varm klem.

    OSLO: Critic’s talk: MA Exhibition 2022 – minus plus minus equals plus

    Auditoriet på KHIO
    Tuesday June 7,  18:30–19:30

    Warmly welcome to a panel talk with invited art critics about «minus plus minus equals plus» this years KHiO Art & Craft Master Degree show for the Medium and Material-based Art, and Art and Public Space.
    The event is arranged by VISP and the Arts & Crafts department at The National Academy of Arts.
    For this panel we have invited three art critics to give their opinions on this year´s show.
    Panel: Zofia Cielatowska, Andreas Breivik and Tiril Flom.
    Moderator: Fadlabi
    The event will take place in the Auditorium at KHIO.

    STAVANGER: Kunsten å sette pris på kunst!

    ROGALAND KUNSTSENTER 10. juni kl 15-17
    Hva skal et kunstverk egentlig koste, spiller faktorer som utdannelse, alder og kjønn inn? Kan en kunstner prise seg ut av et marked, eller selger hen seg på billigsalg? Finnes det egentlig formler som bestemmer kunstverkets verdi? Alt dette og mere til ønsker vi å belyse i samtalen “Kunsten å sette pris på kunst!”
    Vi har invitert Monica Leonora Berntsen, Sveinung Nygaard, Randi Thommessen og Erlend Hammer; fire eksperter som alle har både lang og variert erfaring med kunstmarkedet og hvordan et kunstverk skal prissettes. Vi har bedt ekspertene om å senke skuldrene, løsne litt på snippen og la dem slippe fri i en blindtest der de skal prissette fire forskjellige kunstverk av anonymiserte kunstnere tilknyttet Rogaland; det eneste de får vite på forhånd er kunstnernes CV.
    Gjennom denne delen ønsker vi å synliggjøre hvor utfordrende, og kanskje tilfeldig, prissetting kan være; noe som vil danne grunnlag for den påfølgende panelsamtalen.
    Det vil bli åpnet for spørsmål fra salen – vel møtt!
    Om ekspertene
    Monica Leonora Berntsen er eier og direktør ved Galleri Opdahl, som ble etablert i 1989 av Arve Opdahl i Stavanger. I 2020 overtok Berntsen galleriet etter å ha jobbet sammen med Arve Opdahl siden 1996. Mellom 2007 og 2013 hadde Galleri Opdahl en andre filial i Berlin. Galleriet har holdt til i lokaler på østsiden av Stavanger siden 2005. Det 300 kvadratmeter store lokalet presenterer storskala skulpturelle verk og installasjoner samt utvidede serier med fotografier, tegninger og malerier fra et utvalg norske kunstnere, samt introduserer internasjonale kunstnere for et norsk publikum.
    Sveinung Nygaard er tidligere innehaver av Galleri Gann, som var en viktig formidler av samtidskunst på sørvestlandet. Galleriet ble drevet i perioden 1991-1997, og i 2005-2016 sammen med Lise Flørli. Arbeidsfeltet var utstillinger, kommisjonssalg, utsmykninger, firmagaver, utleie av kunst og konsulenttjenester. Sveinung Nygaard opparbeidet et solid nettverk gjennom virksomheten blant kunstnere, privatpersoner og i næringslivet.
    Randi Thommessen er daglig leder ved visningsstedet LNM (Landsforeningen Norske Malere) i Oslo. 2015-2019 jobbet hun som kurator ved Trondheim kunstmuseum. 2007-2013 startet hun opp og drev galleriet LAUTOM i Oslo, galleriet vekslet mellom separatutstillinger og gruppeutstillinger, og deltok også ved en rekke kunstmesser, som Liste og Art Basel i Basel, Nada i Miami, Arco i Madrid og Art Rotterdam. I 2013-14 var hun vikarierende daglig leder ved Agder Kunstsenter. Randi Thommessen har en Bachelor i Fine Arts fra Central St Martins i London og en Master i kuratorpraksis fra Kunsthøgskolen i Bergen/UiB.
    Erlend Hammer er utdannet kunsthistoriker og ansatt som kurator ved Haugar kunstmuseum/ Vestfoldmuseene. Han har arbeidet som kunstkritiker og frilans kurator, blant annet for Momentumbiennalen i 2013. Fra 2016-2020 var han Senior kunstekspert ved Blomqvist Kunsthandel, hvor han arbeidet med verdivurderinger og salg av kunst.
    Samtalen “Kunsten å sette pris på kunst!” er en del av prosjektet Kompetansehevende tiltak for kunstnere i Rogaland – et samarbeid mellom Rogaland Kunstsenter og VISP.
    Arrangementet er støttet av Rogaland fylkeskommune.
    Arrangementet vil ikke filmes/strømmes.

    BEK søker produsent i fagfeltet kunst og teknologi

    BEK søker en kreativ og kompetent medarbeider i 60 % stilling som produsent i kunst og teknologi. Vedkommende vil samarbeide tett med leder og resten av teamet om å styrke BEKs posisjon som en av landets ledende arenaer for utvikling av kunstneriske praksiser og ideer i skjæringspunktet mellom teknologi og samfunn. Arbeidsområder inkluderer utvikling og produksjon av tverrestetiske, kunstneriske prosjekter, planlegging og realisering av BEKs læringstilbud og kuratering av diskursive arrangementer og serier.
    Søknadsfrist: 9. juni.
    Les mer her:

    OSLO: Samarbeid i Oslos Kunstfelt + lansering av Ressursguide OSLO

    Kunstnernes Hus 14. juni kl 18:30:
    VISP inviterer til en samtale om samarbeid i kunstfeltet i Oslo!
    Vi har samlet et panel av representanter fra forskjellige roller i Oslo sitt kunstfelt og stiller blant annet spørsmål om hvilke type samarbeid det er naturlig å satse på, om mer samarbeid kan forbedre kunstfeltet som arbeidsmiljø og påvirke feltets kommunikasjon utad.
    Vi spør også:
    -Hva skal til for å skape gode felles plattformer for kunstproduksjon og formidling?
    -Hva typer samarbeid kan legge grunnlag for vellykkede kunstprosjekt?
    -Er kunstfeltet inkluderende nok?
    -Og vi tillater oss å spørre: Er det kollegialt felleskap eller individuell konkurranse som resulterer i den skarpeste kunsten?
    VISP presenterer: Ressursguide OSLO og Kunstjobber!
    Ressursguide OSLO er en nettportal for kunstnere i Oslo-regionen. Den gir brukerne en oversikt over verksteder, produksjonsfasiliteter, leverandører av tjenester og materialer. Det er dessuten mulig å finne fagorganisasjoner og etater som tilbyr kompetanse og økonomiske midler til kunstnere.
    Og vi har lansert Kunstjobber på Instagram. – her kan du sende inn og oppdatere deg på ledige stillinger, open calls og søknadsfrister i det norske kunstfeltet.
    Arrangementet er gratis og finner sted på Kunsternes Hus i Oslo 14 juni kl 18.30 til ca kl 20.00, med mingling i baren/foajéen fram til kl 21.
    Vel møtt!

     

    BERGEN: Skattekontoret – CM7 tirsdag 31. mai kl 12-16

    Som en ekstratjeneste for våre medlemmer i Bergen arrangerer VISP Skattekontoret på CM7 – her kan du komme innom og få hjelp av vår medarbeider Veronika Heilund til å levere inn Næringsoppgaven for billedkunstnere 2021.

    NB: Begrenset antall plasser, reserver tidspunkt her – frist for påmelding er 27. mai.

    As an extra service for our members in Bergen, VISP will host Tax Office at CM7 – you can stop by and get help from our employee Veronika Heilund to submit Næringsoppgaven for billedkunstnere 2021.

    NB: Limited number of places, please reserve time here – deadline for signing up is May 27.

    Bergen kommune: Søker profesjonelle kunstnere som vil bidra til verdiskapning i lokalsamfunn

    Er du en kunstner med interesse for og erfaring med å arbeide i lokalt nærmiljø? Tenker du at ditt kunstnerskap kan sette i gang kreative prosesser som bidrar til inkluderende sosiale fellesskap? Er du interessert i samskapning med lokalbefolkningen gjennom et kunstnerfellesskap? 

    Kulturetaten i Byrådsavdeling for kultur, mangfold og likestilling ønsker å engasjere to kunstnere med erfaring fra sosialt kunstnerisk arbeid til å jobbe i Loddefjord og Olsvik fra 29. august 2022. Engasjementet har en varighet på minimum 6 måneder med mulighet for forlengelse.

    LES MER HER

    KRISTIANSAND 25. mai: Skattekurs med Kristoffer Vassdal

    Velkommen til skattekurs med Kristoffer Gjerdevik Vinje Vassdal på Kristiansand Kunsthall onsdag 25. mai kl 12-13.30!

    Kurset vil fokusere på den nye næringsoppgaven for billedkunstnere, generelle fradragsregler og tips- og triks – ikke minst praktisk gjennomgang av skjemautfyllingen som skal til for å levere skattemeldingen.

    Kristoffer Gjerdevik Vinje Vassdal er kulturøkonom og autorisert regnskapsfører, med lang erfaring fra kunst- og kulturbransjen. Etter mange år som partner i PwC, har han i år startet opp et økonomihus for kunst- og kulturinstitusjoner, Vinje & Eriksen AS.

    Kurset er et samarbeid mellom Kristiansand Kunsthall, Agder Kunstsenter, Bomuldsfabriken Kunsthall og VISP, og er støttet av Agder fylkeskommune og Kristiansand kommune.

    Nye styremedlemmer i VISP

    På Årsmøtet 2022 ble følgende kandidater valgt inn:

    Åsil Bøthun – frittstående medlem

    Kristoffer Gjendevik Vinje Vassdal – medlem med juridisk/økonomisk kompetanse

    Jannecke Knudsen Heien – varamedlem fra BKFH

    I tillegg ble Linda Soh Trengereid valgt til ny styreleder, Frode Sandvik, Maria Udd og Tone Andersen (vara) fortsatte også i styret.

    Vi retter en enorm takk til avtroppende styreleder Maria Rusinovskaya og styremedlem Hans Flø for fantastisk innsats over syv år.

    Du kan laste ned Protokoll Årsmøte VISP 2022 her.

    18. mai i Stavanger: Skattekurs – Næringsoppgaven for billedkunstnere

    Velkommen til skattekurs med Kristoffer Gjerdevik Vinje Vassdal på Rogaland kunstsenter onsdag 18. mai kl 15-17!
    Kurset vil fokusere på den nye næringsoppgaven for billedkunstnere, generelle fradragsregler og tips- og triks – ikke minst praktisk gjennomgang av skjemautfyllingen som skal til for å levere skattemeldingen.

    Kristoffer Gjerdevik Vinje Vassdal er kulturøkonom og autorisert regnskapsfører, med lang erfaring fra kunst- og kulturbransjen. Etter mange år som partner i PwC, har han i år startet opp et økonomihus for kunst- og kulturinstitusjoner, Vinje & Eriksen AS.

    Kurset er et samarbeid mellom Rogaland kunstsenter og VISP, og er støttet av Rogaland fylkeskommune.

    – vel møtt!

    (Foto: Francisco Munoz)

    Robert Carter

    What is your expression ?
    Film, writing, print making, photography, painting, spoken word.

    What inspires you?
    Specifically over the last few years; David Baddiel’s TV documentary ‘The Trouble with Dad’, Chantal Akerman’s book ‘My Mother Laughs’. The first season of ‘How To’ with John Wilson. Humour is important to me, central to my practice. Moyra Davey’s photographs have captivated me for a long period. These things/people have all influenced the direction of my work. Inspiration comes from any place, like the paper wrapping around a watermelon I recently purchased in Italy. Bellissimo!

    How would you describe your art?
    Deceptively honest. Somebody else once described my work as ‘human’. A good compliment, I take it.

    In February this year I put together a small solo show called ‘Happy Man’ at Isotop in Bergen. It marked the culmination of a two year period in which I’ve been writing about my family. It all started in January 2020, when I had to fly back to England in the run up to our degree show to help my sister clean our dad’s apartment. It dawned on me that all this stuff I was trying to forget about, the messy stuff in the background of my life that people don’t see, was a lot more compelling, full of complex emotions and meaning, than anything I was trying to produce in the studio. I filmed us cleaning his apartment together, and made a short film about it which I later titled ‘Notes on Dad’.

    The video-essay, alongside live readings, became my primary medium during this period. A way for me to contain my writing practice whilst also reproducing visual elements of the world around me. I’m not a straight up writer and find it difficult to churn out anything longer than two pages. Last year I made another short film called ‘The Archive is Present’, this time with the spotlight on my Mum. I wanted to write a bit about the process of her moving house, and also my moving abroad, to ask questions about what we take with us and what we leave behind. I wanted to tie in the theme of hoarding from my first film with the world of smartphone photography which we’ve found ourselves consumed by today.

    In the exhibition I displayed the two films alongside some material from my family archive; A photograph of my dad as a young man on the beach, an old poster from a newsagents featuring my sister, slide photos of my mum’s old paintings from her student days. I painted a large mural covering one side of the gallery, a self-portrait based on a painting from Manchester Art Gallery’s collection. A loose connection to the archive, but mainly just an urge I had to show off with a big painting having struggled with the medium for years. 

    This family gathering was a way for me to untangle some knots in my own life. The driving force behind the whole project was my dad’s alcoholism – which I’ve never explicitly referred to in any of the work to date, for fear of ‘getting the violin out’. Dad’s drinking was this kind of centre which the other planets in my family’s life used to orbit around, a powerful invisible force like gravity. Being direct about it never quite felt right but it’s complicated, because I also think there’s a danger in it remaining unspoken. I woke up early the other morning and started writing about him again, so perhaps I’m not quite finished with this project (i.e my life) just yet.

    Why did you end up living in Bergen?
    I read about the new KMD building in Bergen in the Observer newspaper around Christmas 2017. I’d long toyed with the idea of studying an MA abroad (to avoid getting in more debt in the UK). I came for my interview, walked around the streets of Bergen wondering where everyone had vanished to and decided I couldn’t live here. Six months later I changed my mind.

    What do you like about the artscene and the town?
    How helpful and supportive everyone is. Organisations give you a leg up after you graduate and people have recommend me for various art and writing gigs, it’s been a real confidence boost living here. Outside of art – the plethora of amazing places to swim freely outdoors and up in the mountains.

    What could be better in the local artscene?
    Hard to say. If there’s a gap then it’s up to you to fill it right? All the independent galleries and organisations seem to be doing A LOT here already, is it possible to add more? If I was being critical (and vague) I feel like Bergen is quite a craft orientated place which can sometimes feel a bit conservative. I’ve nothing against abstraction but I’d like to see more of the messiness of real life taking up space in museums.

    What are you currently working on?
    Right now I’m on a 3 month residency in Clermont-Ferrand with the organisation Artistes en Residence. I’m trying to make a film about some middle aged men who race pigeons, ‘Colombophiles’. It’s horse racing but for poor people. There’s a huge culture of it in France, a sort of hangover from the war after the soldiers had grown attached to the messenger pigeons which were used to relay messages to England. I’m also working on a bunch of essays which I’m sending by post (not pigeon) to random people back in Bergen for Hordaland Kunstsenter’s ‘Dear Neighbour’ project.

    What are your ambitions and plans for the future?
    In Summer I’ll make the contents of my letter writing public back in Norway. I have an exhibition coming up in Bergen this fall where I’ll present the work I’ve been making in France. Beyond that? It sounds corny but just realising my potential over the next ten years. I feel like I’m only just getting into my stride now, post MA. In the last year I got a firm handle on my inner-critic and feel like I’ve ‘let go’ of something which has now freed me up to make a lot more (mistakes). 

    Who of your colleagues deserves more attention?
    Michael Crowe and his Spaghetti Club deserves all the attention he/it gets.

    STAVANGER: Regnskapskurs – gode rutiner for kunstnere

    Velkommen til regnskapskurs på Rogaland Kunstsenter!
    Dato: Mandag 2. mai
    Tid: kl 15.00 – 17.00
    Sted: Rogaland Kunstsenter
    Kursholder: Veronika Heilund, økonom og musiker.
    Hvordan er det lurt å organisere regnskapet gjennom året? Hvordan er egentlig bokføringsreglene når man har mottatt et stipend? Er man fritatt all MVA-rapportering som kunstner?
    2. mai holder VISP og Rogaland Kunstsenter regnskapskurs som tar for seg fradragsrett, skatt, stipend- og momsregler, samt gode regnskapsrutiner for kunstnere. Kurset passer for både uetablerte og mer erfarne, og det blir også anledning til å stille spørsmål.
    OBS, det blir også satt opp et eget kurs hvor utfylling av næringsoppgaven blir gjennomgått steg for steg, og det vil derfor ikke bli gjennomgått i dette kurset.
    Send gjerne inn spørsmål på forhånd til veronika@visp.no dersom du har spørsmål eller det er noe konkret du ønsker at vi tar opp.
    Kurset er del av et samarbeid mellom VISP og Rogaland Kunstsenter om å tilby kunstfeltet i Rogaland et variert utvalg av kompetansehevende kurs og workshops.
    Kurset er støttet av Rogaland fylkeskommune.

    624 400,- fra Kunstauksjon Ukraina

    Kjære alle som har bidratt til Kunstauksjon Ukraina: Vi samlet inn kr 624 600,-!

    Takk til Anders Elvestad og Andrea Forsberg på Blomqvist for ypperlig samarbeide, takk til Anthony Morton og Arna Makerspace for utforming og produksjon av bildet over (og Skjalg Ekeland for bruk av opprinnelig foto), takk til Ingeborg Annie Lindahl fra Kunstnere for fred som tok kontakt med VISP om prosjektet, takk til alle dere som har likt, delt og fremsnakket arrangementet, takk til dere som bydde og sørget for inntekter til en god sak, og sist – og viktigst! – takk til alle dere fantastiske kunstnere som har donert egne verk til Kunstauksjon Ukraina!

    (PS: Hele beløpet vil overføres til Røde Kors)

     

    Sakspapir Årsmøtet 2022

    Årsmøtet 2022 avholdes på Zoom 6. mai kl 16.00, meld deg på her.

    Her kan du laste ned saksliste og sakspapir:

    Årsrapport2021 – med årsregnskap og revisors beretning

    Budsjett VISP 2022

    HANDLINGSPLAN VISP 2022

    Saksliste Årsmøte VISP 2022

    Alle medlemmer har stemmerett på årsmøtet med en stemme hver. Det er kun mulig å representere en aktør ved avstemming. For å være stemmeberettiget må man ha vært medlem i minst en måned i forkant av årsmøtet. Stemmegiving kan ikke skje ved fullmakt.

    Critic´s talk: The MA Exhibition 2022 – Picnic

    May 5 at Landmark, Bergen kunsthall at 20:00, doors open at 19:45.
    The talk will also be live streamed on VISP´s Youtube channel, direct link here.

    Each spring, Bergen Kunsthall hosts the graduation exhibition with students from the Master’s Programme in Fine Art at UiB’s Faculty of Art, Music and Design (KMD). This year, twenty-seven artists from eleven countries present their work in Picnic, a large-scale exhibition spanning the institution and its adjacent public gardens, curated by Randi Grov Berger.

    VISP, with the gracious support of KMD, invites you to a panel talk about Picnic. We have invited three visiting art critics to give their opinions on this year´s show:

    Ragnhild Aamås (b. 1984) is based in Oslo. She studied philosophy and archeology at the University of Oslo, MRes Art Exhibition Studies at Central Saint Martin’s College of Arts and Designs, and completed her master’s degree as a visual artist at the Oslo Academy of the Arts in 2012. Aamås regularly contributes texts to Kunstkritikk.no, and has published texts at Periskop, Billedkunst and Artnews.lt.

    Mitch Speed is a Berlin-based writer. In 2019 his study of Mark Leckey’s video artwork
    Fiorucci Made Me Hardcore (1999) was published by Afterall Books, as part of their One Work series. His collected essays are forthcoming from Brick Press.

    Sergej Timofejev was born in Riga, Latvia. For the past 10 years Timofejev has been a working member of the Arterritory.com team. This is an art-and-culture online publication in Latvian, English, and Russian that focuses on Baltic, Scandinavian, and Eastern European artists. He is also the author of nine books of poetry published in Latvia, Italy, Georgia, and Macedonia.

    Tuva Mossin holds an MA in art history from the University of Bergen, where she is also a member of the research group Visual Culture. At present, Mossin works as a curatorial assistant at Bergen Kunsthall while also publishing regularly in Kunstkritikk, covering the Bergen art scene.

    NB: The talk starts at 20:00 precise, please be seated by 19:55.

    APRIL 20: Artist branding with Eamon O`Kane

    April 20 at 12:00 on Zoom, sign up here.

    Sector 1 Gallery, Bucharest and VISP – Produksjonsenhet for visuell kunst, Bergen present the first in a series of three online workshops on entrepreneurship in the arts. The three workshops – Artist branding (I), Artist survival (II) and The Norwegian Contemporary Art Scene (III) will focus on providing artists, curators and other art professionals with the insights and the tools to improve their entrepreneurial skills.

    Artist branding | Workshop I
    An objective reality of the contemporary art market is the brand potential of the artist. Both galleries and artists should work together in order to reveal those characteristics that can come to define an artist’s own brand; later on developing strategies for the exposure, the communication and the increase in visibility of the artist brand. This process is difficult yet essential in raising an artist’s visibility. This workshop highlights potential approaches to achieve this.

    During a two-hour session, artist and professor of visual art and painting Eamon O’Kane will guide participants through several key topics related to artist branding. The workshop is dedicated to artists of all ages and backgrounds, who would like to discover more about how to build and maintain an artist brand. The session offers a short and condensed take on this subject, providing the insight and tools to navigate artist branding nowadays.
    The workshop will explore the following topics: working with galleries, research and brand monitoring through the use of online resources including Artfacts, Artsy, Artnet, Limna, extending your brand / social media, maintaining your brand / website and archival work, developing and protecting your brand in connection with exposure and working with museums, public galleries and public commissions.

    _____

    Eamon O’Kane (b. 1974) is an Irish artist who lives and works in Norway and Denmark. Since 2011, he has been a professor of Visual Art and Painting at The Art Academy, University of Bergen, Norway. O’Kane’s multi-disciplinary practice has consistently been drawn to architectural contexts, whether in his Froebel Studio installation works that explore environments of play, or else in works such as Glass House that presented a scaled model of Philip Johnson’s iconic Glass House which was exhibited at California 101 in San Francisco and then at his first museum solo exhibition to mark the 50th anniversary of the Sheldon Museum in Lincoln, Nebraska. O’Kane has exhibited widely in exhibitions curated by Dan Cameron, Lynne Cooke, Klaus Ottman, Salah M.Hassan, Jeremy Millar, Angelike Nollert, Yilmaz Dziewior, and others. He has been a recipient of the Taylor Art Award, the Tony O’Malley Award, a Fulbright Award, an EV+A open award (Dan Cameron), the IMMA residency in Dublin, the BSR Scholarship in Rome, the CCI residency in Paris, and a Pollock Krasner Foundation grant. He has been short-listed for the AIB Prize, the PS1 studio fellowship in New York, and the Jerwood Drawing Prize in London. He has had over 80 solo exhibitions internationally, including in New York, London, Berlin, Frankfurt, San Francisco, Los Angeles, Paris, Copenhagen, Oslo, Bergen, Dublin, Belfast, and Cork. He has participated in numerous biennales including EVA, Limerick, Luleå Biennal, Norwegian Sculpture Biennal, and Dublin Contemporary.

    _____________________________________________________________
    The workshop is part of the project The enhancement of cultural entrepreneurship and the enlargement of audience through organizing the series of exhibitions “About Master and Media, the paradigm of bipolarity in contemporary art” organized between September 2021 and August 2023 by Sector 1 Gallery, Bucharest in collaboration with VISP, Bergen.
    This project is financed with the support of EEA Grants 2014 – 2021 within the RO-CULTURE Programme. The total budget of the project is 217.146 Euros, of which the value of the non-refundable financial support is 195.431 Euros.

    The EEA Grants represent the contribution of Iceland, Liechtenstein and Norway towards a green, competitive and inclusive Europe.
    There are two overall objectives: reduction of economic and social disparities in Europe, and to strengthen bilateral relations between the donor countries and 15 EU countries in Central and Southern Europe and the Baltics.
    The three donor countries cooperate closely with the EU through the Agreement on the European Economic Area (EEA). The donors have provided €3.3 billion through consecutive grant schemes between 1994 and 2014. For the period 2014-2021, the EEA Grants amount to €1.55 billion.

    Further information available here: www.eeagrants.org and www.eeagrants.ro
    RO-CULTURE is implemented in Romania by the Ministry of Culture through the Project Management Unit. The Programme aims at strengthening social and economic development through cultural cooperation, cultural entrepreneurship and cultural heritage management. The total budget amounts to almost 34 million EUR. For more details: www.ro-cultura.ro

    Kunstkonsulenten: Lover, regler og krav

    Webinar 28. april kl 10.00-12.00 – se opptaket her!

    Hvilke lover og regler må kunstkonsulenten følge ved offentlige oppdrag? Med regler for honorering av kunstkonsulenten må man også sette seg inn i momsreglene – hvordan løser man det?

    Vi har invitert Signe Solberg, Ståle Sørensen og Hans Flø som alle vil prøve å belyse utfordringer knyttet til kunst i offentlige rom – i tillegg blir det innlegg fra Marianne Ose Askvik (Vestland fylkeskommune) og Line Helen Danielsen (Viken fylkeskommune). Moderator er Aslak Høyersten, daglig leder i VISP:

    Signe Solberg er kunstner med hovedvirke innenfor skulptur og kunst i offentlige rom. Hun bor og arbeider i Hobøl, Indre Østfold, primært i metall og andre industrimaterialer. Siste året har hun utført utsmykninger inne- og utendørs ved bla Bomuldsfabriken Kunsthall, Kolbotn skole og REV Ocean, samt separatutstilling ved Kristiansand Kunsthall. Hun er for tiden ansatt som kunstkonsulent ved Bleiker vgs for Viken fylkeskommune.

    Ståle Sørensen er billedkunstner og jobber for det meste med tredimensjonal kunst. Han er utdannet fra Kunsthøgskolen i Bergen og Chelsea College of Art, London. Sørensen har hatt en rekke utsmykningsoppdrag i Norge og har i en årrekke jobbet som kunstkonsulent ved siden av sitt kunstneriske virke . Han har som kunstkonsulent hatt en rekke større oppdrag og er for tiden aktuell som kunstfaglig prosjektleder av det nye fylkeshuset Vestland i Bergen

    Hans Flø er advokat med egen praksis i Bergen, med hovedvekt innen forretningsjuridiske forhold, skifterett, fast eiendoms rettsforhold, erstatningsrett og forbrukerrettslige spørsmål. Flø er for tiden styremedlem i VISP.

    Marianne Ose Askvik er seniorrådgiver i seksjon for kunst- og kulturutvikling i Vestland fylkeskommune med arbeidsplass i Bergen.I sin stilling jobber hun blant annet med oppfølging av kunstutvalg og kunst i det offentlige rom i Vestland. Hennes erfaring med arbeid i kunstutvalg i fylkeskommunen strekker seg tilbake til 2013.

    Line Helen Danielsen er spesialrådgiver i Viken fylkeskommune, seksjon kulturutvikling, hovedsakelig innen visuell kunst og kunst i offentlig rom. Danielsen er utdannet ved kunstakademiet i Bergen (2003) og universitetet i Tromsø/København/Bergen (master i kunsthistorie UiB 2011). Hun har bakgrunn som utøvende billedkunstner og vært kunstkonsulent for flere større og mindre prosjekter (KORO, Oslo kommune, Porsgrunn kommune, Fornebubanen).

    Du kan også se webinaret på vår YouTube-kanal – både direkte og som opptak.

    Webinaret er en samproduksjon mellom de tre V´ene: VISP, Vestland og Viken fylkeskommuner – vel møtt!

    PÅMELDING

    English webinar: Taxes for visual artists – May 2

    May 2 at 18.00, please sign up for the webinar here.

    Kristoffer Gjerdevik Vinje Vassdal is a cultural economist and certified public accountant, with extensive experience from the art and culture industry. After many years as a partner in PwC, this year he started up a finance house for art and cultural institutions, Vinje & Eriksen AS. He also works with a many artists on an independent basis, and will on May 2 give us an insight into the new tax return for 2021. The course will focus on taxes, general deduction rules, tips and tricks – not least practical review of the form to be completed – how to deliver the tax return. If you have topics that you want to shed light on, you can send us these in advance to aslak@visp.no, or you will also have the opportunity to ask questions to Kristoffer directly during the webinar itself.

    This webinar is will also be available on our YouTube channel.

    This webinar is a co-production between VISP and Her og der, an artist networking project that works as a GPS to guide newly arrived artists to the art field in Norway; the project aims to find an easier way for newcomers to establish themselves financially and creatively within the art community in Norway. The project was initiated in 2018 and are currently running a mentor program with artists living in Vestland. Her og der is supported by Arts Council Norway, Vestland county and Bergen municipality.

    02.05.22 Taxreporting 2021 – PDF from the webinar.

    View the recording of the webinar here.

    Webinar: Næringsoppgaven for billedkunstnere

    Mandag 9. mai, kl 18.00
    Sted: Zoom – påmelding her

    Kristoffer Gjerdevik Vinje Vassdal er kulturøkonom og autorisert regnskapsfører, med lang erfaring fra kunst- og kulturbransjen. Etter mange år som partner i PwC, har han i år startet opp et økonomihus for kunst- og kulturinstitusjoner, Vinje & Eriksen AS. Han jobber samtidig med et knippe kunstnere på selvstendig basis, og vil den 9. mai gi oss et innblikk i den nye skattemeldingen for 2021. Kurset vil fokusere på skatt, generelle fradragsregler, tips- og triks – ikke minst praktisk gjennomgang av skjemautfyllingen som skal til for å levere skattemeldingen. Har Du tema som ønskes belyst kan Du sende oss disse på forhånd til aslak@visp.no, alternativt vil det også bli mulighet til å stille spørsmål til Kristoffer direkte under selve webinaret. Vel møtt!

    Webinaret kan også oppleves direkte og i opptak på vår YouTube-kanal – se opptaket her, og last ned pdf av kurset her: VISP Skattemeldingskurs 09.05.22

    NB: Vi kommer også til å ha enkelte fysiske skattekurs før fristen 31. mai.

     

    (Foto: Francisco Munoz)

    7. april: Vernissage – Kunstauksjon Ukraina

    I anledning veldedighetsauksjonen Kunstauksjon Ukraina ønsker Blomqvist velkommen til vernissage på Fornebu, Rolfsbuktveien 4 e-f.

    Kunstauksjon Ukraina, som avholdes på Blomqvist.no fra 7. til 24. april, presenterer kunstverk fra over 100 norske kunstnere, donert til inntekt for Røde Kors og deres arbeid for Ukrainske flyktninger.

    Kunstauksjon Ukraina er et initiativ fra Kunstnere for fred, VISP og Blomqvist. Alle inntektene, med unntak av kunstavgiften, går uavkortet til Røde Kors. Vi retter en enorm takknemlighet til kunstnerne som har donert sine arbeider.
    Velkommen til vernissage!
    For spørsmål, kontakt Blomqvist på 45200225

    Anne Kari Amstein

    Hva jobber du med?
    Materialbasert kunst: Jeg jobber med håndlaget papir/fiber og lager romlige installasjoner. I arbeidsprosessen gjør jeg bruk av en sanselige og håndverksmessig tilnærming som ligger i tekstiltradisjonen. Jeg jobber også med abstrakte tegninger som jeg skjærer ut.

    Hva inspirerer deg?
    Jeg blir inspirert av reiser, musikk som setter i gang en følelse, litteratur, naturen, spesielt det som beveger seg i havet, motsetningene mellom det skjøre og det sterke, det ekspressive mot det kontrollerte. For tiden er jeg opptatt av kunst som har både det ekspressive og det finstilte, rabalder og stillhet, det finner jeg mest i maleriet.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Arbeidene mine er metaforer for ordløse fortellinger, hvor mennesket og natur står i sentrum.
    Jeg henter inspirasjon fra naturen, men verkene er på ingen måte et forsøk på å etterligne noe i naturen. Jeg er ute etter en stemning, følelse eller opplevelse, og søker å komme i kontakt med det ikke språklige. Jeg søker en fysisk tilstedeværelse gjennom materialet, og hvordan det brukes, og tenker fysisk kontakt som en vei til mental kontakt.

    I mitt kunstneriske arbeid undersøker jeg det monumentale mot det intime. Motsetninger, farger, størrelser og materialet er viktige omdreiningspunkt. Jeg jobber med kontrasten mellom uroen jeg finner i det sårbare og oppløste, og roen i det gjentagende, og søker å komme nærmere disse to størrelsene.

    Jeg er opptatt av å gi arbeidene en fysisk tilstedeværelse, det organiske og taktile er viktig. Arbeidene har klare referanser til tekstil, hvor rytme og bevegelse danner mønstre, og hvor det bevegelige og taktile er en del av uttrykket. Teknikken er viktig for innholdet. Papirmassen produserer jeg av avlagte tekstiler og plantefibre i en spesialmaskin (Hollender) for nedbrytning av fibre. Jeg benytter en teknikk som er den kineserne benyttet, for over to tusen år siden, for å fremstille papirmasse. Jeg kjører tekstilene gjennom maskinen til det blir en flytende masse. Massen farges inn i ønsket farge før jeg lager papir. Det ferdige papirarket deler jeg opp i smale remser. Papirremsene blir sydd sammen, slik at de danner et nettverk, og hver søm etterlater seg flere tråder. Trådene blir liggende som nerver eller spinn over flaten, og refererer til en kroppslig nærhet. Arbeidsprosessen er tidkrevende, og det er tid til å la tankene flyte fritt. Jeg forestiller meg at trådene som flyter over flaten blir en oppsamlingsplass for minner og tanker.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    I 1993 flyttet vi til Kunstnerboligene på Bøler, som ligger ca. 20 minutter fra Oslo sentrum. Jeg har min utdannelse fra Kunsthøyskolen i Oslo og har mitt nettverk her og har egentlig aldri tenkt at jeg skulle flytte herfra.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Det beste med å bo i Kunstnerboligene er at vi har atelier hjemme, kollegaer tett på og skogen rett utenfor døra. Det betyr veldig mye for meg å ha naturen rundt meg. Jeg bruker mye tid i skogen, å gå er en god måte å la tankene flyte fritt. Jeg liker å bo landlig, men samtidig ha lett tilgang på byen. Det Oslo har å tilby på kunst og kulturfeltet er veldig viktig, det kan jeg ikke tenke meg å være uten.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    På Bøler finnes ingen møteplasser for kunstnere eller generelt for menneskene som bor her, det hadde vært fint om det var det.
    Det jeg savner i kunstmiljøet i Oslo er gallerier som tar inn tekstilrelatert kunst, det er det ikke så mange som gjør.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Akkurat nå jobber jeg med å ferdigstille utstillingen til Galleri Christinegaard i Bergen, som jeg skal ha sammen med min mann Glenn Pedersen og min sønn David Amstein. Vi jobber alle tre med natur som utgangspunkt, men med veldig ulik tilnærming.

    Utstillingen åpner 23.april. Der skal jeg vise et prosjekt jeg har kalt «Møt en korall», som jeg har jobbet med over en treårsperiode. Tittelen «Møt en korall» er en invitasjon inn til verket, men den er også nært forbundet til naturen. Naturens vekstprosesser, oppbygging og nedbrytning er tematiske utgangspunkt. Denne kontinuerlige og foranderlige vekst- og forråtnelsesprosessen er en påminnelse om det forgjengelige, om livets sårbarhet og styrke. Prosjektet består av tre verk som er laget av håndlaget papir og søm, som beskrevet ovenfor.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Å jobbe med kunst er livet mitt, det er en måte å være i verden, så det vil bare fortsette.
    Jeg jobber mer intuitivt enn før og tenker å følge den retningen. Jeg liker at ting oppstår underveis, samtidig bygger alt på tidligere erfaringer.
    Jeg har samarbeidet med Gabriella Göransson om flere utstillinger de siste årene og vi fortsetter samarbeidet.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Mine medutstillere, Glenn som jobber med maleri og skulptur, som er laget i papir og David som tegner en reise i landskap, som er satt sammen av et konglomerat av fabler, kjente bildet fra kunsthistorien og ornamentikk.

    FIKEN: Næringsoppgaven for billedkunstnere

    I samarbeid med Fiken arrangerer vi webinar om Næringsoppgaven for billedkunstnere (Skattemeldingen) onsdag 11. mai kl 19.00 .

    Fra 2022 kan billedkunstnere levere vanlig skattemelding (næringsoppgave) – i dette webinaret vil vi vise deg hvordan.

    Vi vil primært gå gjennom hvordan du kan:
    – Foreta en årsavslutning (inkludert sluttposteringer) i Fiken for billedkunstnere.
    – Opprette og sende skattemeldingen (næringsoppgaven) i Fiken samt signere hos Skatteetaten

    Du kan skrive inn dine spørsmål underveis og få svar på det du måtte lure på – påmelding her.

    NB: Husk at du som medlem i VISP får 15% rabatt hos Fiken!

    BERGEN: To ledige atelier på USF

    Atelier 1:
    Atelier 162 (14,5 m²) ledig på USF Verftet, Bergen

    Leien er 1152.-/mnd + fellesutgifter kr 364/mnd.
    I tillegg kommer kostnader til strøm og internett.
    Avtaleperioden til 31.12 2027 med mulighet for 5 års forlengelse.

    Atelieret ligger på kaien på USF med egen inngang, vindu mot vest.

    Visning: mandag 28.3. kl 15-15.30 og tirsdag 29.3. kl 8.30-9.00

    Søknadsfrist: 5.4.2022

    Innflytting: fleksibel etter 1.5.2022

    Atelier 2:
    Atelier 409 (26,3 m²) ledig på USF Verftet, Bergen

    Leien er 1793.-/mnd + fellesutgifter kr 514/mnd.
    I tillegg kommer kostnader til strøm og internett.
    Avtaleperioden til 31.12 2027 med mulighet for 5 års forlengelse.

    Atelieret ligger i 4. etasje på USF med vindu mot øst.

    Visning: mandag 28.3. kl 15.45-16.15 og tirsdag 29.3. kl 9.15-9.45.

    Søknadsfrist: 5.4.2022

    Innflytting: 1.6.2022

    Ta kontakt med Jacob Sætre for søknadsskjema og informasjon:
    jacob@npco.no

    BERGEN: Introduksjon til Adobe InDesign

    Helgekurs i Adobe InDesign lørdag 26. og søndag 27. mars kl 12-16 (begge dager) på Fagskolen Kristiania. Lær deg å sette opp enkle plakater og små brosjyrer for trykk og digitalt i InDesign.

    PÅMELDING HER

    • Bli kjent med Interface
    • Oppsett av dokumenter for trykk, eventuelt skjerm
    • Oppsett av mal dokument
    • Bruk av typografi, Adobe fonts, og tekstmaler.
    • Bilder i InDesign (linking)
    • Filformater som kan brukes i InDesign.
    • Lagring og eksportering av dokumenter (PDF nett og trykk, pakking av filer)

    Du behøver ikke å ta med egen laptop, høyskolen har en helt moderne maskinpark med alle aktuelle programmer installert.

    NB: Du må ha opprettet en Adobe-bruker før du kommer, trenger det for å logge inn på Adobe-pakken.

    Kurset er gratis, men du må være medlem i VISP for å delta.

    Det blir innlagte pauser i kurset – velkommen!

    Hvordan komme seg dit? Fagskolen Kristiania ligger i C. Sundsgate 27-33, samme bygg som Sonans.
    Inngang i innhukket rett ovenfor Augustin Hotell. Gå litt forbi inngangen til Sonans så finner dere innhukket, står skilt over døren. Dersom porttelefonen ikke virker ringer du nummeret som står på veggen og resepsjonisten kommer og henter deg.

    Kursholder? Helge Kirkaune er hovedlærer i 3D, animasjon og grafisk design på Fagskolen Kristiania Bergen. Han har jobbet frilans i mer enn 20 år og har jobbet i flere av byråene i Bergen som innleid designer. De siste årene har det blitt mest undervisning på skolen, i Photoshop, XD, InDesign og Illustrator primært. Har også jobbet med alt fra trykk, film, web og animasjon.

     

    ENGLISH: Introduction to Adobe InDesign

    Weekend course in Adobe InDesign on Saturday 26 and Sunday 27 March at 12-16 (both days) at Fagskolen Kristiania. Learn how to set up simple posters and small brochures for print and digital in InDesign.

    SIGN UP HERE

    • Get to know Interface
    • Setup of documents for printing, possibly screen
    • Template document setup
    • Use of typography, Adobe fonts, and text templates.
    • Images in InDesign (linking)
    • File formats that can be used in InDesign.
    • Storage and export of documents (PDF web and print, packaging of files)

    You do not need to bring your own laptop, the college has a completely modern machine park with all current programs installed.

    Note: You must have an Adobe user created before you can use it to log in to the Adobe suite.

    The course is free, but you must be a member of VISP to participate. There will be breaks in the course – welcome!

    How to get there? Kristiania is located in C. Sundsgate 27-33, the same building as Sonans.
    Entrance opposite to the Augustin Hotel. Walk a little past the entrance to Sonans and you will find the crouch, there is a sign above the door. If the intercom does not work, call the number on the wall and the receptionist will pick you up.

    Course leader? Helge Kirkaune is head teacher in 3D, animation and graphic design at Kristiania Bergen. He has worked freelance for more than 20 years and has worked in several of the agencies in Bergen as a hired designer. In recent years, he has mostly been teaching at school, in Photoshop, XD, InDesign and Illustrator primarily. Has also worked with everything from print, film, web and animation.

     

    Kunstnere for fred: Bli med på Kunstauksjon UKRAINA!

    (ENGLISH VERSION BELOW)

    7. april- 17. april: Kunstnere for fred (KFF) i samarbeid med Blomqvist inviterer profesjonelle kunstnere til deltakelse på Kunstauksjon UKRAINA.

    Kunstauksjonen vil avholdes på Blomqvist.no i perioden 7. april til 17. april.
    Som kunstner kan du delta med 1 (ett) verk, deadline for å registrere informasjon om hvilket verk du vil bidra med er 21. mars. Du kan delta med alle typer kunstverk som kan omsettes via auksjon, minstepris per verk er 2000 kroner. For å delta må du være profesjonell visuell kunstner bosatt i Norge.

    Alle inntekter fra auksjonen går direkte til Røde Kors sitt arbeid for de som er rammet av krigen i Ukraina.

    Vi ser for oss at det blir mellom 50 og 100 kunstverk på auksjonen, et utvalg bestående av representanter for Blomqvist og KFF vil stå for utvelgelsen av kunstverk. Vi vil ha fokus på å samle inn mest mulig penger til Røde Kors og utvalget vil derfor velge ut verk det mener vil skape de største inntektene, vi ber om forståelse for dette.

    SØK OM DELTAGELSE HER

    Kunstverkene må først sendes til Blomqvist i Oslo for verifisering og katalogisering før de kan legges ut på auksjon. Innlevering av kunstverk kan skje på følgende lokasjoner:
    Blomqvist på Fornebu, Rolfsbuktveien 4 e-f, frist: fredag 1. april
    QB i Oslo, Gabels gate 43, frist: fredag 1. april
    Blomqvist sitt kontor i Bergen, Neumanns gate 30, frist: onsdag 30. mars
    Stavanger: Elefant i Erfjordgt. 8, kontakt Elin Melberg på tlf 48170902, frist 17. mars kl 09!

    NB: Kunstverket leveres inn etter at deltagelse i auksjonen er akseptert av utvalget.

    Frakt fra andre steder i landet er dessverre ikke en utgift hverken KFF eller Blomqvist kan påta seg, men vi ønsker selvfølgelig at flest mulig kunstnere fra hele landet kan delta!

    Blomqvist vil ikke ta provisjon ved salg fra auksjonen og vil også ta ansvar for innbetaling av Kunstavgiften til Bildende kunstneres forening. På auksjon kommer det 25 % omkostninger på toppen av tilslaget (hammerslaget) som inkluderer Kunstavgiften. Auksjonsvurderingen for verket vil derfor være galleripris minus 20 % og minsteprisen/startbudet vil være halvparten av denne. Med unntak av Kunstavgiften vil hele kjøpesummen inklusiv omkostninger gå uavkortet til Røde Kors.

    For spørsmål om auksjonen vennligst kontakt:

    Aslak Høyersten, VISP og KFF
    aslak@visp.no

    Anders Elvestad, Blomqvist
    Anders.Elvestad@blomqvist.no

    Kunstnere for fred er et initiativ fra kunstner Ingeborg Annie Lindahl for å hjelpe flyktninger som flykter krigen i Ukraina, VISP deltar som støttespiller og vil ha hovedansvar for denne kunstauksjonen.

    Blomqvist ble etablert i 1870 og er et av Norges ledende auksjonshus, med både klassiske- og nettauksjoner gjennom hele året.

    Foto: Skjalg Ekeland, Ekeland er utdannet fotograf fra Kent Institute of Art and Design i Rochester, UK, og jobber til daglig i Bergensavisen.

    ENGLISH VERSION
    April 7- April 17
    : Kunstnere for fred (KFF – Artists for Peace) in collaboration with Blomqvist invites professional artists to participate in  Kunstauksjon UKRAINE.

    The art auction will be held on Blomqvist.no in the period  April 7 to April 17.
    As an artist, you can participate with 1 (one) work, the deadline for registering information about which work you want to contribute is March 21. You can participate with all types of artwork that can be sold via auction, the minimum price per work is NOK 2000. To participate, you must be a professional visual artist resident in Norway.

    All proceeds from the auction go directly to the Red Cross’ work for people affected by the war in Ukraine.

    We envisage that there will be between 50 and 100 works of art at the auction, a committee consisting of representatives from Blomqvist and KFF will be responsible for the selection of works of art. We will focus on raising as much money as possible for the Red Cross and the committee will therefore select works that it believes will create the largest income.

    APPLY FOR PARTICIPATION HERE

    The works of art must first be sent to Blomqvist in Oslo for verification and cataloging before they can be put up for auction. Submission of works of art can take place at the following locations:
    Blomqvist at Fornebu, Rolfsbuktveien 4 e-f, deadline: Friday 1 April
    QB in Oslo, Gabels gate 43, deadline: Friday 1 April
    Blomqvist’s office in Bergen, Neumanns gate 30, deadline: Wednesday 30 March
    Stavanger: Elefant in Erfjordgate 8, contact Elin Melberg tlf 48170902, deadline 17 March 9AM

    NB: The artwork is handed in after participation in the auction has been accepted by the committee.

    Shipping from other parts of the country is unfortunately not an expense either KFF or Blomqvist can undertake, but of course we want as many artists from all over the country to participate!

    Blomqvist will not take commission on sales from the auction and will also take responsibility for payment of the art fee to the Association of Visual Artists (BKH). At auction, there is a 25% cost on top of the bid (hammer price) which includes the art fee. The auction valuation for the work will therefore be a gallery price minus 20% and the minimum price / starting bid will be half of this. With the exception of the art fee, the entire purchase price, including costs, will go in full to the Red Cross.

    For questions about the auction please contact:

    Aslak Høyersten, VISP and KFF
    aslak@visp.no

    Anders Elvestad, Blomqvist
    Anders.Elvestad@blomqvist.no

    Kunstnere for fred is an initiative by artist Ingeborg Annie Lindahl to help refugees fleeing the war in Ukraine, VISP participates as a supporter and will have the main responsibility for this art auction.

    Blomqvist was established in 1870 and is one of Norway’s leading auction houses, with both classic and online auctions throughout the year.

    Photo: Skjalg Ekeland, Ekeland is a trained photographer from the Kent Institute of Art and Design in Rochester, UK, and works daily in Bergensavisen.

    Medlemsrabatt på kurs hos Kroloftet i Oslo

     

    Som ein del av VISP si satsing i Oslo har me no sikra 10% rabatt
    på alle introduksjonskurs/verkstadskurs hos Kroloftet for alle våre medlemmar. Kroloftet arrangerer m.a. introduksjonskurs innan tre, metall, keramikk og søm. Kroloftet vart etablert som ein liten verkstad og kontor i 2014 og leiger i dag ut atelier/studio, prosjektareal, kontorplassar, musikkstudio. Dei har verkstadar for tre, keramikk og metall, og mange har faste leietakarar. Kroloftet ligg i industrielle, lyse lokaler langs Alnaelva i Arnljot Gelines vei 41 og har i tillegg til alt det andre dessutan kafé og arrangementslokaler.

    Er du ikkje VISP medlem enno? Då har du enno ein grunn til å melde
    deg inn. Det er heilt gratis, og du får tilgang til våre
    ressursar, som kurs, seminar, medlemsdatabasen o.l. – meld deg inn
    her.

    Bli synlig: Enkle grep for kunstnerdrevne visningssteder og organisasjoner (WEBINAR)

    MANDAG 28. MARS KL 10-14
    Zoom – påmelding her

    Dette kommunikasjonskurset – spesielt utviklet for det visuelle kunstfeltet – lærer deg det grunnleggende om kommunikasjon, synliggjøring og markedsføring.

    Vi diskuterer hvorfor mange oppfatter det visuelle feltet som vanskelig kommuniserbart, og ikke minst hva vi selv kan gjøre for å snu skuta.

    For å få det kunstneriske programmet ut til flere, både publikum og presse, bør du kunne hovedtrekkene i god kommunikasjon for virksomheter. Her fyller vi opp verktøykassa for ressurseffektiv bruk av ulike kanaler, både på nettet og IRL.

    Deltagerne lærer hvordan man setter opp en enkel kommunikasjonsplan, og tas stegvis gjennom:
    – hvordan velge seg få og enkle, men nyttige verktøy og rutiner
    – hvordan sette seg gode mål
    – hvordan definere hvem man egentlig prøver å nå
    – hvordan velge forstandige kanaler
    – hvordan implementere (faktisk skrive/poste/utforme, og distribuere)
    – hvorfor og hvordan evaluere og justere

    Kurset er spesielt tilpasset organisasjoner med liten stab og begrensede ressurser.

    Som forberedelse oppfordres deltagerne til å dykke inn i materiale fra Kulturrådets nylig avsluttede prosjekt «Synliggjøring og markedsføring i det visuelle kunstfeltet»:

    Introduksjonsfilm

    – Rapport produsert av Rambøll – les minst kapittel 7, «Oppsummerende vurderinger og anbefalinger»

    – To seminarer – tidkrevende, men anbefalt:
    Kulturøkonomi
    Synliggjøring og markedsføring

    Deltagerne vil motta noen spørsmål om materialet på mail i forkant. Selv om det anbefales å finne tid til forarbeidet, er det anledning til å delta uten.

    NB: dette kurset kan kun oppleves direkte, det vil ikke bli gjort opptak.

    KURSHOLDER: Johanne Nordby Wernø (f. 1980) er kurator, skribent og kritiker. I 2019 startet hun St. Hans, Norges første kommunikasjonsbyrå for det visuelle kunstfeltet.

    Wernø har en BA i estetisk teori fra Universitetet i Oslo (2006) og en MFA i kritikk og kuratering ved Konstfack i Stockholm (2009). Hun har skrevet i norsk og internasjonal dags- og fagpresse, både journalistisk og som kritiker, siden årtusenskiftet. Tekstene hennes har vært publisert blant annet i Morgenbladet, Dagbladet, Vinduet, Billedkunst, Kunstkritikk, Klassekampen, Dagens Næringsliv/D2, Natt & Dag, Artforum (USA), Even Magazine (USA) og ArtReview (Storbritannia). Fra 2013 til 2016 var hun daglig leder og kurator for Unge Kunstneres Samfund (UKS). Hun har også blant annet frilanset som kurator, gjestelærer, redaktør, foredragsholder og debattmoderator, vært vikarierende kulturattaché for Utenriksdepartementet i New York, og sittet i redaktørposisjoner i det nordiske kunsttidsskriftet Kunstkritikk.

    www.sthansoslo.no
    (foto: Anne Valeur/St. Hans)

    Rabatt på medlemskap hos Bitraf i Oslo

     

    VISP kan no tilby alle sine medlemmar rabatt på medlemskap hos skaparverkstaden Bitraf i Oslo.

    I Bitraf sine lokaler fins det blant anna eigne rom for elektronikk, 3D-printing, tekstilarbeid og kjemi/støyping, verkstad for tre, plast og metall. Det fins avanserte maskiner som CNC-fres, laserkuttar, pick-and-place for elektronikk og over ti 3D-printarar. Medlem­mar i Bitraf lagar elektronikk, skulpturar, kostyme/­cosplay, musikkinstrument og medisinsk utstyr, skriv programvare, byggjer møblar, binder bøker, utviklar 5G-teknologi, designar smykke og fritidsprodukt og mykje meir.

    Den rabatterte prisen er 300 kr i månaden (vanleg pris 500)
    Medlemsfordelar i Bitraf finn du her.

    Meld deg inn i VISP for å få tilgang til rabattavtalen. Å vere medlem i VISP er heilt gratis, og du får tilgang til våre ressursar, som kurs, seminar, medlemsdatabasen o.l. – meld deg inn her.

    TRONDHEIM: Kunsten å bli sett – Kurs om kunst i sosiale medier (SoMe)

    Dato: Torsdag 17. mars
    Tid: kl 12:00 – 16:00
    Sted: Lademoen kunstnerverksteder, fysisk oppmøte
    For hvem: Kunstnere og små visningssteder
    Påmelding: Send e-post til kurs@lkv.no innen 14. mars for å melde deg på.
    Antall deltakere: Maks 30
    Kursholder: Johanne Nordby Wernø, St. Hans Kommunikasjon

    Sosiale medier – Facebook, Instagram og andre kanaler for toveis kommunikasjon – har blitt en nødvendig del av verktøykassa for alle som vil nå ut til publikum, presse og andre interessenter.
    I dette kurset lærer deltagerne mer om kanalenes egenart, og vi går gjennom hva en liten virksomhet (enkeltkunstner eller visningsted) har å hente på god bruk av dem. Deltagerne lærer videre hvordan man steg for steg kan legge en enkel kommunikasjonsplan for virksomheten generelt og få inn gode rutiner for bruk av sosiale medier spesielt.
    Vekten ligger på å forstå viktige prinsipper i god kommunikasjon i sosiale medier, og å tilegne seg rutinene for å anvende dem godt – også når man har liten eller ingen stab og ditto ressurser. Alle får med seg maler og andre tips til enkle, men nyttige verktøy for å skape og publisere godt stoff.
    Vi ser også på eksempler fra virksomheter både i og utenfor kunstfeltet og analyserer hvorfor de fungerer, og deltagerne bryner seg på øvelser med sin egne faktiske virksomhet som case.
    Kurset er et samarbeid mellom VISP og Lademoen Kunstnerverksteder og er støttet av Trondheim kommune.
    __
    Johanne Nordby Wernø (f. 1980) er kurator, skribent og kritiker. I 2019 startet hun St. Hans, Norges første kommunikasjonsbyrå for det visuelle kunstfeltet.
    Wernø har en BA i estetisk teori fra Universitetet i Oslo (2006) og en MFA i kritikk og kuratering ved Konstfack i Stockholm (2009). Hun har skrevet i norsk og internasjonal dags- og fagpresse, både journalistisk og som kritiker, siden årtusenskiftet. Tekstene hennes har vært publisert blant annet i Morgenbladet, Dagbladet, Vinduet, Billedkunst, Kunstkritikk, Klassekampen, Dagens Næringsliv/D2, Natt & Dag, Artforum (USA), Even Magazine (USA) og ArtReview (Storbritannia). Fra 2013 til 2016 var hun daglig leder og kurator for Unge Kunstneres Samfund (UKS). Hun har også blant annet frilanset som kurator, gjestelærer, redaktør, foredragsholder og debattmoderator, vært vikarierende kulturattaché for Utenriksdepartementet i New York, og sittet i redaktørposisjoner i det nordiske kunsttidsskriftet Kunstkritikk.

    Thyra Dragseth

    Hva jobber du med?
    Jeg jobber hovedsaklig kamerabasert, med fotografi og bevegelige bilder. Mediumene skifter etter prosjektene og periodene jeg er i. Akkurat nå er fotografiet mer aktuelt i min praksis, etter en periode der jeg arbeidet mer med video og installasjon.

    Hva inspirerer deg?
    Omgivelser, å reise, møte nye mennesker, nye perspektiver.
    Alt mulig! Arbeidet, meg selv, en god utstilling eller film.. Å se nye ting gir inspirasjon til å se det nye og spennende i det gamle.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Kunstnerskapet er for meg en kontinuerlig undersøkelse. Min kunst er skiftende, det er vanskelig å fatte den inn under en paraply. Et krysningspunkt mellom det intuitive og det teoretiske landskapet jeg befinner meg i til ulik tid. Jeg vil si at kunsten min er bevegende, og bevegelse kan være mange ting.

    I arbeidet In Search of Dead(ly) Fires (2018) arbeidet jeg spesielt innenfor bevegelse med en flerkanals videoinstallasjon. En viktig del av arbeidet er hvordan bildene beveger seg i hver sine rammer, og hvordan dette skaper en bevegelse i rommet. Arbeidet tar utgangspunkt i de massive skogbranner som herjet Portugal i 2017, og utforsker vold i ulike manifestasjoner.

    Noen ganger kan arbeidet være mer politisk rettet, andre ganger er det politiske mer som et underlag.

    Jeg ble på en studietur i 2017 veldig berørt av konflikten i Palestina og bestemte meg for å prøve å lage et arbeid (Conflict Consumption 2019, video og skulpturer) omkring noe av politikken som føres der. Det var svært utfordrende og ble et ganske annet arbeid enn hva jeg hadde tenkt. Filmen ble kanskje mer enn annet en undersøkelse av perspektiver, og ansvar som utenforstående til en konflikt.

    De siste årene har jeg fokusert mer på fotografiet og jeg kjenner en sterk tilknytning til dette mediumet igjen. Det er et medium jeg behersker godt og som jeg også syns er utfordrende å jobbe med. Jeg har nylig vist en del nyere arbeider i serien Selva Mente (2021), og jeg skal nå sette opp en ny utstilling med enkelte av disse arbeidene, samt noen nye. Manipulasjon, tildekking, forkludring går igjen i mange av bildene.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Jeg har alltid på et sett vært en reisende, og trives godt i nye, annerledes miljøer enn hva vi har her hjemme i Norge, men samtidig ser jeg på Norge og mitt hjem i Kristiansand som en trygg havn der jeg har ro til å arbeide og trekke meg tilbake. I Lisboa lever jeg annerledes, og det skaper igjen en annen arbeidsprosess. Det å være basert to steder gir kanskje litt ekstra arbeid og utfordringer, men samtidig får man mye inspirasjon, inntrykk og kontraster å arbeide med kunstnerisk.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    I Kristiansand har jeg et par gode kunstnerkolleger og det å treffes for å diskutere kunst og andre ting har vært viktig. Jeg opplever at Kristiansand ønsker å støtte de lokale, kunstnerne, og jeg opplever meg som satt pris på, noe som er viktig! Kristiansand Kunsthall har hatt et veldig godt og sterkt utstillingsprogram i en år-rekke nå, og i år har Agder Kunstnsenter et veldig spenennede og ungt program, som jeg selv er en del av, hehe. Jeg gleder meg til å se de forskjellige kunstnerne vise sine prosjekter der.
    Kristiansand kan også være ganske kjedelig, og selvom det ikke alltid er så gøy – kan man i hvert fall få mye ro til å tenke.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Jeg savner nok flere kunstnere, og kanskje i sær et ordentlig møtested for miljøet. Et profesjonelt kunstnerdrevet galleri, med en samtidsrettet kunstprofil ville jeg satt stor pris på. Det ville også være godt med en kompetanseheving hos institusjonene spesielt innenfor områder som kommunikasjon og profesjonalitet, samt flere yngre kunstnere/kuratorer i faste stillinger.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Den aller største jobben min nå er å være mamma til min sønn Juno på 3 måneder! Ved siden av holder jeg på å ferdigstille separatutstillingen jeg skal ha på Agder Kunstsenter i April. Dette blir en videreføring og ny kuratorisk vri, på arbeidene jeg viste på Melk galleri i fjor høst. Samtidig tar jeg bilder og har begynt smått å produsere på et omfattende utstillingsprosjekt som kretser omkring avhengighet.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg ønsker å være en del av kunstscenen i Norge, og i Portugal, og om jeg klarer å ha en stabil karriere, med jevne muligheter til å produsere og vise kunsteriske arbeider er jeg fornøyd. Jeg har ambisjoner om å livnære meg av kunsten og ha en lang, utforskende karriere.

    Jeg håper å være en ressurs for miljøet rundt meg! Jeg kunne godt tenke meg å arbeide med organisering, fagpolitikk eller programmering i tillegg til min egen praksis. Aller helst ville en drømmejobb være å få knytte det skandinaviske kunstmiljøet til Lisboa, gjerne gjennom utstillinger og internasjonalt samarbeid!

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Lesia Vasylchenko!

    Vestland fylke: Søkar formidlar(ar) til produksjon frå Nasjonalmuseet

    Vestland fylkeskommune har ansvar for Den kulturelle skulesekken (DKS) i Vestland, og sender kvart år ei mengd produksjonar og utøvarar på turné til elevar i grunnskulen og vidaregåande skule i heile fylket. DKS-programmet inneheld produksjonar innan musikk, film, litteratur, kulturarv, scenekunst og visuell kunst, og formidlinga skjer anten på skulane eller på kunst- og kulturinstitusjonar/-arenaer i fylket.

    Vi treng formidlar(ar) til produksjonen «Avtrykk» frå Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design . Les meir om produksjonen her.

    Produksjonen skal på turné i Vestland i 8-9 veker frå midten av mars. Det er behov for ein til to formidlarar.

    Meld frå til Charlotte Espeland (charlotte.espeland@vlfk.no) innan 7. mars dersom du ønskjer å formidle denne produksjonen i deler av, eller heile, perioden. Rammeavtale for oppdragstakarar i DKS forhandla fram av Creo og KS ligg til grunn for avtale om oppdrag.

    OPEN CALL: Mappevisninger Bergen – frist 1. mars

    (English below)

    VISP inviterer med dette sine bergens- og vestlandsbaserte medlemmer til mappevisning med de tre Oslogalleristene Laetitita Queyranne fra Isca, Behzad Farazollahi fra Melk og Mikaela Aschim fra QB.

    Mappevisningen avholdes lørdag 19. mars på Hotel Grand Terminus fra kl 10 til 16, det er plass til 12 kunstnere totalt.

    VIKTIG:
    -Du behøver kun å fylle ut dette skjemaet med din mailadresse, lenke til hjemmeside og CV innen 1. mars. Ved behov kan du bli spurt om å ettersende bilder av nyere verk.
    -Når frist er utløpt videresendes informasjonen til galleriene, de velger selv hvem de ønsker å møte.
    -VISP setter opp kjøreplan for arrangement og kontakter kunstnerne som galleriene velger ut. Hvis du er blant de utvalgte, får du beskjed minimum 1 uke før møtet.
    -Alle typer kunstneriske uttrykk er velkommen.
    -Du får femten minutter til å presentere eget kunstnerskap, du velger selv hva du ønsker å fokusere på.
    -Du kan velge om du ønsker å presentere en fysisk eller digital mappe, projektor vil bli tilgjengelig.

    NB: Du må være registrert som medlem i VISP på det tidspunktet du sender inn søknad. Dersom du ikke er medlem av VISP vil søknaden din ikke behandles, sjekk her om du er registrert som medlem.

    Vi har en intensjon om at Mappevisninger er med på å skape fremtidige samarbeid og utstillinger for våre medlemmer, vi vurderer også å kjøre en ny Mappevisning til høsten, da med tre andre gallerier. VISP dekker reise og opphold for galleristene, men har ingen påvirkning på hvilke kunstnere som velges ut og hvordan et evt videre samarbeid mellom kunstner og gallerist vil utfolde seg.

    (Her kan du få tips til hvordan du skal presentere egen mappe)

    OPEN CALL: Portfolio presentations, Bergen
    VISP hereby invites its Bergen- and Vestland-based members to a portfolio presentation with the three Oslo galleries Isca, Melk and QB.

    The portfolio presentation will be held on Saturday 19 March at Hotel Grand Terminus from 10 am to 4 pm, there is room for 12 artists in total.

    IMPORTANT:
    -You only need to fill in this form with your email address, link to your website and CV by March 1. If necessary, you can be asked to send images of recent works.
    -When the deadline has passed, the information is forwarded to the galleries, they will choose who they want to meet.
    -VISP sets up the schedule for March 19 and will contact the artists that the galleries select. If you are among the selected, you will be notified at least 1 week before the meeting.
    -All types of artistic expression are welcome.
    -You will get fifteen minutes to present your own art, you choose what you want to focus on.
    -You can choose whether you want to present a physical or digital folder, projector will be available.

    NB: You must be registered as a member of VISP at the time you submit the application. If you are not a member of VISP, your application will not be processed, check here to see if you are registered as a member.
    We have an intention that Portfolio presentations helps to create future collaborations and exhibitions for our members, we are also considering running a second Portfolio presentations this autumn, with three other galleries.

    (Here´s some advice on how to present your portfolio)

    Bergen: Søknadshjelpen med Erik Friis Reitan

    Dato: Mandag 28. februar
    Tid: 12-14
    Sted: Hordaland kunstsenter

    Velkommen til søknadskurs i kafeen på Hordaland kunstsenter!

    På dette kurset vil Erik gå gjennom noen grunnleggende tips til hvordan skrive søknader om prosjektstøtte og utstillingsplass. Hvordan organisere bildemateriale, hvordan beskrive prosjektet på en måte som øker sjansene for å få tilslag, og hvilke ulike støtteordninger som finnes, lokalt og nasjonalt.
    Kurset fokuserer hovedsakelig på norske ordninger. Noe av informasjonen kan være nyttig i forbindelse med søknad til arbeidsstipend (statens kunstnerstipend), men for å holde det oversiktlig blir det ikke fokus på denne typen stipender i dette kurset, det tar vi heller et eget kurs på når fristen i oktober nærmer seg.

    Kursholder Erik Friis Reitan (f.1979) er billedkunstner og for tiden doktorgrads-stipendiat ved Kunstakademiet i Bergen. Han har bakgrunn fra en mengde styrer og faglige utvalg/juryer, og har tidligere sittet i styret for Norske Billedkunstnere.

    Kurset er gratis og er et samarbeid mellom VISP og Hordaland kunstsenter.

    PS: Hvis du er bortreist grunnet vinterferie så kan du heller se Eriks webinar torsdag 24.2: https://visp.no/webinar-24-februar-soknadshjelpen/

    17.2: Webinar om Oslo kommunes støtteordninger

    Dato: 17. februar
    Tid: kl 10-11.30
    Sted: Zoom – MELD DEG PÅ HER

    VISP og BOA inviterer til webinar om Oslo kommunes tilskuddsordninger for det visuelle feltet. Geir Rege og Ingrid Fuglerud Danbolt vil informere om eksisterende ordninger, stipend og søknadsfrister, samt gi gode tips til søknaden. Webinaret avholdes på zoom og deltagerne kan stille spørsmål underveis. Man kan også følge webinaret på vår Youtube-kanal, se opptak av samtalen her.

    Geir Nikolai Rege har jobbet i Kulturetaten i Oslo kommune siden 2018 og har blant annet ansvaret for kunstnerstipendene og driftsstøtte til kunst- og kulturinstitusjonene i Oslo. Han er utdannet ved Griegakademiet og UiB, og har tidligere jobbet i Kulturdepartementet, Kulturrådet, byrådsavdelingen i Bergen kommune, Bergen Nasjonale Opera og BIT20 Ensemble.

    Ingrid F. Danbolt har jobbet i Kulturetaten siden 2018 og er utdannet kunsthistoriker fra UiO. Hun har tidligere jobbet på Nasjonalmuseet, Høstutstillingen, Den kulturelle skolesekken i Akershus og Museumsforbundet. I Kulturetaten har Danbolt ansvar for tilskuddsordningene Kunst og kultur i barnehager, Den kulturelle spaserstokken, Kulturhusmidler samt fagansvar visuell kunst og kulturarv på ulike ordninger.

    Samtalen modereres av Arild Våge Berge, prosjektkoordinator ved Oslokontoret til VISP.

    Webinar 24. februar: Søknadshjelpen!

    Dato: 24. februar
    Tid: 12-14
    Sted: Zoom – meld deg på her

    Sliter du med å finne ordene når du skal søke om prosjektstøtte? Hvordan søke på en utstillingsplass når du ikke vet hva du skal vise? Og hva i alle dager skal man ha med i budsjettet?

    I dette kurset går vi gjennom noen grunnleggende tips til hvordan skrive søknader om prosjektstøtte og utstillingsplass. Hvordan organisere bildemateriale, hvordan beskrive prosjektet på en måte som øker sjansene for å få tilslag, og hvilke ulike støtteordninger som finnes, lokalt og nasjonalt.
    Kurset fokuserer hovedsakelig på norske ordninger. Noe av informasjonen kan være nyttig i forbindelse med søknad til arbeidsstipend (statens kunstnerstipend), men for å
    holde det oversiktlig blir det ikke fokus på denne typen stipender i dette kurset, det tar vi heller et eget kurs på når fristen i oktober nærmer seg.

    Kurset vil også sendes live på VISPs egen Youtube-kanal, der kan du også se opptak av webinaret i ettertid.

    Kursholder Erik Friis Reitan (f.1979) er billedkunstner og for tiden doktorgrads-stipendiat ved Kunstakademiet i Bergen. Han har bakgrunn fra en mengde styrer og faglige utvalg/juryer, og har tidligere sittet i styret for Norske Billedkunstnere.

    Kebreab Demeke

    What is your expression?
    I work in a variety of mediums: painting, printmaking, digital collage, performance, and installation.

    What inspires you?
    My inspirations and research evolve around the idea of Changes in cultural and political life, as well as history, identity, and collective memory

    How would you describe your art?
    My works aims to narrate collective memory and transcribe existent and forgotten knowledge across time. Growing up in Ethiopia, I witnessed shifts in national identity, social life, as well as conflicts within. Imported political ideologies, plus cultural and economic pressures, have influenced these shifts over time. The alterations may be traced back to 1896, following the Battle of Adwa. The devastation at the Battle of Adwa prompted Ethiopia to rapidly modernise its society in order to protect itself from another war. As of now, the project has not yet been achieved enough, failed, or is still in the making!? As a visual artist coming from Ethiopia, I’m fascinated by the process and transformations that have transpired since 1900, or what is known as Modern Ethiopia.

    My artworks highlight historical archives as well as personal experiences, notably in the areas of education, ethnic identity, and gender roles. My artistic approach places a strong emphasis on identifying and contrasting traditional Ethiopian values, knowledge and thinking with modern values, knowledge and thinking. I incorporate old and new techniques and materials in my artworks to relate to the subject I am dealing. Painting, digital collage, printmaking, hand drawing, machine drawing, and laser cutting are some of the techniques mostly use in my work. In my work visual contrast and the creative process are also important components to the end product. Brighter colors, sharp lines, symbols, and historical images are usually used in my composition. My works are demonstrated on different materials like canvas, cardboards, and papers.

    Why did you end up living in Oslo?
    I think it is fate that I ended up where I live today. I never saw myself living in Norway until I was admitted into the KHIO master’s program in 2014. Since then, I’ve had various personal and professional reasons to create a studio in Oslo, Norway, and work from there. The most important reason is that working conditions for visual artists are far better than in Ethiopia, where I came from. I am grateful for the opportunity that the system provides for culture practitioners. Despite the fact that I have myself only received very little funding, it warms my heart to see the artistic community getting the attention it deserves and hoping that it will improve for the better. Another crucial factor to consider living and working from Oslo is the stunning nature and the most peaceful society of Norway.

    What do you like about the artscene and the town?
    I appreciate how variety of institutional frameworks are organized for artists to across and evolve through. This includes the grant schemes, the exhibition, educational and working space accessibilities both, national and regional levels. Furthermore, as an Oslo habitant, I appreciate the support scheme for project expenses and subsidized working space by Oslo commune.

    What could be better in the local artscene?
    The studio space I have compared to my desire and the size of my project is incomparable. I wish to get affordable and moderate size studio space     to accommodate all workshops and materials I use for my artworks.
    In the local art scene, diversity should be encouraged, and the system should be more inclusive. That way, I believe there will be a chance for artists like myself to access grants to enable us to perform to the best of our capacity. This will also improve to enable artists like myself give public presentations and exhibitions locally and internationally.

    What are you currently working on?
    At the moment, I’m working on two projects: Marxist modern and Abro menor. Marxist modern examine the 1960s Ethiopian Student Movement. The research project examines how imported ideas, notably radical left ideology, alter Ethiopian society’s cultural and political behavior, particularly on interethnic relations. The other project Abro-menor, is an Amharic term that translates to «living together. The project’s purpose is to develop an artist-run mediation platform. It would also attempt to provide a space for constructive discussions and collective reasoning on Ethiopia’s present socio-political issues.

    What are your ambitions and plans for the future?
    In the future, I intend to hold an exhibition and presentation of my completed works on different venues. Also, I have an ambition is to learn and work on additional skill of medium such as video to maximize the ability of expression within my own projects.

    Who of your colleagues deserves more attention? 
    Robel Temesgen (b. 1987, Ethiopia) is currently a Ph.D. fellow at Oslo National Academy of The Arts. He lives and works between Addis Ababa and Oslo

     

     

     

    26.1: Nettmøte om Bergen kommune og Vestland fylkes støtteordninger

    Onsdag 26. januar kl 10:00:

    (English below)

    VISP inviterer til informasjonsmøte om Bergen kommune og Vestland fylkes tilskuddsordninger for det visuelle feltet. Synnøve Marie Vik, rådgiver ved fagavdeling for kunst- og kulturutvikling i Bergen kommune,  og Tone Stedal Haugland, seniorrådgiver – kunst- og kulturutvikling / kultur, idrett og inkludering i Vestland fylke, informerer om eksisterende ordninger og eventuelle endringer i disse.

    Har du spørsmål eller ting du ønsker at Synnøve eller Tone skal snakke om på møtet kan du gjerne melde dette inn på forkant: aslak@visp.no.

    Det blir mulig å stille spørsmål underveis, webinaret kan også oppleves på vår Youtube-kanal, både direkte og i ettertid.

    MELD DEG PÅ HER

    ENGLISH
    This online meeting about the various grants and stipends for visual arts available through the City of Bergen/Vestland county will be held in Norwegian, but you are free to ask your questions in English. You may also forward them in advance to aslak@visp.no – press the link to sign up!

     

    Vestland fylkes presentasjon VISP26.01.22_vfk

    Bergen kommunes presentasjon Søknadskurs visuell kunst 2022 26.januar

    Bergen: SLIPPFEST FOR DET VISUELLE FELTET

    PÅMELDING/REGISTRATION

    (English below)
    NB: På grunn av gjeldende smittevernrestriksjoner blir det svært begrenset kapasitet på arrangementet. Plassereservasjoner slippes på Ticketco tirsdag 18.01 kl 12:00. Arrangementet livestreames for de som ikke får anledning til å delta fysisk – se Slippfest her!

    Er du interessert i å vite hva som stilles ut i Bergen det neste halve året? Torsdag 20. januar arrangerer vi tidenes første Slippfest for det visuelle feltet i Bergen på Landmark, Bergen Kunsthall. Vi har invitert bergenske visningsrom og gallerier til å presentere utstillingsprogrammet for det neste halvåret.
    Vi håper at dette blir en fast sosial møteplass to ganger i året der publikum får møte gallerister, publikum og presse. Vi ønsker at dette gjør det lettere for et kunstinteressert publikum og hele feltet å få oversikt hva som stilles ut i Bergen.
    Presentasjonene starter 20:00
    Slippfest for det visuelle feltet er en samproduksjon mellom VISP, Bergen Kunsthall, B-Open og Utstillingsguide for Bergen.
    Ta vare på deg selv og andre! Ikke møt opp dersom du føler deg uvel eller har symptomer på luftveisinfeksjon. For å hindre smittespredning minner vi alle om 1-metersregelen og god håndhygiene. Bruk munnbind når det ikke er mulig å holde avstand. Alle gjester ved arrangementer må registrere seg ved å oppgi navn og telefonnummer i dør ved oppmøte. All kontaktinformasjon vil bli slettet etter 14 dager.
    English:
    SLIPPFEST FOR THE LOCAL ART SCENE
    What can you experience in the Bergen galleries until summer? On Thursday 20 January at Landmark, we are arranging the first ever «Slippfest» for the visual arts scene in Bergen. We have invited Bergen´s galleries and spaces to present their upcoming exhibition program for the next six months.
    We hope this will be a regular social meeting place twice a year where the public gets to meet galleries/spaces, the public and the press. We aspire that this event makes it easier for the entire art scene, and not least an art-interested audience, to get an overview of what is on display in Bergen. The presentations start at 20:00.
    Slippfest is a co-production between VISP, Bergen Kunsthall, B-Open and Utstillingsguide for Bergen.
    Due to current restrictions, the event will have a very limited capacity. Link for reserving spots will be released Tuesday 18.01 at 12:00. The event will be livestreamed here for those unable to attend in person.
    Take care of yourself and your fellow visitors! Do not attend if you feel unwell or have symptoms of respiratory infection. To prevent the spread of infection we remind everyone of the 1-meter rule and good hand hygiene. Use a face mask when you are unable to keep distance. All guests to events are required to register contact details at the door. All contact information will be deleted after 14 days

    (foto: Installation view, Sandra Mujinga, SONW – Shadow of New Worlds, Bergen Kunsthall, 2019. Photo: Thor Brødreskift / Bergen Kunsthall.)

    OPEN CALL: ARBEIDSOPPHOLD PÅ BEK

    BEK skriver:

    Våre studioer og prosjektrom er åpne for arbeidsopphold på BEK. Om du er i gang med et prosjekt som krever arbeid med lyd, bevegelige bilder eller elektronikk, er du velkommen til å søke om 2-4 ukers arbeidsopphold. Neste søknadsfrist: 15. januar 2022.

    Vi inviterer profesjonelle kunstnere til å søke, og prioriterer prosjekter som tar i bruk teknologi på utforskende vis og/eller undersøker forholdet mellom teknologi, kunst og samfunn. Vi tilbyr gratis bruk av studioer med tilhørende utstyr der forutsetningen er at kunstnerne jobber selvstendig. Etter nærmere avtale kan vi gi veiledning for ditt prosjekt mens du jobber hos oss.

    Merk at vi kun tilbyr våre fasiliteter og ressurser, og at vi ikke dekker kostnader til reise, opphold eller prosjekt.

    Send oss en søknad til bek@bek.no med følgende:

    – en kort prosjektbeskrivelse (300 ord)
    – CV
    – ønsket studio/prosjektrom
    – ønsket tidsperiode

    For opphold i perioden 15.02.2022–30.06.2022, er søknadsfristen 15. januar 2022
    les mer her

    Linn Rebekka Åmo

    Hva jobber du med?
    Mine verk består i hovedsak av tekstil, håndapplikerte tekstile arbeider i store og små formater.

    Hva inspirerer deg?
    Jeg lar meg inspirere av hendelser og mennesker jeg møter i hverdagen, kulturarv, historie, naturens skapninger og former.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Arbeidenes tematikk kretser rundt oppdagelser, fragmenter av natur, tid og miljø.
    I arbeidet med mine tekstile collager setter jeg sammen frittstående elementer av farge, form og materialer til gjennomarbeidede komposisjoner med maleriske kvaliteter.
    Jeg arbeider kontinuerlig med å samle materialer som kan ha små historiske referanser og erfaringer. Kontraster er viktige i mine arbeider, jeg er opptatt av forholdet mellom det virkelighetsnære og elementene i mine abstrakte arbeider (form, farge, struktur, tekstur) kontrasten mellom det flate, konstruerte og det tredimensjonale, rommet. Imellom en myk materialbruk og en tematikk som omhandler planter, menneskenes likhet til vekster i naturen, sjøens skapninger og miljø finner jeg mye interessant arbeidsmateriale.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Nærheten til naturen er hovedårsaken til at jeg bor her. Disse årene hvor jeg har bodd i Bodø, har jeg reist mye i inn- og utland og har sett mange utstillinger på turene. Jeg er opptatt av å holde meg oppdatert innen kunsten både på det yrkesmessige- og personlige plan. Ved å bo her er jeg helt avhengig av å kunne reise og på være på residency for å utvikle meg som kunstner og holde meg oppdatert på det som skjer.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Bodø har et stort potensial for utvikling og tilrettelegging for kunstnere. Jeg har et håp for at dette skal kunne skje i forbindelse med at byen skal bli kulturhovedstad i 2024. Det beste med Bodø er naturen hvor jeg tilbringer mye tid.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Jeg savner kolleger, atelierfelleskap og verksteder hvor man kan leie seg inn. Et kunstmuseum står også høyt på lista.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg er for tiden på et opphold ved Leveld Kunstnartun i Ål, her har jeg stor plass til å kunne jobbe med nye tekstile arbeider i store formater.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg vil først og fremst fordype meg i egne prosjekter og utvikle disse videre. Håper selvfølgelig på et stipend som gjør at jeg kan bruke det meste av tiden min til kunsten.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Jeg synes Hilde Frantzen lager mye bra. Hun jobber med tekstil, natur og landskap på en måte som fascinerer meg.

     

    OPEN CALL: S12 i Bergen

    Bli med å markere Glassets År!

    I anledning FNs internasjonale glass år i 2022 ønsker S12 å sette søkelyset på norsk glasskunst, gjennom en egen gruppeutstilling for kunstnere som arbeider med glass. Utstillingen kurateres av Mika Drozdowska (PL). 1-2 av kunstnerne som velges ut inviteres til et gjestekunstneropphold i S12 Galleri og Verksted, hvor de får anledning til å eksperimentere i verkstedet, og eventuelt skape nye arbeider til utstillingen, med assistanse fra vår verkstedmester.

    Utstillingen skal først vises på S12 i Bergen med åpning i mai 2022, før deler av den reiser videre til Slovakias glass museum i byen Lednické Rovne i april 2023.

    Hva er S12?
    S12 er et ressurssenter som spesialiserer seg på arbeid med glass innen kunst og design.Verkstedet er velutstyrt og drives av et kvalifisert personale, som ønsker kunstnere og designere fra hele verden velkommen. Artist in Residence-programmet er spesielt rettet mot kunstnere som liker å eksperimentere, utfordre grenser og jobbe med glass i kombinasjon med andre materialer. Galleriet viser utstillinger av såvel norske som internasjonale kunstnere og designere. www.s12.no

    Hvem kan søke?
    Kunstnere som bruker glass, alene eller i kombinasjon med andre materialer/uttrykk, i sitt kunstneriske virke. Alle kunstnere med sitt virke i Norge kan søke, samt norske kunstnere i utlandet.

    Det søkes med ett til tre arbeider hvor glass er brukt som en del av uttrykket.

    Send inn dine forslag i en samlet PDF til proposal@s12.no og inkluder bilder av arbeidene, samt informasjon om størrelse, materiale og produksjonsår.
    I tilfelle arbeidene er under bearbeidelse kan skisse/prosjektbeskrivelse legges ved.
    CV
    Lenke til nettside/portefølje
    Informer om du ønsker å bli vurdert for gjestekunstneropphold

    Innsending og søknadsfrist:
    Send til S12 Galleri og Verksted: proposal@s12.no

    Søknadsfrist: 31. januar 2022

    Antatt tidsperiode for svar: medio februar 2022

    Gjestekunstneropphold: april/mai 2022

    Utstillingsåpning i S12: 20. mai 2022

    Utstillingsåpning i Slovakia medio april 2023

    Utstillingens kurator: Mika Drozdowska fra SIC galleriet i Wroclaw som tilhører BWA Wroclaw Galleries of Contemporary Art.

    Jury:

    Mika Drozdowska (pl)

    Anett Haukås (no)

    Æsa Björk (no/is)

    S12 vil dekke kostnader knyttet til gjestekunstner-opphold, og vil søke støtte til å kunne dekke utstillingens kostnader inkludert frakt.

    Deltakende kunstnere oppmuntres også til å søke støtte til å dekke egne kostnader knyttet til deltakelse, inkludert frakt.

    Har du spørsmål?:
    Ta kontakt med Bergljot Jonsdottir, bj@s12.no

    For medlemmar: Rabattavtale hos TORSO Vulkan i Oslo

    VISP kan no tilby 10% rabatt på ordinære varer hos TORSO Vulkan i Oslo for alle våre medlemmar! TORSO kunstartiklar er Norges leiande samanslutning av butikkar som sel kunstmateriell og utstyr til alle som jobbar med teikning, maling og anna.
    Er du ikkje VISP medlem enno? No har du enno ein grunn til å melde deg inn. Det er heilt gratis, og du får tilgang til våre ressursar, som kurs, seminar, medlemsdatabasen o.l. – meld deg inn her!

    For medlemmer: Rabattavtale hos Oslo Foto

    Som ein del av VISP si nye satsing i Oslo har me no etablert 10% rabatt på filmframkalling og mørkeromsmateriell hos Oslo Foto for alle våre medlemmar. Oslo Foto er ein tradisjonell fotobutikk sentralt i Møllergata i Oslo. Med ivrige fotoentusiastar bak disken tilbyr dei digitale og analoge fototenester, samt eit stort utval av utstyr og materiell til innramming, mørkeromsarbeid m.m.
    Er du ikkje medlem enno? Då har du enno ein grunn til å melde deg inn. Det er heilt gratis, og du får tilgang til våre ressursar, som kurs, seminar, medlemsdatabasen o.l. – meld deg inn her.

    Per Kristian Nygård

    Hva jobber du med?
    Jeg jobber med å underholde meg selv!
    Det kan ta ulike former, men oftest er det som skulptur/ installasjon eller arkitektur og grafikk.

    Hva inspirerer deg?

    Det er litt vanskelig det der, og det er sjeldent jeg blir inspirert av kunst egentlig. Hvis jeg blir inspirert av kunst er det oftest av større retrospektive utstillinger, slik en kan se dem på større institusjoner i Europa, London og New York.
    Jeg blir kanskje oftere inspirert av mennesker som satser alt og gir alt for å få realisert sine ideer og drømmer. Jeg liker folk som er litt ekstreme, og som tar ting til sin fulle konsekvens liksom.

    Jeg synes det er veldig spennende å lese biografier, men det er kanskje også et tegn på at man har bikket over i kategorien middelaldrende (hvit heteroseksuell mann)?
    Min favorittbok er Aku Aku, der Thor Heyerdahl skildrer den første ekspedisjonen på påskeøya. Når innbyggerne på Påskeøya forstod hva mr Kon Tiki lette etter begynte de å produsere steinskulpturer som de gnidde inn med skitt for at de skulle se gamle ut, og ville bytte dem mot sigaretter. Fantastisk fortelling selv om jeg innser at jeg høres litt gubbete ut nå…

    Så det behøver egentlig ikke å ha så mye med kunst å gjøre…Etter å ha bodd på Svartlamon i over ti år, og vært med på allmøter så lange og kaotiske at de er vanskelige å gjengi på en troverdig måte, så blir jeg imponert over de som klarer å forhandle mellom parter i en konflikt. Jeg er også ganske interessert i økonomiske teori, selv om mye av det nyliberale fjaset er ren humbug, og jeg ofte ikke forstår så mye, så synes jeg det er interessant hvordan man syr sammen en fortelling rundt det, en som skal styrke det og gi det troverdighet. Jeg tror det er en slags parallell til samtidskunsten der, det er ofte ganske abstrakt… Ofte må jeg ringe til min bror som er revisor for å få forklart hvordan det henger sammen. Subprime lån eller derivater for eksempel?

    Jeg er egentlig ikke så interessert i filosofi, men jeg liker den bergenske filosofen Arild Haaland. Jeg tror det var det han hette, han var interessant, han renoverte hus og han plukket søppel til og fra jobb. Han sa at for å gjøre verden til et bedre sted må man plukke litt søppel etter andre, jeg synes det er friskt og inspirerende når man omsetter filosofi til en praksis! Egentlig bare da! Arne Ness også, når han levde vertikalt en periode! Sånt har jeg veldig sansen for! Han forstod virkelig hvor viktig det var med motstand og at man kan finne den motstanden i seg selv på en måte… og han forstod hvor kjedelig det friksjonsløse er…

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg tror jeg er ganske sprikende som kunstner, uten at jeg tenker at det er en negativ ting… For meg er det en slags frihet i det. Men det kan kanskje oppsummeres med hvordan ideologiene og dets systemer speiles i kulturelle uttrykk.
    Ofte pleier jeg å si at det handler om arkitektur og ideologi, om idé og form. Jeg er veldig interessert i hvordan ideologier påvirker og former samfunnet, og hvordan vi agerer som mennesker i det, altså hvordan vi ser handlingsrommet vårt.

    Jeg er også aktivist og jobber for å fremme en alternativ boligpolitikk. Særlig viktig er det å fremme tanken om at det må være mulig å ha et trygt og meningsfylt og noenlunde forutsigbart liv selv om en ikke eier den boligen en bor i. Nå bor vi i et hus Line og jeg har bygget selv, og leier av Svartlamoen boligstiftelse. I Eksperimentboligprosjektet har fem familier bygget sine egne hus, fem hus for til sammen tre millioner kroner. For å få til det måtte vi gjenbruke mye materialer, dører og vinduer, men vi fikk utforme det slik vi ville. Det handler egentlig om retten til å bo trygt, om retten til å påvirke hverdagen og omgivelsene. Og at dette ikke skal handle om økonomisk eierskap!

    Ellers så er vel kunsten min litt preget av at jeg er tidsoptimist og selv om jeg etter hvert er blitt ganske god på å planlegge så preges det vel av at jeg ikke alltid ser omfanget av ideene mine, og hvor mye jobb det faktisk er. Heldigvis har jeg min samboer Line Anda Dalmar å sparre med, hun kommer med uvurderlig korreks, og er mye bedre en meg til å vurdere hva man skal takke ja til og ikke, og se det jeg aldri klarer: hva som er realistisk å gjennomføre innenfor vår felles tidsplan. Nå sist dro jeg rett fra fødestuen til galleri Dropsfabrikken for å montere 12-timers arbeidsdager og det var jo ikke helt optimalt…. Line pleier å si at jeg kommer hjem som en tom potetsekk.

    Det vel er et par- tre parallelle spor som jeg jobber med, de grønne installasjonene, arkitektoniske skulpturer eller installasjoner og grafikk /grafiske uttrykk.. For meg er alle like viktige, og det er liksom litt variasjon for meg i det spennet der, selv om jeg føler meg ferdig med visse typer arbeider, eller at det er liksom ikke mer å gjøre med f eks panel.

    De grønne installasjonene følger liksom en egen logikk: større eller enda større… og om en mulighet åpner seg så kanskje jeg tar den hvis den er interessant. Men oftest takker jeg nei. Vi var på vei å lage en større, grønn installasjon i Seoul i Sør-Korea (rundt 500 m2 stor) og var i gang med å utvikle tekniske løsninger og tester, finne ut av kostnadsnivået der og liknende, men så kom koronaen og utstillingsstedet bukket under…

    Til den siste utstillingen på Dropsfabrikken i Trondheim lagde jeg en nedskalert versjon av mitt barndomshjem, et hus med forbilder i Block Watnes ferdighus. Utstillingen het Tilpasning/Nye gardiner og bestod av en stor arkitekturmodell som var en nedskalert versjon av mitt barndomshjem i skala 1:3 og en serie tresnitt på papir og tekstil der motivene var hentet fra Block Watnes kataloger fra samme tid. Her måtte vi lage både takstein, dører, vinduer og kledning osv. – vi lagde over to tusen takstein for hånd.
    Jeg har alltid vært fascinert av denne arkitekturen: Ikke bare fordi den er så lite ansett, den er et direkte resultat av norske politikken og ideologien der Husbanken la mange føringer for størrelse og antall rom,men det er mer komplekst enn som så, en kan se både referanser til den internasjonale funksjonalismen og til den norske byggeskikken. De inntrukne verandaene er inspirert av de norske staburenes svalganger for eksempel, mens vindusrekkene har sine forbilder i funksjonalismen. Det finnes også eksempler på at det kombineres med forbilder fra amerikansk forstadsarkitektur, som med valmtakene og de uttrekte pipene. I ferdighusene kulminerer alt dette i et episk kompromiss. Jeg er veldig fascinert av det – kompromisser er veldig interessante.

    Før jeg begynte på kunstskole studerte jeg kunsthistorie / moderne arkitekturhistorie og det gav meg denne uvanen å lese arkitekturen, som et idéhistorisk eller ideologisk bilde. Det er fascinerende å lese arkitekturen og særlig spor av levd liv i arkitektur.

    På Vigelandsmuseet tok det en litt annen retning, og det er jo blant de heftigste utstillingsrommene i Norge, det var en utstilling som jeg jobbet ganske lenge med, jeg hadde en lang tenke- og skissefase, og skisset mye og leste mye om Vigeland. Jeg ble fascinert av hvor ulike vilkår vi hadde for å lage kunst, Vigeland og jeg. I Vigelands tid var materialene dyre og arbeidskraften rimelig, nå er materialene rimelige og arbeidskraften dyr, og dette ble premisset for utstillingen som hette formenes økonomi, der jeg jobbet med monumentalitet og materialitet. Jeg bestemte meg for at jeg skulle lage alle arbeidene i lettklinkerblokker, det som ofte kalles lecablokker; de er rimelige og enkle å jobbe med.

    Et av arbeidene, formenes økonomi # 3 er en triumfbue i leca der selve åpningen er så liten at man må krabbe gjennom den. Her lagde jeg også et arbeide utenfor museet, med potteplanter, der vi plantet 49 tujaer i et rutemønster og beskjærte dem med et kapp – også dette et ganske så økonomisk arbeide… Herfra kom også ideen til Utviklingsland – en midlertidig park som vi lagde i høst på Nyhavna i Trondheim – her plantet vi 140 tujaer i et rutemønster, der annenhver rad var forskjøvet slik at det hele tiden danner seg nye linjer når man beveger seg forbi parken. Jeg liker å jobbe med offentligheten som ramme – og særlig å tilføre den elementer som ikke er så lette å lese – eller kanskje ikke er så logiske. Det er interessant å jobbe med offentligheten uten å slavisk følge offentlighetens logikk liksom. Offentligheten er alltid programmert for å skulle være tydelig og lettlest og jeg tror det finnes en slags poesi i å bryte med dette.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Samtidig som jeg begynte på Konsthøgskolan i Malmø fikk jeg en sønn i Trondheim, og etter å ha pendlet mellom Trondheim og Malmø under hele utdanningen, ofte 2 ganger i måneden, med Säfflebussen til Oslo og toget videre til Trondheim, det som den gangen hette NSB, så resignerte jeg og bosatte meg her. Jeg orket ikke å reise mere – jeg pleier å tenke at det var Trondheim som valgte meg og ikke omvendt…

    På denne tiden var det en helt utenkelig ting å gjøre, kollegaer og medstudenter fikk liksom rare rykninger i fjeset når jeg fortalte at jeg skulle flytte tilbake til Trondheim. De så på meg med medynk i blikket liksom.. Jeg husker til og med at en som tidligere hadde vært direktør for Trondheim kunstmuseum på 80 tallet sa det til meg, her gikk det ikke an å bo!
    Men I 2010 var det relativt lett å få seg et godt atelier i Trondheim, så jeg tok de mulighetene og brukte dem til min fordel, jeg bodde billig på Svartlamon og derfor kunne jeg satse alt og legge alle ressursene i kunstprosjektene mine. Og jeg satset alt inn i prosjektene mine, jeg var livredd for å bli absorbert av den regionale middelmådigheten…. Jeg er fortsatt redd for det…Og det er mange måter å overleve på, men man må virkelig passe seg for den regionale middelmådigheten. Det er lett å bli absorbert i den,og det skyldes nok til dels at et lite miljø ikke har nok plass for en kritisk diskusjon eller og at man ikke har godt nok rom for eller tradisjon for profesjonell uenighet. Vi merket dette godt når vi startet nettmagasinet med det da noe ironiske navnet ArtSceneTrondheim i 2009. Det var mer regelen enn unntaket på den tiden at jeg ble skjelt ut når jeg var ute på byen. I dag lever nettmagasinet ArtScene videre uten meg og det er jeg også glad for!

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    I Trondheim kan du bli Trønderkunstner? Men fra spøk til alvor, Trondheim er ingen by, men en stor bygd, det løsnet litt for meg når jeg skjønte det…Trondheim på slutten av 2000-tallet var preget av at alle dro herfra etter kunstakademiet og ingen flyttet til. Det var virkelig et deprimerende sted på den måten, man hadde nesten ingen jevngamle kollegaer, det beste nå er at dette har snudd. Det som er kjempegøy nå er at jeg har mistet oversikten, plutselig hører jeg om kunstnere i byen jeg ikke kjenner til eller at noen har laget et nytt atelierfellesskap med en liten gjeng et sted, så stort har kunstmiljøet blitt nå. Dette var jo helt utenkelig for bare få år siden…

    Det beste med Trondheim er kanskje at det finnes en del musikalske skatter her, som du bare kan oppleve her, bandkonstellasjoner som enten er for store til at de kan turnere eller for dysfunksjonelle til at de klarer å reise ut av byen. Her finnes det mange perler… På Eat the Rich festivalen på Svartlamon kan man høre en del av disse.

    Men Altså: Alt som er bra i Trondheim er der mer på tross av en på
    grunn av. For eksempel: mye av det som kjennetegner Trondheim som by i dag, særlig det du ser på postkortene (foruten middelalderkirken som stod ferdig 1983) har vært planlagt revet og ødelagt, småhusbebyggelsen på Bakklandet eller Møllenberg som har nordeuropeiske største sammenhengende trehusbebyggelse fra denne tiden, bryggene langs elva skulle rives til fordel for mangefelts motorvei og parkeringshus med plass til 37000 biler, Svartlamon skulle rives til fordel for bilforretninger, osv, og alt dette har blitt bevart av engasjerte innbyggerne som har skapt entusiasme om det. Politikerne har forsøkt å ødelegge byen på mange måter opp gjennom årene. Det politiske klimaet er til stor grad preget av middelmådighet og dumme visjoner.
    Men når det blir for dumt så skaper det er veldig engasjement og det er det som har bevart mye av Trondheim slik vi kjenner det idag. Det har fremfor alt bevart mye arkitektur og bymiljø med historisk bakteppe.

    Nå skal de for eksempel lage en ny hoppbakke til over en milliard for eksempel. Sporten får alle pengene …Trondheim er en middelmådig by på mange måter, men der er helt ok, man må bare ikke la seg absorbere i det middelmådige, det er som jeg var inne på tidligere….

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Vi er få her, særlig av min generasjon som er aktive og utøvende kunstnere, det faglige nettverket her er derfor litt lite. Jeg var den eneste som etablerte meg i Trondheim det året jeg gikk ut av akademiet. Jeg skulle ønske der var flere såkalte mid-career kunstnere, og egentlig et mer ambisiøst kunstmiljø. Det er dessverre mye amatørmessig rai-rai også i det såkalte profesjonelle segmentet i Trondheim, ja og det er mye dritt og sjalusi, og siden vi lever i en stor bygd får det ta en del plass..

    Jeg savner en mer ambisiøs satsning på kunstfeltet, på selve infrastrukturen. Vi må sikre gode arbeidsplasser til kunstnere – uten det blir det ikke noe kunstliv. Jeg skulle ønske kunstfeltet ble tatt på alvor slik man tar sporten på alvor, ta kunsten på alvor på en mer ambisiøs måte. og se på det som et prestasjonsyrke. Og kanskje at kunstmiljøet også event å stille krav til seg selv…

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Nå jobber jeg sammen med min kollega og nabo Markus Lantto og min assistent, Eva Ballo, med to utsmykninger, og så har jeg noen uoffisielle greier jeg jobber mot, sånn på skissestadiet.
    Men det mest fantastiske nå er at jeg akkurat har fått en liten datter, Ingeborg, som jeg skal bruke en del tid på, hun er utrolig søt, jeg tror hun er den vakreste babyen jeg har sett, og jeg har sammenliknet litt med andre som legger ut bilder av babyene sine og Ingeborg er, helt objektivt sett, mye vakrere!
    I vår skal jeg ha permisjon noen måneder også, det gleder jeg meg til!

    Så jobber jeg med en ny bok, som blir en bok med skisser, prosessfoto og dagboknotater fra de siste ca 20 årene. Jeg synes det er veldig gøy å lage bøker, dette blir den tredje jeg lager. Jeg lærer så mye underveis, jeg har jobbet både med designere og designet selv, og designet sammen med Line og Markus, og det å finne riktig form på boken, layout og design osv, hva funker? Hva fungerer ikke? – det er kjempegøy! Og det er en nyttig prosess å lage sånne oppsummerende bøker. Det er liksom et steg tilbake å analysere litt hva man holder på med, ja det er ikke så mye å gjøre med sånne analyser men jeg tror det er viktig å bare gjøre dem. Jeg håper den skal bli ferdig i løpet av 2022, ellers så skal jeg bruke desember i atelier og skisse på nye arbeider, det gleder jeg meg veldig til, det er kanskje min favoritt del av arbeidet, å sitte der med fargeblyanter og leke meg…

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg har en drøm om få realisert noen av mine større og mer megalomane ideer. Jeg har en del ganske store installasjoner som jeg har lyst til å lage, men som jeg mangler plass til.
    Jeg, som så mange andre med meg, er på konstant leting etter dugende arbeidslokaler å jobbe i, der det går an å jobbe med litt større ting over tid, det er i alle fall drømmen. Å kunne ta helt av liksom, å slippe alle de begrensningene som den vanlige arbeidssituasjonen har, med høyden til taket, bredden på dørene, være redd for vannskader og så videre.

    Jeg har også lyst til å lage flere større utstillinger med flere større arbeider, slik jeg jobbet på Vigelandmuseet. Jeg er livredd for å lage sånne likegyldige utstillinger med et par småarbeider og en pinne oppetter veggen

    Jeg er og blitt mer interessert i offentligheten som rom, og har lyst til å gjøre flere midlertidige skulpturprosjekter i offentlige rom. Ikke som utsmykninger, men jeg tenker egeninitierte temporære installasjoner og skulpturer. Jeg tegner mye, eller egentlig er det skisser, og jeg liker veldig godt å sitte å pusle med tegninger og drømmer om å kunne sitte med tegneblokken over litt tid og kanskje få til en utstilling med tegninger en gang.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Da vil jeg trekke frem Cathrine Dahl og Ørjan Aas. De bruker ofte bare navnet Dahl og Aas, De er et kunstnerpar og duo som har jobbet sammen siden de gikk på kunstakademiet her i Trondheim. De er grafikere som har utviklet en fascinerende kompleks billedverden som har referanser til den illustrerte romanen, kunsthistorien, propagandaplakater, men også hverdagslivets trivialiteter. Jeg er så heldig å ha et stort tresnitt som jeg byttet til meg av dem på kjøkkenet hjemme. I dette bildet sitter det en forsamling i et møterom, hvor en lager skyggeteater foran en projektor, mens verden kollapser utenfor. Jeg tenker vel at det er en slags skildring av hvordan byråkratiet ofte oppleves.
    Jeg synes de har noe fritt og befriende over seg og en inspirerende tilnærming til billedkunsten. Det er små narrativer, både eklektiske, morsomme og presise. De bor på Hønefoss og gir liksom faen både i kunstverdenen og trender. Nå stiller de ut på Kunstbanken på Hamar og jeg håper vi får tid til å ta oss en tur dit nå i slutten av november eller tidlig i desember.

    AVLYST: Trondheim 8. januar: Kunsten å bli sett

    Kurs om kunst i sosiale medier (SoMe) og hvordan fange journalistenes interesse

    Dato: Lørdag 8. januar
    Tid: kl 12:00 – 15:30
    Sted: Gymsalen på Lademoen kunstnerverksteder, fysisk oppmøte
    For hvem: Kunstnere og små visningssteder
    Påmelding: Send e-post til kurs@lkv.no innen 22. desember for å melde deg på.
    Antall deltakere: Maks 30
    Kursholder: Unni Irmelin Kvam

    Er du kunstner eller arrangerer visninger av kunst? Da er du også kommunikatør! Påstanden kan føles drøy for mange, men faktum er at kunst trenger formidling for å nå et ønsket publikum.

    Vi drømmer om at kunst skal skape banebrytende overskrifter i mediene og at Instagramkontoen skal bugne over med dedikerte følgere. Kan man tenke på tre ting på en gang: Kunst, sosiale medier (SoMe) og presse?

    Dette kurset handler om hvordan du som kunstner eller visningssted enkelt og effektivt kan bygge og bruke en SoME-profil for å vise kunst og markedsføre det du brenner for.  Vi ser på hva som skal til for å gjøre pressen interessert i din kunst.

    Uten å kommunisere din kunst, er det ingen som aner hva som skjer i ditt atelier eller galleri. Hva kan du gjøre med det?

    Dette lærer man:

    • Mekanismer for effektiv kommunikasjon og markedsføring i sosiale mediekanaler, med hovedvekt på Instagram og Facebook.
    • Dialog: SoMe-kanalenes iboende vesen og kraft.
    • Hvordan bruke og bygge en god SoMe-profil.
    • Hvordan kan man jobbe for å få medieoppmerksomhet om kunsten.

    Kursholder: Kommunikatør, historiker, forfatter og podkaster Unni Irmelin Kvam har i en årrekke jobbet med kommunikasjon for ulike kulturinstitusjoner som KODE, Universitetet i Oslo, Naturhistorisk museum og Vigelandmuseet i Oslo. I 2021 ble Vigelandmuseets Instagramkonto utpekt som «One to Watch» av New York Times. Hun deler sine beste triks for å skape en SoMe-profil, hvordan gå i dialog med følgere og skape en tone som gjør at man fortsatt får oppmerksomhet om det som er viktigst i verden: Kunsten.

    Kurset er et samarbeid mellom VISP og Lademoen Kunstnerverksteder og er støttet av Trondheim kommune.

    3.-5. desember: Cone7 på CM7!

    VISP og B-open har invitert Cone7 til å ha popup-butikk i våre felles lokaler, CM7 i Christian Michelsens gate 7, fra fredag 3. desember til søndag 5. desember.

    På denne pop-up ́en vil Cone7 vise frem egen kunst fra kunstnerne Lorie Ballage, Eléonore Griveau and Marilinn Lund.

    Åpning fredag kl 18.00, lett servering.

    Åpningstider:
    Fredag 3. desember: 18-20
    Lørdag 4. desember: 12-16
    Søndag 5. desember 12-15

    Cone 7 er et keramisk senter basert i Bergen, drevet av de tre profesjonelle kunstnerne Lorie Ballage, Eléonore Griveau og Marilinn Lund. Cone 7 er åpent for kunstnere, designere og alle som er villige til å eksperimentere med leire, deres oppdrag er å utvikle et langsiktig keramisk miljø og å fremme keramikkens rolle innen kunst, design og håndverk.

    ENGLISH:
    VISP and B-open have invited Cone7 to have a pop-up shop in our shared space, CM7 in Christian Michelsens gate 7, from Friday 3 December to Sunday 5 December. 

    At this pop-up, Cone7 will showcase their own art from artists Lorie Ballage, Eléonore Griveau and Marilinn Lund. 

    Opening Friday at 6 p.m. 

    Opening hours: 

    Friday      3 December: 18-20
    Saturday 4 December: 12-16
    Sunday   5 December 12-15

    Cone 7 is a ceramic center based in Bergen, Norway and is run by three professional artists, Lorie Ballage, Eléonore Griveau and Marilinn Lund. Open to artists, designers, and anyone willing to experiment with clay, their mission is to develop a long term ceramic community and to promote its application in art, design and craft.

    On the drifts of a journey around the unfeasible, useless gestures and failures to come, the work of Lorie Ballage is a dedication to tragedy as a grand ideological narrative. Her works can be perceived as utopian errors aiming to represent the potentialities of failure – thrills which result from unfortunate events, loss of control and uncertainty, all the things that define us as individuals.

    Eleonore Griveau’s current research leads to the making of active objects undergoing an evolution conducting to self destruction. With accumulation of rough geometric forms, the ecological interactive and still installations reflect on the figure of human activities as the dominant influence on nowadays ecosystems.

    The works of Marilinn Lund depict animals in various forms and explore the space between these creatures and the observer. Craving the overwhelming power of nature, she investigates what an artist can create when nature seems impossible. By working back and forth between the lines of dulcet and dangerous, the making of beings becomes a method of understanding the world.

     

    Una Mathiesen Gjerde om «Jeg er mine billeder – mine billeder er mig»

    Debattene raste i kommentarfeltet etter at Åsa Linderborg publiserte en ytring på NRK hvor hun skriver at hun ikke lenger tør vise seg på TV. Hvorfor? Fordi hun har blitt eldre – hun skjemmes over rynkene i ansiktet og på halsen, over et stigende hårfeste. Modig å være så brutalt ærlig om egen forfengelighet, mener noen. Andre lot seg provosere og anklager Linderborg for å være direkte antifeministisk i sine utsagn: hvorfor forsterke den problematiske koblingen mellom kvinnelighet og skjønnhet? Har vi ikke kommet lenger enn det?

    Dagen før Linderborg publiserte sin kommentar sto jeg foran et speil på et hotellrom i Kristiansand. Klokken var cirka halv ni om morgenen. Jeg studerte ansiktet foran meg – det ene øyet som ikke vil åpne seg like mye som det andre, de små, men ikke desto mindre permanente rynkene som har satt spor av liv i pannen min. Jeg er bare i slutten av 20-årene – fortsatt ung. Men jeg er redd. Ikke redd for å bli gammel per se, men redd for at jeg en dag ikke lenger skal like mitt eget utseende; for å en dag føle som Linderborg.

    Utstillingen Jeg er mine billeder – mine billeder er mig samler verk fra den tysk-danske kunstneren Ursula Reuter Christiansens kunstnergjerning, fra 1960-tallet og frem til i dag. Her er primært malerier, men også skulptur og installasjon. Innerst i utstillingen, i en liten black box, vises også to filmer. Og den ene av disse klarer jeg ikke legge fra meg – selv om det har gått uker siden jeg besøkte utstillingen. Reuter Christiansen står foran et speil. Hun gransker ansiktet, løfter håret opp. Hun føler seg vakker. Hun er cirka 40 år. Brått kommer en yngre kvinner inn, hun er i slutten av tenårene – det vekker et utømmelig raseri i Reuter Christiansen. I løpet av filmen skjønner vi at den unge kvinnen skal forestille hennes egen datter. Videre gjennom filmen dras vi inn og ut av ulike absurde settinger og landskap. Reuter Christiansen fortsetter å spille moren – som vil beskytte datteren, samtidig som hun også drives av en vanvittig sjalusi. Hun ser datteren tre inn i voksenlivet, og med ett føler hun seg erstattet.

    Da jeg to dager senere leste Linderborgs kommentar, gikk scenene fra Reuter Christiansens film på repeat over netthinnen. Hvorfor er det så viktig for kvinner å være attraktive? Er tapet av erotisk kapital ensbetydende med tap av kvinnelighet? I boken Hetetokt drøfter Wenche Mühleisen egne erfaringer, men også faglige kilder, rundt overgangsalderen – noe vi ikke lærte noe om på skolen! Mühleisen skriver om klimakteriet som en todelt opplevelse: På den ene siden et tap av kvinnelighet, det å være ettertraktet, på den andre en nyvunnen frihet. Når hun ikke lenger selv blir betraktet, kan hun fritt stirre på hvem hun vil. Det ligger makt både i å se og å bli sett.

    (Una Mathiesen Gjerde er kunstredaktør i Subjekt, denne teksten er et resultat av hennes deltakelse i Kritikersamtaler på Kristiansand kunsthall 4. november)

    BERGEN: Barnas kulturhus søker kunstnere våren 2022

    Barnas kulturhus søker kunstnere til lørdagsverksted for barnefamilier, våren 2022.

    Lørdager tilbyr vi byens barnefamilier, med barn i alderen 0–12 år, et bredt kunst- og kulturprogram innen musikk, teater, dans, drama, film, arkitektur og visuell kunst. Etter forestilling kl. 13, tilbyr vi tre forskjellige verksteder fra kl. 13.45 til kl. 16.

    I den forbindelse søker vi nå verkstedsholdere i alle kunstsjangre. Verkstedene er tilrettelagt som «dropp inn-verksted» og skal i hovedsak tilpasses barn fra 3 år og oppover.

    Du kan holde inntil tre verksteder i løpet av våren 2022. Honorar er kr. 1.800,- per verksted inkludert forberedelser og rydding.

    Send en søknad med kort cv og forslag til prosjekt innen 15. november til Barnaskulturhus@bergen.kommune.no

    Ta også kontakt om du vil diskutere din idé og utforming av tilbudet.

    Les mer om Barnas kulturhus på:

    www.bergen.kommune.no/innbyggerhjelpen/kultur-idrett-og-fritid/kultur/kulturtilbud/barnas-kulturhus-for-barnefamilier

     

    TRONDHEIM 23.11: Regnskapskurs – gode rutiner for kunstnere

    Tirsdag 23.11 kl 19.00 på Lademoen kunstnerverksteder:
    Hvordan er det lurt å organisere regnskapet gjennom året? Hvordan er egentlig bokføringsreglene når man har mottatt et stipend? Er man fritatt all MVA-rapportering som kunstner?
    23. november holder VISP og Lademoen Kunstnerverksteder regnskapskurs som tar for seg fradragsrett, skatt, stipend- og momsregler, samt gode regnskapsrutiner for kunstnere. Kurset passer for både uetablerte og mer erfarne, og det blir også anledning til å stille spørsmål.
    Send gjerne inn spørsmål på forhånd til veronika@visp.no dersom det er noe konkret du ønsker at vi tar opp på kurset.
    Kursholder: Veronika Heilund, økonom og musiker.
    Kurset er et samarbeid mellom VISP og Lademoen kunstnerverksteder, og er støttet av Trondheim kommune.

    AVLYST – OSEANA 24.11: Kritikersamtale

    GRUNNET SYKDOM ER ARRANGEMENTET AVLYST, VI HÅPER Å SETTE DET OPP VED EN SENERE ANLEDNING!

    Oseana, onsdag 24. november kl 19:

    Velkommen til en ny kritikersamtale der vi diskuterer Jim Darbus utstilling «Funtrain to Nowhere», som vises på Oseana fra 6. november til 9. januar. Vi har invitert Bergens Tidendes faste kritiker, Renate Rivedal og kunstner Tom Kosmo til en samtale om utstillingen: «Dette er eit univers der underfundige historier utspelar seg, der merkelege skapningar regjerer, og skuggane lever sitt eige liv. Det er så innbydande, vi blir lokka nærare av dei reine, klare fargane, av leiken i forma og av det tilsynelatande enkle. Først idet vi har late oss forføra, innser vi at det finst eit alvor i leiken, at døden, også her, lurar bak neste sving.» (fra Oseana.no)

    Om panelet:
    Renate Rivedal er kunsthistoriker og kritiker i Bergens Tidende. Rivedal driv i dag sitt eige føretak Kunstforedrag i tillegg til jobben som rådgjevar ved Kulturetaten ved Bergen Kommune.

    Tom S. Kosmo er billedkunstner, basert i Bergen. Han arbeider over et vidt spekter av medium som tegning, grafikk, skulptur og maleri, og utforsker et surrealistisk figurativt formspråk der dyr og mennesker antar symbolske roller. Kosmo er også opptatt av DIY-kultur, håndverkstradisjoner og kunsthistorie.

    Om kunstneren:
    Jim Darbu er utdannet ved Kunsthøgskolen i Oslo, og arbeider med skulptur i keramikk og andre materialer. Arbeidene hans er blant annet innkjøpt av Nasjonalmuseet, Bergen Kunstmuseum og Oslo kommune.

    Opptak av samtalen vil publiseres i ettertid på vår Youtube-kanal.

    Samtalen støttes av Kulturrådet og er et samarbeid mellom VISP og Griegsamlingen.

    Ole Erik Løvold

    Hva jobber du med?
    Jeg jobber med fotografi i det berømte krysningspunktet mellom kunst og dokumentar.

    Hva inspirerer deg?
    Gode samtaler, tankevekkende tekster, lange sykkelturer og musikk. Jeg ble også ganske inspirert for et halvt års tid siden da fetteren min sendte meg en mappe med bilder han hadde funnet på loftet til sine foreldre. Dette var filmer som var etterlatt fra våre oldeforeldre. Bildene viste hverdagsliv, høytider og sorg slik det foregikk på hjemstedet mitt rundt århundreskiftet. Det var fascinerende fotografier som viste en helt annen virkelighet enn den jeg selv er kjent med fra samme sted hundre år etterpå. Det var spesielt ett bilde i den mappa som stadig hjemsøker meg, av familien i finstasen samlet i stua rundt en åpen kiste liggende på gulvet. Det er et helt utrolig bilde som får det til å gå kaldt nedover ryggen på meg.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    De dokumentariske bildene mine handler ofte om å framkalle en stemning og å fortelle noe om et sted. Jeg har for eksempel fotografert hjemstedet mitt Averøya siden jeg først plukka opp et kamera for 13 år siden, og i de bildene får jeg utløp for en del tanker og følelser rundt det å vokse opp der. De mer kunstneriske bildene er formale øvelser hvor farge, tekstur og geometri er det jeg ser etter. Jeg har stort sett alltid med meg kameraet og samler opp bilder over en lengre periode som jeg så prøver å sette sammen på betydningsfulle måter, ved å skape dialog mellom forskjellige bilder og å bygge sekvenser som forteller en historie.

    Selv om jeg har fotografert i 13 år, føler jeg fortsatt at jeg er i startfasen. Det skyldes nok mye at jeg er en «slow learner», men også at min prosess med foto tar tid: fra opptak til bearbeidelse til ferdigstillelse går det gjerne noen år, for jeg trenger tiden til hjelp for å se hvordan ting kan kontekstualiseres og presenteres.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Etter studietiden i London hadde jeg en naiv ambisjon om å bli boende der, men virkeligheten innhentet meg raskt og jeg skjønte at det ikke ville bli noen god tilværelse. Da ble det returbillett til verdens beste land, og det var naturlig å flytte til Oslo hvor jeg hadde venner og jobbmuligheter.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Jeg liker størrelsen på Oslo, det er stort nok til at det ikke blir kjedelig, men lite nok til at man fort blir kjent med andre innenfor sitt felt. I forhold til størrelsen skjer det mye på kunstscenen her og det er gøy å være med på. Samtidig er Oslo velsignet med både mark og fjord, som gir meg jevnlig naturpåfyll. Det er viktig!

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Kunstkritikken har litt å gå på.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    For øyeblikket er jeg i den innledende fasen med et bokprosjekt som er et samarbeid med en god venn av meg, som også er fotograf. Det er gøy å jobbe sammen med noen andre for en gangs skyld – fotograf-tilværelsen kan være ganske ensom til tider. Ellers er jeg temmelig opptatt som nybakt pappa.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Akkurat nå er jeg trygt plassert inne i babybobla etter å ha blitt far i sommer, så det planlegges ikke så fryktelig langt frem i tid om dagen. En gang vil jeg lage ei ferdaminni-aktig bok om sykling, men først må jeg sykle alle småveiene i hele Norge. Det blir et livsprosjekt, slik som bildene jeg tar i hjemtraktene på nordvestlandet.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Erik Mowinckel er vår tids Tom Sandberg og han fortjener mer oppmerksomhet.

    TROMSØ: Åpen prekvalifisering – Kunst til Sommerlyst barne- og avlastningsboliger

    Tromsø Kommune søker kunstnere til åpen prekvalifisering for to oppdrag ved Sommerlyst barne- og avlastningsboliger. Fristen for å søke er 12. november.

    Tromsø kommune bygger Sommerlyst barne- og avlastningsboliger, boliger for barn og unge med alvorlige funksjonsnedsettelser eller som av andre årsaker har omfattende behov for omsorgs- og /eller oppfølgingsbehov.

    Boligene
    Boligenes tomt er lokalisert sentralt på Tromsøya, i Sommerlystvegen, i nærheten av Sommerlyst skole. Det nye bygget skal stå ferdig sommeren 2022 og vil bli et framtidsrettet bo- og tjenestetilbud som skal ivareta de krav kommunen er pålagt for å kunne gi trygge, forutsigbare tjenester av god kvalitet.
    Det er et vidt spekter av brukere med sammensatte hjelpebehov, både de som vil komme til å bo der fast, og de som vil være der midlertidig. Bygget består av korttidsboliger, faste boliger og fellesarealer. En leilighet har egen inngang. Totalt er det 2 permanente, 8 avlastningsboliger og 1 fleksibel bolig.

    Hjemme
    Bygningen oppføres i tre og det er fokus på naturlige materialer, noe som er viktig i arkitekturen og boligområdet. Bygget består av en rekke mindre ‘boliger’ som henger sammen i et bygg. Det har også vært viktig å beholde områdets ‘småhusbebyggelse’, slik at bygget ikke dominerer og samtidig unngår institusjonsspreg. Boligene skal føles som boliger.

    Bygget har et hjemlig preg, og ordet ‘hjemme’ er et viktig fokusfelt for boligene. Det er viktig at beboerne føler en tilhørighet og trygghet i boligen. Sikkerhet må også stå i fokus. Det er viktig at kunsten ikke har skarpe kanter, er av material som noen kan skade seg på eller kan løsne og/eller flyttes på.
    Ytterveggenes preg kommer inn i gangene der det gjenspeiler utvendig materialvalg, med bruk av synlige trematerialer innendørs. I hovedinngangen er det en betongvegg som går over 2 etg. med forskaling av planker som gir avtrykk og gjenspeiler trematerialet. Det finnes også her en trevegg. Det er tregulv inne.

    Inne er det hard slitasje på overflater, så bruk av robuste materialer av god kvalitet er prioritert. Veggene er utført i massivtre, også bœreveggene.

    Plassering
    Det er planlagt to oppdrag inne i bygget, et ved hovedinngangen og ett i/ved det såkalte ‘hulerommet’.
    ‘Hulerommet’: Dette er et «rom i rommet», hvor intensjonen er at brukerne kan trekke seg tilbake/gjemme seg, observere, være utenfor men likevel trygg og inne. Kan også være en bra plassering til verk og replikker som kanskje handler om å se, å oppdage. I hulen er det vinduer ned til våtsanserommet i etasjen under. Her kan man titte ned på de som er der.
    Budsjett: 150 000,-. 
     
    Hovedinngangspartiet: Har en betongvegg som går over 2. etg., og med synlig forskaling av treplanker som gjenspeiler trematerialet i den ytre kledningen til bygget. Veggen vis-a-vis denne er i heltre og kan være også aktuell for kunst. Farger, lys og direkte på vegg er uttrykk som eventuell kunstner kan utforske til hovedinngangen.
    Budsjett: 150 000,-.

    Idé og intensjon
    Stikkord: fargepositivitet – varmt – velkomment – hjem
    Med tanke på brukerne er det veldig viktig at kunsten blir tilpasset den mangfoldige brukergruppen, og at kunsten søker å treffe så bredt som mulig. Beboernes sanselige utfoldelse (syn, hørsel, berøring) kan hensyntas og taktil kunst er aktuell, gjerne overflater som kan føles ved å kunne ligge på, lene seg på eller ta på (gjerne fra forskjellige høyder).

    Mangfold, kreativitet og utforsking er viktig for barn og unge, kunsten skal gjerne bidra til dette. Kunsten kan gjerne involvere og reflektere barn og unges nysgjerrighet, men kunsten må også være tilgjengelig for de med funksjonsnedsettelser. Kunsten skal heller ikke ha et veldig ‘barnslig’ uttrykk. Kunsten skal gjerne stimulere og engasjere slik at beboerne kan utforske verket/-ene, gjerne fra flere perspektiv, eller føle at man er på oppdagelsesferd fra kunstverk til kunstverk.
    Det taktile og det robuste er sentrale stikkord. Farger og lys er også aktuelt i uttrykksformene. Noen nøkkelord for tema, materialer og/eller uttrykksform kan da være: Tre, speil, lys, farge, identitetsskapende, robust, taktilt, sanselig, oppdagelsesferd.

    Kunstutvalget har også kommet frem til fire sentrale ord som skal vektlegges i direkte oppdrag og åpen prekvalifisering. Disse er: fargepositivitet, varmt, velkomment og hjem.

    Ved spørsmål, kontakt kunstkonsulent Monica Takvam kunstsommerlyst@gmail.com eller kunstrådgiver Nina Mathisen, nina.mathisen@tromso.kommune.no, mob 97545029.

    Innsending og søknadsfrist
    Hva skal søknaden inneholde?
    • Søknadstekst med motivasjon for oppdraget (vennligst spesifiser om du søker oppdraget ved hovedinngangen eller i/ved hulerommet eller vil bli vurdert til begge)
    • Portfolio i form av en PDF på minimum 5 og maksimalt 10 sider som viser til tidligere relevant kunstneriske prosjekt
    • Oppdatert CV

    Kommunen oppfordrer også kunstnere uten erfaring med kunst i offentlig rom til å søke.
    Søknaden sendes til kunstsommerlyst@gmail.com

    Bergen: Portfolio presentation with Eamon O´Kane – November 16

    Portfolio presentation – the do´s and dont´s
    WHEN: Tuesday November 16, at 19.00
    WHERE: Bergen Assembly, Halfdan Kjerulfs gate 4, Bergen

    How do you present your work? How should one present one’s work?
    VISP has invited Professor Eamon O’Kane from KMD to host a workshop on different approaches to presenting your work, your portfolio, to curators, buyers, galleries and so on.

    Part 1: Eamon will show how he approaches portfolio presentations. He is currently represented by five international galleries and has a long and broad experience in jurying works from both students and other artists.
    What are the do’s and don’ts?

    Part 2: We have invited Lorie Ballage and David A Rios to give a live portfolio presentation with advice from Eamon.

    The workshop will be held in English, part 1 will be filmed and later published on our Youtube channel.

    Eamon O’Kane was born in Belfast, Northern Ireland, and lives in Denmark and Norway. He has received various awards including the Taylor Art Award and a Fulbright Award, and has had solo shows in international galleries and museums such as the Museum of Contemporary Art in Los Angeles; the Sheldon Art Museum in Lincoln, Nebraska; the Irish Museum of Modern Art in Dublin; and Museum Frieder Burda in Baden-Baden, Germany. Eamon O’Kane is Professor of Visual Art at The Art Academy, Faculty of Fine Art, Music and Design, University of Bergen, Norway.

    Lorie Ballage (b.1994, France) holds a BFA from the Art Academy of Dundee, Scotland and a Master of Fine Art from the Art Academy of Bergen, Norway, where she currently resides. She paricipated in this year´s Årsutstillingen in Kristiansand and is also one of the co-founders of the ceramic workshop Cone 7 in Bergen.

    David A. Rios has a BA in photography from KHiB and an MA in fine art from the same institution. In addition to his artistic practice he is currently an Associate Professor at Bergen School of Architecture and a former Assistant Professor in Sculpture and Installation at KMD, UiB. Rios has been based in Bergen since 2003.

    Big thanks to Bergen Assembly for hosting the event!

    4. november: Kristiansand – Kritikersamtaler!

    Torsdag 4. november kl 1900 på Kristiansand kunsthall:

    Velkommen til en samtale om pågående utstillinger i Arendal og Kristiansand. Vi har invitert kritikerne Una Mathiesen Gjerde, Arve Rød og Terje Dragseth til å sammen med moderator Karl Olav Segrov Mortensen diskutere HATCH på Agder kunstsenter og ARTendal, Ursula Reuter Christiansen i Kristiansand Kunsthall og Inghild Karlsen på Bomuldsfabriken Kunsthall.

    Una Mathiesen Gjerde (f. 1993) er kunstredaktør i Subjekt. Hun har en MA i kunsthistorie fra Københavns Universitet og en BA i kulturentreprenørskap fra Uppsala Universitet. Tidligere har Mathiesen Gjerde vært produksjons- og administrasjonsansvarlig ved Fotogalleriet i Oslo og jobbet som formidler ved en rekke kunstinstitusjoner i Skandinavia. Ved siden av stillingen i Subjekt, virker Mathiesen Gjerde som frilansprodusent og -kurator. Hun er en del av CuratorLab 2021/2022 ved Konstfack, Stockholm.

    Arve Rød er kritiker og skribent, utdannet ved Statens kunstakademi. Han har skrevet om norsk og internasjonal kunst i en rekke sammenhenger siden 2000. Rød har vært kunstanmelder i avisene Dagens Næringsliv (2007–2012) og Dagbladet (2014–2020), og medredaktør i Norsk kunstårbok (2013–2020).

    Terje Dragseth er skjønnlitterær forfatter, musiker og filmregissør som debuterte med dikt og tekstsamlingen Offerfesten i 1980. Han ble i 2012 tildelt statens garantiinntekt for kunstnere. Dragseth er utdannet filmregissør ved Den Danske filmskolen 1983-87.

    Karl Olav Segrov Mortensen er kurator ved Sørlandets Kunstmuseum og for tiden phd-stipendiat ved Universitetet i Agder. Han har hovedfag i Kunsthistorie fra UiB.

    Denne kritikersamtalen er en del av Kompetanseheving for kunstnere 7.mai-31. des. 2021 – et samarbeid mellom VISP, Agder Kunstsenter, Kristiansand Kunsthall, Bomuldsfabriken Kunsthall, NBK Agder og NK Sør-Norge.
    Samtalen er støttet av Kristiansand Kommune, Agder fylkeskommune og Kulturrådet.

    Samtalen vil bli filmet og opptak vil i ettertid publiseres på vår Youtube-kanal.

    Gratis adgang.

    Bilde: Ursula Reuter Christiansen «No more services», oil on canvas, 2005. Foto: York Wegerhoff.

    22. oktober på CM7: Kunstgarasjen pop-up!

    VISP og B-open har invitert Kunstgarasjen til å ha popup-butikk i våre felles lokaler, CM7 i Christian Michelsens gate 7 fra fredag 22. oktober til søndag 24. oktober.

    På denne pop-up ́en vil Kunstgarasjen vise frem kunst fra fire av kunstnerne i sin stall:
    Andreas Dyrdal
    Sarah Jost
    Astrid Sleire
    Judy Sirks Vevle

    Åpning fredag kl 18.00, lett servering.
    Kunstgarasjen tilbyr omvisning i utstillingen med Silje Solvi og Arild Våge Berge i Grieghallen direkte etter åpningen på CM7!

    Kunstgarasjen er et kunstgalleri i Bergen som ble startet i 2016. I Kunstgarasjen kan du oppleve samtidskunst og kjøpe kunst fra utstillingene, Kunstgarasjens hovedfokus er å vise kunst av høy kvalitet med rundt ti kunstutstillinger i året, både gruppeutstillinger og separatutstillinger.
    Kunstgarasjen er en ideell organisasjon som jobber for å øke inntektsgrunnlaget for kunstnere og er et ikke-kommersielt galleri som mottar offentlig og privat støtte for å drive galleriet.
    Kunstgarasjen ligger i Møllendalsveien 15, mellom Danmarksplass og Florida bybanestopp.

    CM7 ligger i Christian Michelsens gate 7 i Bergen og er både kontorplass for VISP og B-Open og et visningsrom med ambulerende utstillinger.

    Åpningstider:
    Fredag 22.oktober: 18-20
    Lørdag 23. oktober: 12-16
    Søndag 24. oktober 12-16

    Vi takker våre felles støttespillere:
    Bergen kommune
    BKFH
    Farvatn
    Grieg Foundation
    Kulturdepartementet
    Kulturrådet
    NKVN
    Sparebanken Vest
    Vestland fylke

    Foto: Judy Sirks Vevle, Dvale nr. 2

    BERGEN: Den kulturelle lykkepillen

    Bergen kommune, Kulturetaten ved Kunst, kultur og psykisk helse www.kkph.no søker profesjonelle utøvere innen ulike kunstarter til kulturprogrammet: Den kulturelle lykkepillen, oppdrag på aktivitetshus for mennesker med psykiske helseplager.

    Du får selv være med å utforme oppdrag innen musikk, drama, litteratur og visuelle uttrykk.
    NB! Søknadsfrist: Mandag 11. oktober 2022 kl. 14.00 for oppdrag i 2022.

    Bergen kommune drifter aktivitetshus for mennesker med psykiske helseplager.
    Der arrangeres for eksempel malekurs, kurs i keramikk, minikonserter, forfatterbesøk, små teaterforestillinger, samt turer m.m.

    Vi søker profesjonelle utøvere til oppdrag på de ulike aktivitetshusene.

    • Musikere til minikonserter og workshops ev. som instruktør til kurs
    • Forfattere til skrivekurs, opplesning, samtale og workshops
    • Skuespillere som instruktør på kurs, workshops, og opptreden/underholdning.
    • Kunstnere/utøvere innen visuelle uttrykk (tegne, male, film, foto, design) for kortere kurs, aktiviteter eller workshops
    • Utøvere innen tradisjonshåndverk
    • Formidler/foredragsholder innen ulike tema
    • Danseinstruktører

    SØK HER

    Åse Anda

    Hva jobber du med?
    Hovedmedium er grafikk, men også tekstil og maleri. Svært opptatt av farge. Jobber mest med abstrakte formspråk.

    Hva inspirerer deg?
    Noe så enkelt som å prøve ut nye teknikker, spesielle fargekombinasjoner, nytt materiell. Menneskemøter, samtaler, residensopphold og kurs. Da skjer det alltid noe etterpå.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Mitt hovedmedium er grafikk. Arbeidet kan sees som forskningsbasert og prosessuelt. Jeg er opptatt av farger, og interessert i å utforske grensene for hva som kan regnes som grafikk. Gjennom ulike grafiske teknikker som silketrykk, etsning og monotypi undersøker jeg farge og hvordan fargene påvirker vår persepsjon. Grafikkens vesen tiltaler meg, det å aldri ha helt kontroll. Det åpner opp for det uforutsigbare underveis i arbeidet, slik at selve prosessen også blir en motor i prosjektene.
    I noen perioder trenger jeg begrensninger. Prosjektet Ad Infinitum som jeg startet opp med i 2014 (mot uendelig) er et rammeverk jeg jobber innenfor, inspirert av Sol Lewitt. Som Lewitt har jeg laget meg et regelverk, med kvadratet som utgangspunkt. Kvadratet gjentar jeg 9 ganger i hvert bilde. De settes sammen igjen og igjen på nye måter og med ulike farger. Dette er et livsprosjekt.

    Jeg prøver ofte ut forskjellige materialer og metoder, og da oppstår nye ting. Da jeg var i Lofoten på residens for 3 år siden, ble jeg fascinert av skjønnheten, men visste ikke hvordan jeg formidle den uten at det ble for klisjéfylt. Jeg reiste rundt i landskapet, tok med meg sand og jord som til slutt sammen med graderinger ble til små objekter.

    De siste to årene hadde jeg knær som ikke fungerte. For meg som er en hyperaktiv og rastløs person , var dette et vakuum. Da jeg fikk nye kneledd og og var sykemeldt tok jeg fram symaskinen. Jeg hadde lerretsrester, avkapp fra maleri. Jeg sydde uten plan, tok de stoffene som falt seg inn, og stoppet når det var nok. Hadde en tanke om at alt skulle sys sammen til store paneler som igjen skulle males på, men da jeg kom tilbake til atelieret, hengte jeg opp tekstilene og så at de allerede levde sitt eget liv slik de var. Om jeg skulle bruke dem, skjønte jeg at det måtte males rett på veggen og at tekstilene måtte monteres oppå. Jeg stilte ut dette verket på jubileumsutstillingen til Tou i Øl-hallene i august 21. Veggmaleriet er 3,5×3,5 meter, i duse farger, tekstilene gir kraftige assosiasjoner til hud, For meg er biletet sterkt knyttet til det kroppslige.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    Tilfeldigheten gjorde at jeg ble boende i Stavanger, meningen var å dra ut, men så fikk jeg kjæreste, familie og ble. Det betyr ikke at jeg bare har vært her, jeg har hatt diverse studieturer og residensopphold, utenlands og innenlands.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Jeg har atelier på Tou Atelierhus, der jobber 35 kunstnere under samme tak. Vi har Tou Trykk i etasjen under, noe som passer meg bra, siden jeg jobber ganske mye med grafikk. For tida har jeg helårsleie der, og har god mulighet for å trykke når jeg vil.
    Det er alltid noen der å spise matpakken sammen med. Jeg kan søke felleskap, eller stenge døra og være alene når jeg vil det.
    Det positive er at det er alltid noen å diskutere med, jeg har noen kolleger jeg samarbeider med innimellom og blir oppdatert på ting som skjer i kunstlivet.
    Vi har Bruksrommet, et galleri som kunstnerne selv kuraterer , med fire utstillinger i året. Da er det også kunstnersamtaler. Kunstnerne har også et eget galleri drevet på dugnad der vi selger direkte til kunder uten å ta provisjon.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    En viktig ting mangler her, vi har ingen kunstmateriell-handel. Vi må bestille alt fra KEM, og da kommer frakten i tillegg. Det er til tider ganske håpløst. Det tar tid å vente på det en har bestilt.
    Jeg saver flere seriøse gallerier, vi har mistet to bare det siste året.
    Det er en bra 2-årig fagskole i kunst her. Det hadde vært flott om elevene hadde hatt mulighet til å fortsette med en bachelor i Kunst på universitetet. Da tror jeg vi hadde fått tilbake flere unge kunstnere i byen.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Akkurat nå jobber jeg med å gjøre ferdig verk som skal vises i en utstilling på Meieriet Kulturhus på Leknes i Lofoten med tema Karbonavtrykk.
    I 2019 startet Rita Marhaug, Kjellaug Hatlen Lunde og jeg samarbeidet Trykk i sanntid. Prosjektets hovedfokus er knyttet til den lenge varslede klimaendringen vi står overfor. Dette har påvirket arbeidet med de to verkene jeg har med på utstillingen.

    De består av abstrakte former kombinert med mine egne fotografier. Dette skal gi betrakteren assosiasjoner til en verden der karbonutslipp og drivhuseffekt truer, og til sist formidle hvor viktig det er å ta vare på naturen vår. Verkene som er trykket i silketrykk er 16 meter lange og 42 cm høye, og trykket på begge sider og ment for å tilpasses ulike rom og situasjoner.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Innholdet i livet mitt har alltid vært skape kunst. Det å kunne stå i den prosessen er kjempeviktig. Jeg fyller 67 år i denne måneden, og jeg er lykkelig over at jeg bare kan fortsette å arbeide. Føler fremdeles at jeg har veldig mye på lager som må ut, det begynner liksom å haste, derfor jobber jeg kjempemye. Jeg har et ønske om å få bevare helsen min og bruke tiden jeg har til rådighet. Det hadde vært fint å få stille ut arbeidene mine i betydelig større institusjoner/gallerier enn jeg har gjort til nå, bli sett. Ikke stå stille, men prøve ut nye ting som fører meg videre.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    En av mine gode kolleger på Tou Atelierhus, Helle Mellemstrand, har jeg veldig lyst til å nevne. Hun er en fantastisk dyktig kunsthåndverker. Helle lager store tekstiler/verk som består av ull som hun selv har tovet, farget med ecoprint, planter fra naturen, hun samler på gamle ullpledd som hun bruker i verk og figurer. På denne måten løfter hun frem historien og setter den inn i en ny kontekst. Hun jobber seint og tidlig og hadde fortjent at flere så hva hun stod for. Helle er representert på Statens Høstutstilling 21.

    ARENDAL: SEMINAR – KUNSTFAGLIG PROSJEKTLEDERS VIRKSOMHET

    3.november kl 11:00
    Bomuldsfabrikken kunsthall
    Gratis adgang, lett servering
    Maks 30 deltakere
    Påmelding sendes til linda@kristiansandkunsthall.no

    Hvordan arbeider egentlig en kunstfaglig prosjektleder? Vi har invitert både regionale kunstfaglige prosjektledere og kuratorer fra KORO til å presentere prosjekter de har jobbet med, dele sine erfaringer og komme med innspill om det å jobbe med større offentlige oppdrag. I tillegg kommer kultursjef i Arendal og rådgiver innen det visuelle kunstfeltet i Kristiansand kommune for å gi et innblikk i sitt arbeid med kunst i offentlig rom.
    Innleggsholdere: Thora Dolven Balke, med-kuratorer på Koro-prosjektet Agder kunstakademi på Agder fengsel, Nina Gresvig og Ruth Elisiv Ekeland, kunstfaglige prosjektledere ved Agder kunstsenter, Linda Sætra kultursjef i Arendal kommune og Angjerd Munksgaard rådgiver visuell kunst i Kristiansand kommune
    VISP, Kristiansand kunsthall, Agder Kunstsenter, Bomuldsfabriken Kunsthall, NBK Agder og NK Sør-Norge inviterer til kurs for kompetanseheving for billedkunstnere på Sørlandet. Vi skal arrangere en kursrekke á 6 kurs i løpet av 2021, alle gratis ved påmelding.
    Kursrekken er støttet av Agder fylkeskommune og Kristiansand kommune.
    ——————————-
    Program SEMINAR KUNSTFAGLIG PROSJEKTLEDERS VIRKSOMHET
    Konferansier: Håkon Gåre, rådgiver Agder Kunstsenter

    Kl.11.00 – 11.10 Servering, mingling og velkommen.

    Kl.11.10 – 11.40: Kurator på Koro-prosjektet Agder Kunstakademi på Agder fengsel, Thora Dolven Balke: Presentasjon av Agder Kunstakademi på Agder fengsel.

    Kl. 11.40 – 12.10: Kunstfaglig prosjektleder på Agder Kunstsenter, Nina Gresvig: Kunst i videregående skole basert på brukerinnsikt.

    Kl. 12.10 – 12.30: Rådgiver innen det visuelle kunstfeltet i Kristiansand kommune Angjerd Munksgaard: Om Kristiansand kommunes arbeide med kunst i offentlig rom.

    Kl.12.30 – 13.00: Lunsj

    Kl.13.00 – 13.30: Kunstfaglig prosjektleder på Agder Kunstsenter, Ruth Elisiv Ekeland: Hvem skal kunsten kommunisere med? Å arbeide med kunst i offentlig rom prosjekter – presentasjon av et utvalg prosjekter.

    Kl.13.30 – 14.00: Kultursjef i Arendal kommune Linda Sætra: Om Arendal kommunens arbeide med kunst i offentlig rom.

    Spørsmål fra salen underveis.

    14.00 Gratis omvisning i utstillingen på Bomuldafabrikken: Inghild Karlsen – Installasjoner fra 1979-2021

    FOTO fra Roligheden skole, Arendal: Kunstner Izabela Żółcińska med verket
    Rødliste for beskyttede arter.

    Bergen Ateliergruppe: Ledig atelier fra 1.12.21

    Bergen Ateliergruppe (BAG) er et atelierfelleskap med produksjonslokaler for samtidskunst på Dokkeskjærskaien. BAG har 14 atelierer, verksted, prosjektrom, lager, kjøkken og et utvalg av digitalt utstyr samt utstyr til trearbeid m.m. Vi er et aktivt miljø med plass for faglige samtaler, felles arrangementer, samarbeidsprosjekter og individuelle kunstnerskap. Foreningens formål er å gjennom medlemskap å tilby atelierer til profesjonelle billedkunstnere og andre som forholder seg til samtidskunstfeltet. Det er BAG sine medlemmer som drifter felleskapet gjennom dugnader og ved rullering på styreverv. Som medlem har en mulighet til å være med forme hvordan BAG skal være. Du kan lese mer om oss på: www.bergenateliergruppe.no

    Det ledige atelieret har to vinduer med utsikt over Bergen Havn og Fløyen. Atelieret er på 13 kvm og koster 1755kr/mnd. Summen dekker ikke bare selve atelieret men også strøm, internett, tilgang til delt treverksted, prosjektrom, lager, kjøkken og et bredt utvalg verktøy og digitalt utstyr. Atelieret er ledig fra 1. desember med mulighet å flytte inn tidligere. Ved innflytting skal det betales to mnd. forskuddsleie.

    Kom forbi under årets B-Open https://www.b-open.no/ søndag 26 september mellom 12-17, eller kontakt oss på bergenateliergruppe@gmail.com for visning.

    Bergen Ateliergruppe ligger i Havnelageret på Dokken inne på havneområdet, inngang fra O.J Brochs gate ved rundkjøringen, husk gyldig foto ID for adgang.

    Høres dette interessant ut? send en kortfattet presentasjon av deg og ditt kunstnerskap, din CV og noen ord om hvorfor du ønsker å bli medlem iBAG til: bergenateliergruppe@gmail.com

    Søknadsfrist 04. Oktober

    Bergen Ateliergruppe er støtte av Bergen kommune og Norsk Kulturråd.

    BERGEN: Ledig atelier i kunstnerverksteder cs55 fra 1.desember

    Kunstnerverksteder cs55 tilbyr atelierer til leie for profesjonelle billedkunstnere og kunsthåndverkere
    i et veletablert kunstnerfellesskap i C. Sundtsgt.55, Bergen.
    Atelier 801 ligger i 8.etasje og er på 30,1 kvm. + lager 7,8 kvm.
    Atelieret har tilgang til felles tekjøkken, våtrom/dusj og toalett.
    Leiepris pr. måned uten husleiereduksjon er kr. 4206.- minus husleiereduksjon blir det kr. 3.764,- pluss strøm. Depositum er på kr. 13.110.- og buffer kr. 1.200.-.
    Kunstnerverksteder cs55 har en stor vareheis med innkjørsel i port.
    Vi tilbyr også leie av Fellesverkstedet og Prosjektrommet, se www.cs55.no

    Søknadsfrist: 16. oktober 2021

    Skriftlig søknad sendes kunstnerverkstedercs55@gmail.com –
    søknaden må inneholde søknadsbrev med begrunnelse, cv og et utvalg bilder av arbeider samlet i én pdf-fil.
    Ved spørsmål kontakt LisBeth Johansen Sjøvoll på tlf. 934 10 388 eller via epost til kunstnerverkstedercs55@gmail.com

    Aurora Solberg

    Hva jobber du med?
    Maleri! Jeg har vært innom mange teknikker : olje, akryl, installasjon, video osv. Til slutt landet på den morsomste og mest spennende teknikken av dem alle: vannmaleri.

    Hva inspirerer deg?
    Farger er kanskje det som inspirerer meg aller mest.
    Fargenes samspill i naturen, i arkitekturen og i kunsten. Jeg elsker å studere nyansene av grønt i fjellsiden en vårdag, fargene i skyenes skygge eller hudens varme og kalde toner.
    Og så er det fargene i arbeidet da – pigmentene, fargeblandingen, fargekomposisjonen.
    For meg er det veldig viktig å kjenne glede, nysgjerrighet og interesse for arbeidet. Derfor har jeg brukt mye energi og tid på å lage meg noen rammer og finne de materialene som vekker dette i meg. Akvarellens uforutsigbarhet, papirets bevegelighet, og fargene slutter aldri å interessere, inspirere og glede meg!
    David Hockney har vært og er en viktig kunstner for meg. Måten han tolker naturen på og uttrykker den gjennom fargene helt fantastisk. Også elsker jeg hvor begeistret han er for jobben sin!

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg ønsker å skape et visuelt rom der betrakteren kan kontemplere over- og miste seg selv i det ordløse. Jeg vil gi en inngang til en annen – og dypt personlig – verden som både er fantasi og virkelighet.
    De siste årene har jeg fordypet meg i vannmaleriets teknikker, materialer og uttrykk. Etter hvert har jeg opparbeidet meg en betydelig fingerspissfølelse for hvordan vannmalingen oppfører seg, noe som har ført meg i retning av et uttrykk hvor motiver får vokse fram fra malingen selv.

    Høsten 2018 reiste jeg på residency til Studio Kura i Japan, som resulterte i utstillingen “Fukt / 湿度 / Moist” på Itoshima International Art Festival.
    Her begynte jeg å jobbe med teknikker og materialer hentet fra Japansk tradisjonelt maleri. Pigmentene er svært lysende og fargesterke, noe som er med på å bygge opp intensiteten i maleriet. Teknikken skiller fra den vestlige tradisjonen i utøvelse, materialer og fargebruk.
    Det å jobbe med denne teknikken førte til en eksplosjon av inspirasjon og skaperglede, og satte fart på det prosjektet jeg har jobbet med siden den gang: maleriserien ”Biotop”. Det er en rekke malerier i stort sett samme format: 56×76 cm.
    Maleriene utvikler seg gjennom flere lag med maling på papir. I begynnelsen handler det om å la pigmentene og vannet finne sin egen vei over papiret. Abstrakte og naturliknende former trer fram. Disse spinner jeg videre på med penselen, slik at mer konkrete former oppstår. Maleriene er ikke direkte avbildninger av motiver eller landskap – de forteller heller om min sanselige opplevelse av verden rundt meg, eller en drøm om noe som ikke finnes enda.

    En stor del av arbeidsmetoden min som kunstner går dessuten ut på å sette meg selv i situasjoner der intuisjonen får fritt spillerom, slik at jeg kan være i kontakt med det ikke-språklige og ukritiske. Hvor jeg er, både fysisk og mentalt, vises tydelig i arbeidene mine. Et eksempel er ”Biotop (fukt)”, som ble malt i Japan. Fargene fikk en annen karakter, ikke bare pga andre materialer, men også pga varmen, fuktigheten, maten og naturen. Alt virket inn, også lenge etter reisens slutt.

    I tillegg til å kontinuerlig jobbe med ”Biotop”-serien, har jeg det siste året jobbet med et utsmykningsoppdrag for Bybanen i Bergen. Våren 2020 ble jeg invitert til å smykke ut 21 glassplater innvendig i taket på vognene. Syv av maleriene i ”Biotop”-serien ble scannet, bearbeidet (minimalt) digitalt, og skal så printes ut på en folie som igjen festes på de gjennomskinnelige glassplatene. Lyset bak platene vil få fargene og formene til å komme enda mer til syne.

    I forhold til et gallerirom – hvor man kommer inn med høye forventninger, og som kan oppleves skremmende for mange – er en bybanevogn heller et frirom, et sted man kanskje ikke forventer å se kunst. Det er spennende å tenke på hvordan dette rommet kan ha potensiale for en mer spontan og overraskende kunstnerisk opplevelse. Jeg har strebet etter å skape noe som kan stimulere til kontemplasjon, fantasi eller meditasjon. Det er viktig for meg at arbeidet – som skal strekke seg gjennom hele vognens lengde – kan sees som et helhetlig verk. Samtidig har det vært viktig å jobbe med hver enkelt seksjon som en selvstendig komponent.

    Hvorfor ble du boende i Bergen?
    Kjærligheten, fast jobb, det gode kunstmiljøet og atelierfelleskapet. Og nærhet til havet og vill natur!

    Hva er det beste med miljøet og byen?
    Menneskene så klart! Jeg synes jeg har så gode, åpne, rause og dyktige kollegaer og venner. I tillegg er jeg så heldig å jobbe på Biblioteket på fakultet for kunst og design, og der får jeg virkelig innsyn i hva studenter og lærere, kunstnere og designere i byen holder på med.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Flere muligheter for å sende inn søknad om utstilling til ulike gallerier og visningsrom!

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Akkurat nå prøver jeg å få malt så mye som mulig i atelieret.
    I November skal jeg delta i en utstilling sammen med Grethe Unstad og mange andre spennende kunstnere på Tou scene i Stavanger. Det gleder jeg meg veldig til! Jeg har vært fan av Grethe lenge, så dette føles jo som å komme seg opp og frem i verden.
    I tillegg venter jeg spent på resultatet av utsmykningen for Bybanen!
    Også skriver jeg så klart på hundre søknader.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg synes ambisjonene mine endrer seg for hvert år som går, egentlig. Men helt overordnet er jo målet å leve et godt liv med mye frihet, god økonomi, spennende oppdrag og reiser, utstillinger og aller viktigst : ha masse tid til å jobbe i atelieret. Jeg vil jobbe hardt for å holde arbeidet interessant for meg selv, ved å videreutdanne meg, reise og fordype meg i maleriet.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Jeg synes multikunstner og geni Kristine Marie Aasvang hadde fortjent mye mer oppmerksomhet. I tillegg til å være en dyktig billedkunstner, driver hun med lyd, performance og musikk. Hennes billedverden er så mystisk og storslått og underlig, og berører meg veldig. Stemmen hennes er av en annen verden!
    Hun spiller både solo og med bandet The secret sound of Dreamwalkers. Snart gir hun ut en rykende fersk soloskive: Feme Sole!

    KRISTIANSAND: Skrivekurs for visuelle kunstnere med Øyvind Berg

    TID: 13. og 14.oktober kl 10:00-16:00
    STED: Verkstedet på Kristiansand kunsthall
    Maks 10 deltakere
    Påmelding sendes til linda@kristiansandkunsthall.no

    Mange visuelle kunstnere skriver – som en del av det kunstneriske arbeidet, for å formulere tanker, for å finne ut hva hen egentlig tenker, eller rett og slett fordi det skal sendes inn en søknad i skriftformat.

    På dette lille kurset får deltakerne to dager med skrivetrening, drøfting av hva vi har skrevet og hvordan det kan utvikles videre. Kurset ledes av forfatteren og oversetteren Øyvind Berg.

    Øyvind Berg, f. 1959, debuterte som lyriker i 1982 og har siden utgitt over 20 bøker: dikt, sakprosa, dramatikk og en roman, samt en mengde gjendiktninger. Han arbeidet intenst med teater og performance i teatergruppa Baktruppen, 1986-2011, og har mottatt en lang rekke priser og litterære utmerkelser. Bosatt i Kristiansand.

    VISP, Kristiansand kunsthall, Agder Kunstsenter, Bomuldsfabriken Kunsthall, NBK Agder og NK Sør-Norge inviterer til kurs for kompetanseheving for billedkunstnere på Sørlandet. Vi skal arrangere en kursrekke á 6 kurs i løpet av 2021, alle gratis ved påmelding.

    Kursrekken er støttet av Agder fylkeskommune og Kristiansand kommune.

    Møt vår nye medarbeider i Oslo!

    VISP har ansatt Arild Våge Berge som vår nye Oslo-medarbeider.
    Berge vil ha ansvar for gjennomføring av VISPs kurs og annen aktivitet i hovedstaden, og vil være med på å utforme vår videre utvikling som medlemsorganisasjon. Som medarbeider i Oslo vil han også søke samarbeid med andre organisasjoner innen det visuelle feltet og være vårt ansikt utad – kom gjerne med forslag til kurs og seminar til arild@visp.no

    Berge har BA i fotografi, PPU for kunstnere og designere og MA i kunst fra fakultet for Kunst, musikk og design i Bergen. Han underviser ved Oslo Fotokunstskole og har tidligere blant annet arbeidet som omviser på Astrup Fearnley museet og vært leder i nominasjonskomiteen til Forbundet frie Fotografer.
    Berge er opprinnelig fra Ørsta og har vært bosatt i Oslo de to siste årene.

    Arild Våge Berge er i første omgang ansatt i en 20% stilling som vil økes til en 40% stilling i 2022, og han vil starte opp i stillingen 1. oktober – vi gleder oss vilt!

    KRISTIANSAND: Kunsten å sette pris på kunst

    Kristiansand Kunsthall
    Torsdag 16. september kl 19.00
    Gratis adgang, lett servering

    Hva skal et kunstverk egentlig koste, spiller faktorer som utdannelse, alder og kjønn inn? Kan en kunstner prise seg ut av et marked, eller selger hen seg på billigsalg? Finnes det egentlige formler som bestemmer kunstverkets verdi? Alt dette og mere til ønsker vi å belyse på Kunsten å sette pris på kunst!

    Vi har invitert Randi Thommessen, Bernt Bisseth og Erlend Hammer, tre eksperter som alle har både lang og variert erfaring med kunstmarkedet og hvordan et kunstverk skal prissettes. Vi har bedt ekspertene om å senke skuldrene, løsne litt på snippen og lar dem slippe fri i en blindtest der de skal prissette tre forskjellige kunstverk av anonymiserte kunstnere bosatt på Sørlandet; det eneste de får vite på forhånd er kunstnernes CV.

    Gjennom denne delen ønsker vi å synliggjøre hvor utfordrende, og kanskje tilfeldig, prissetting kan være, noe som vil danne grunnlag for den påfølgende panelsamtalen.

    Det vil bli åpnet for spørsmål fra salen – vel møtt!

    Randi Thommessen er daglig leder ved visningsstedet LNM (Landsforeningen Norske Malere) i Oslo. 2015-2019 jobbet hun som kurator ved Trondheim kunstmuseum. 2007-2013 startet hun opp og drev galleriet LAUTOM i Oslo, galleriet vekslet mellom separatutstillinger og gruppeutstillinger, og deltok også ved en rekke kunstmesser, som Liste og Art Basel i Basel, Nada i Miami, Arco i Madrid og Art Rotterdam. I 2013-14 var hun vikarierende daglig leder ved Agder Kunstsenter. Randi Thommessen har en Bachelor i Fine Arts fra Central St Martins i London og en Master i kuratorpraksis fra Kunsthøgskolen i Bergen/UiB.

    Bernt Bisseth er andre generasjons eier og leder av Galleri BI-Z, et av de største og eldste private gallerier i Norge. Galleriet har siden 1962 formidlet et bredt utvalg norsk samtidskunst, og har hatt store leveranser til hotell, cruiseskip, handelsskip og plattformer. Galleriet har over 200 kunstnere presentert i magasinene med flere tusen arbeider i alle prisklasser og stilarter. Bernt Bisseth startet å jobbe i galleriet som 22-åring og overtok ansvaret for drift i 1990.

    Erlend Hammer er utdannet kunsthistoriker og ansatt som kurator ved Haugar kunstmuseum/ Vestfoldmuseene. Han har arbeidet som kunstkritiker og frilans kurator, blant annet for Momentumbiennalen i 2013. Fra 2016-2020 var han Senior kunstekspert ved Blomqvist Kunsthandel, hvor han arbeidet med verdivurderinger og salg av kunst.
    Kunsten å sette pris på kunst er en del av Kompetanseheving for kunstnere 7.mai-31. des. 2021 – et samarbeid mellom VISP, Agder Kunstsenter, Kristiansand Kunsthall, Bomuldsfabriken Kunsthall, NBK Agder og NK Sør-Norge.

    Kursrekken er støttet av Kristiansand Kommune og Agder fylkeskommune.

    Kurset vil ikke filmes/strømmes.

    5. oktober: Online stipendkurs med Erik Friis Reitan

    Sliter du med å finne ordene når du skal søke om arbeidsstipend? Hvilke arbeider skal du vise? Bør du skrive snirklete art-speak? Og hva i alle dager er egentlig «kunstneriske planer»?
     
    I dette kurset går vi gjennom noen grunnleggende tips til hvordan skrive den store søknaden om arbeidsstipend. 
    Hvordan forberede søknaden, hvordan navigere i søknadsskjemaene, hvordan organisere bildemateriale, og hvordan beskrive kunstnerskapet på en måte som øker sjansene for å få tilslag.
    Vi setter av rikelig med tid til spørsmål og diskusjon, og tar sikte på en hyggelig seanse som både nybegynnere og erfarne kan få noe ut av. 
     
    Erik Friis Reitan er billedkunstner og doktorgradsstipendiat på Kunstakademiet i Bergen. Han markerte seg nylig med utstillingen Teleportation #3 på KODE4, og har også mottatt flere stipender og sittet i ulike juryer og utvalg. Erik deler gjerne av sine erfaringer, og har de siste årene holdt mange kurs om søknadsskriving og utstillingsdokumentasjon.  
    Det vil bli mulig å stille spørsmål underveis, meld deg på her!
    Dato: Tirsdag 5. oktober
    Tid: 13.00-15.00
    Sted: Zoom 

    Kurset vil også strømmes direkte på Youtube og opptak av kurset kan du se her!

    TRONDHEIM: Stipendkurs med Erik Friis Reitan – 1. oktober

    Dato: Fredag 1. oktober
    Tid: kl 12.00-15.00
    Sted: Lademoen kunstnerverksteder
    Påmelding: Send mail til kurs@lkv.no for å delta
    Antall deltakere: 30
    Sliter du med å finne ordene når du skal søke om arbeidsstipend? Hvilke arbeider skal du vise? Bør du skrive snirklete art-speak? Og hva i alle dager er egentlig «kunstneriske planer»?
     
    I dette kurset går vi gjennom noen grunnleggende tips til hvordan skrive den store søknaden om arbeidsstipend. 
    Hvordan forberede søknaden, hvordan navigere i søknadsskjemaene, hvordan organisere bildemateriale, og hvordan beskrive kunstnerskapet på en måte som øker sjansene for å få tilslag.
    Vi setter av rikelig med tid til spørsmål og diskusjon, og tar sikte på en hyggelig seanse som både nybegynnere og erfarne kan få noe ut av. 
     
    Erik Friis Reitan er billedkunstner og doktorgradsstipendiat på Kunstakademiet i Bergen. Han markerte seg nylig med utstillingen Teleportation #3 på KODE4, og har også mottatt flere stipender og sittet i ulike juryer og utvalg. Erik deler gjerne av sine erfaringer, og har de siste årene holdt mange kurs om søknadsskriving og utstillingsdokumentasjon.  
    Kurset er et samarbeid mellom VISP og Lademoen kunstnerverksteder, og er støttet av Trondheim kommune.
    (NB: til tross for etternavnet ser Reitan på seg selv som vaskeekte bergenser)

    Robin Everett

    What is your expression?
    I work mainly using video, text, and sculpture as equal extensions of time-based media. These often emerge as installations incorporating a variety of materials, both real and virtual.

    What inspires you?
    The chance poetics of a postdigital world; the intersection between the human and machinic populace; the more-than-human agency to generate insights in perception, action, and articulation. There is a capacity that things outside of myself have for connecting disparate points to create a third voice in the dialogue that really drives a lot of what I do. I find it easier to talk in metaphors and similes around these sorts of things. So, I find a lot of my work begins like the speck of dust in the corner of your eye, on the edge of your vision – you know that there is something there, something more than is visible, tangible, or comprehensible, but you can’t quite access it. That scenario is what inspires me in relation to what was mentioned above and I think this is where the interest in other-than-human voices comes from, whether digital or organic. How do oblique understandings and new knowledges manifest from emerging technologies? How may our understanding of environments and ecologies be impacted by A.I. systems that simultaneously operate within distinct parameters and yet are increasingly capable of creating interpretations outside of lived experience and contemporary human knowledge.

    How would you describe your art?
    My work explores ontologies of time and emerging dialogues surrounding ecology and technology as a means to examine the multidimensional entangling of various infrastructures: nature, culture, industry, and temporality, among others.

    An earlier work of mine, Archipelagos of Order, took a 30-minute narrative film played out in 12 scenes and shuffled the contents, each time playing a new order of scenes and subtitles, without repetition. The runtime of the work became 54,830 years long. This was paired with 12 kinetic wooden sculptures bearing basic differentiating marks placed around the gallery and connected via arduino to a particular scene. Each time the scene appeared the associated totem would change position, creating a new order of symbols through the gallery space, never repeating.

    In a similar construction, my work everything will cease in the present took three phrases from Marcel Proust’s Remembrance of Things Past and flashed randomised sections from each at just over 8 second intervals, never showing the full phrase. This work centered around the ‘perceptual present’: the short duration for which we link concurrent events as happening ‘now’. After this, it slips into memory, no longer experienced in the subjective rhythmisation of ‘now’.

    Recently I have been working through a synthesis of two emerging technologies – photogrammetry, and machine learning; in particular the use of neural networks trained on particular writings as unaware poets and narrators.

    The photogrammetry process renders 3D models of space by analyzing hundreds of 2D photos. The resulting models are hollow and glitchy, creating uncanny relationships between the surface image and the underlying structures of these sites. My first encounter with this process the previous year was in composing these virtual 3D models from underwater drone footage captured in the kelp forests surrounding Lofoten and is the basis of my upcoming exhibition ‘they see faces in the clouds, smooth around the evening’. The footage used as source material and processed as clusters of video frames generates a compressed, or expanded, view of the spacetime ecology at work within that ecosystem. Glitching polygons and stretched wireframe meshes hint at the collision of the geologic slowness of the sea bed with the microtemporalities of computing systems, amplifying the flux of the more-than-human inhabitants sandwiched between these timescales.

    This work examines the chance poetics in data visualisation that can arise through technology’s interpretation of natural phenomena.

    The exhibition is a 5-channel video installation narrated by a text generated by a neural network A.I. trained on research surrounding the project ranging from the 1970’s Russian science fiction novel Roadside Picnic to Hito Steyerl’s essay A Sea of Data: Pattern Recognition and Corporate Animism. Poetic fragments and sci-fi imaginings blend together with academic jargon and theory-out-of-context to provide a disparate guide to the real and virtual visual spread across the screens. Increasingly, large-scale computer-controlled systems are being deployed to understand terrestrial systems. Artificial intelligence is used on a planetary scale to detect, analyze and manage landscapes. But in a similar scenario wherein written language – being an attempt at accurate description and communication – gave rise to the poetic metaphor as a translation of intangible experience, emergent A.I. opens the space for an other-than-human phrasing and oblique perception of the complexities of ecosystems.

    This is where my work currently sits. It is of course subject to change depending on how I feel in the studio that day.

    Why did you end up living in Bergen?
    I came to Bergen in 2016 for the MA degree and stayed. It wasn’t long after starting the program that I no longer felt that I was in Bergen to study, but that the Masters was just one other thing that I was doing in the city that I lived in.

    What do you like about the artscene and the town?
    I feel that Bergen has something leaning towards a more horizontal community within the arts. Regardless of whether you have just graduated or you have been making art for 30 years, everyone (that I have met) is supportive and open. For its size it feels incredibly productive.

    What could be better in the local artscene?
    This is a difficult question to answer during this pandemic situation. I feel that despite the troubles the art scene in Bergen has reacted well to every new curve-ball this year and last has thrown. Outside of these times I would be keen to see a greater range of cultural backgrounds being given opportunities and more international engagement.

    What are you currently working on?
    I guess I mostly answered this above about the upcoming exhibition. I am also working on finalising a project with Samuel Brzeski titled Time Crisis Conference that manifested as an exhibition last year as well as a cancelled workshop and performance. The three-screen video installation combined re-ordered gameplay footage from the video game Time Crisis 4 with algorithmically sourced and restructured passages from Marcel Proust’s In Search of Lost Time. We are currently creating a publication exploring another aspect of the work.

    What are your ambitions and plans for the future?
    To have the opportunity to keep doing what I’m doing. But more. I don’t feel so alone in that ambition really. I have been a part of running a residency in Finland called Mustarinda (www.mustarinda.fi) for the past 5 years or so and normally spend several months a year there. It is such a fantastic experience meeting and hosting artists from all over and spending time with them and their practices. I feel it’s quite valuable to be able to switch roles from artist to facilitator. However, of course, with these times that’s been missing from my life. So there’s a plan for the uncertain future. For the immediate future I will be finalising this work for the upcoming show.

    Who of your colleagues deserves more attention?
    Anne Cecilie Lie. To me, they have that enviable capability to seemingly effortlessly mould any discipline or field into a beautiful tool for communicating their ideas. I think that the work that they are making is as sensitive as it is urgent in its observation and treatment of the ecologies and inhabitants involved.

    God sommer!

    VISP holder stengt i juli og ønsker alle våre medlemmer en riktig god sommer!

    Vi har så langt i år arrangert 15 kurs/workshops og har mange planlagte aktiviteter for høsten, bl.a i Kristiansand, Trondheim, Bergen og Stavanger – og selvfølgelig også på nett!

    Jonas Ib F. H. Jensen

    Hva jobber du med?
    Jeg har jobbet mye med fotografi oppigjennom, det var der jeg begynte. Det har vært fotografiske iscenesettelser som har vært min greie, å konstruere noe for kameraet å gjøre opptak av, en situasjon, handling eller et tablå. En oppstilling av objekter og personer, av og til i miniatyr størrelser og gjerne med en tidsutstrekning. Ofte har det vært meg selv som har blitt protagonisten i slike iscenesettelser. Det ble en måte å forsøke å forstå og undersøke både meg selv og omgivelsene på, en slags forståelsesnøkkel. Jeg fikk etterhvert problemer med det jeg opplevde som noe statisk i fotografiet, at det hadde en begrensning som jeg synes var ubehagelig, at det var så ubevegelig, spikra og satt, så det hele skled over til at jeg begynte å jobbe med skulpturelle og romlige installasjoner, gjerne med bevegelige og flyktige elementer. På den måten kunne jeg arbeide med forandring på en annen måte, jeg kunne lage ting som var mer dynamiske.  Så har jeg jobbet en del med video og lyd også innimellom og har på den måten endt opp med en slags eklektisk vingling som jeg synes er ganske ålreit, jeg kan det meste sånn halvveis og bruker det uttrykket som føles riktig i forhold til en ide.

    Sånn tematisk så kommer jeg alltid tilbake til en fascinasjon for tilfeldigheter, det vilkårlige, og har på forskjellige måter brukt vilkårligheter som et verktøy og en strategi i arbeidet mitt.

    Hva inspirerer deg?
    Jeg har merket at jeg stort sett blir inspirert når jeg prøver å ikke bli det, om jeg løper rundt i skogen kommer det ideer flaksende og gjerne også på reise, med buss, tog eller fly,  så kan jeg bli overveldet av iderikdom, men setter jeg meg ned og tenker at jeg skal finne på noe lurt da blir det en drakamp og resultatet blir gjerne ikke noe særlig.

    Mye av mitt tankegods er en slags filosofiske misfostre som stammer fra at jeg studerte filosofi en gang for lenge siden og at jeg stadig vender tilbake til filosofene, de store tenkerne og de evinnelige eksistensielle spørsmålene uten helt å ha intellektuell kapasitet til den dype forståelsen, men man får fatt i noe og danner seg sine egne betraktninger så blandes de sammen til en slags egenartet suppe. Det er det samme med litteratur, mye preller av men noe treffer og sitter som spikra. Det handler mest om holdning tenker jeg, at man finner sin egen holdning gjennom disse tingene.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Det handler om det absurde og meningsløse med det å være et menneske, traumet med det å være til og ens egen bevissthet omkring at man er det og grubler på hvorfor og hvordan. Om, som en eller annen jeg ikke husker hvem er har sagt, det å se opp på stjernehimmelen i undring etter svar og bli møtt med universets kolde taushet. Alle kunstuttrykk handler jo i bunn og grunn og på forskjellige måter om det.

    Men jeg sier som Cioran: Jeg har oppfunnet ingenting, jeg er bare sekretæren for min egne følelser. For det er jo ens eget forkvakla blikk på verden en streber med å formidle, ens egen opplevelse av å eksistere og ens egne følelser og bevissthet rundt det, så tenker man at kanskje noen er interessert i å høre, så da pirker man pedantisk og dilettantisk i denne uendelige og uoversiktlige overflaten av økende entropi og forsøker å avdekke noe.

    Jeg har hatt en hang til eksistensiell grubling i mange av mine arbeider og en interesse for tematikk som passerende tid, forfall, forandring og det flyktige med enhver erfaring. Kaos og tilfeldigheter. Avvik i systemet og skavanker i infrastrukturen. Slike ting er interessant. Det jeg alltid forsøker med arbeidene mine er å understreke absurditeten ved det hele.

    Jeg hadde en utstilling på Premiss i Bergen for lenge lenge siden hvor jeg virkelig følte at jeg fikk noe til i forhold til dette med flyktig erfaring. Utstillingen hette Svart is (eller, Så vinden ikke blåser det hele bort) ((Støv, jævla støv)) og var en romlig installasjon bestående av en rekke vifter, røykmaskiner, skiftende lys og skulpturer som ble påvirket av de skiftende omgivelsene.

    Et nyere arbeid er en fotoserie som heter «Øvelser med ball» og består av syv fotografier som viser en sortkledt protagonist i et hvitt rom. Protagonisten er i interaksjon med forskjellige hverdagslige objekter og arbeider med å arrangere disse objektene og seg selv på forskjellige måter. En viktig del av dette arbeidet ligger for meg i det performative aspektet hvor jeg arbeider foran kameraet med et sett muligheter og begrensninger. I dette tilfellet meg selv i en sort spandex drakt, seks typer hverdagslige objekter hvorav et bord, en stol, en ball, en ramme, 20 kneip og 32 blanke bøker. Disse rekvisittene er utgangspunktet for en oppgave om å skape syv variasjoner over et tablå hvor utsnittet er det samme og elementene blir omarrangert for hvert bilde. Det er en undersøkelse av en slags tinglighet , noe som handler om tingenes identitet og beskaffenhet i samsvar med menneskene som har frembrakt og bruker dem og videre om relasjonene mellom oss, tingene og det utsnittet vi befinner oss i. I bildene representerer protagonisten mennesket som former verdens innhold etter sine behov og arrangerer det i verden.

    «En del av systemet» er et arbeid jeg lagde nå nylig, en skulpturell lydinstallasjon. Det er en samtale omkring eksistensielle spørsmål mellom tre malingspann. Jeg har stemmen til det ene spannet mens Yngve Pedersen og Vegard Urne buktaler hver sitt av de to andre.

    Utdrag:

    J:               Jeg merker det jo, at tiden går, det er masse tegn. De tomme dorullene som samler seg ved doen på badet, nå er det blitt treogtredve siden nyttår. Støvet som samler seg hele tiden, spesielt under trappa i ganga hvor det ser ut som gulvet har fått pels, klokken på kjøkkenet som har vist feil i et halvt år men som nå plutselig er blitt riktig.

    V:             Det blir omlag 135 doruller i året det.

    Y:             Ett år i et menneskeliv.

    V:             Livet.

    Y:             Med død og fordervelse i bagasjen.

    V:             Trillekoffert.

    J:              Jeg har lenge levd i den villfarelsen at livet er en størrelse en kan mestre.

    V:             Det umulige.

    Y:             Et så og si ubeboelig habitat, en ensom enklave.

    J:              Alt ville vært så mye enklere uten denne kløa i sjela.

    V:             Sjelen er en urolig malstrøm.

    J:              Neeei, sjelen er en sildrende fjellbekk.

    Y:             Du er en plaga sjel.

    J:              Alle er en plaga sjel.

    V:             Jeg vil ikke ha en plaga sjel.

    Y:             Være, du vil ikke være en plaga sjel.

    J:              Hva med frihet?

    Y:             Frihet er blitt for vanskelig. Enda en umulighet.

    V:             Frihet er grå felt i sjelens randsone.

    J:              Er det de som klør?

    Y:             Sjelens irrganger leder til legemet.

    V:             Det snakker vi ikke om.

    Y:             En labil klump. En dysforisk masse.

    V:             Et bytte for ormer.

    J:              Jeg har muligens fått rede på sammenhengen.

    Y:             Ute blåser det.

    V:             Alt er bølger.

    J:              Sjelen er en naken streng.

    Hvorfor ble du boende i Kristiansand?
    Jeg bodde mange år i Bergen, men klarte til slutt å rømme sjøveien, over Nordsjøen, samme rute som så mange tok under krigen, og datt siden sørover og endte opp i Kristiansand, hvor jeg er født, her har jeg blitt siden. Jeg har lurt på hvorfor, men det er ikke så komplisert, det er her som føles mest som hjem, så har jeg også familie her.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Kristiansand er for liten til å være stor og for stor til å være liten, byen strever med å bli stor på en ordentlig måte, den har lite motstand i seg og har vært et lett bytte for gentrifiseringsprosesser, så her er alt ganske ordentlig, polert og greit, det er en by uten skarpe kanter.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Det mangler mye her, savner helt klart mer kunstnerstyrte initiativer, skulle ønske det var mer skranglete, og en ordentlig lokalavis hadde gjort seg.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg har nettopp gjort meg ferdig med to utstillinger og skal bruke sommeren til andre ting. Skal imidlertid fortsette et arbeid jeg har holdt på med jevnt og trutt over lang tid hvor jeg lager skulpturer og objekter som graves ned i skogen. Jeg beholder dem en uke før de graves ned. Regelen er at de ikke skal avbildes og at det ikke skal loggføres hvor de blir nedgravd. En annen regel er at de skal være bestandige, at de til en viss grad skal tåle tidens tann slik at om de blir funnet om for eksempel 100 år så har de ikke forvitret og forandret seg til det ugjenkjennelige eller ingenting. De lages derfor gjerne i stål eller støpes i betong og aluminium, eventuelt også harde tresorter som graves ned i myrterreng.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg har hatt forskjellige arbeider oppigjennom som baserer seg på tilfeldighetsparametre. Et slikt arbeid, som har vart av og på i tolv år omtrent, handler om å generere vilkårlige gps koordinater ved hjelp av randomiserte tall tabeller for så å dra til disse koordinatene. Metoden har ført meg mange steder hvor jeg ellers ikke hadde dratt og fått meg til å gjøre mange ting jeg ellers ikke ville gjort. Det kan gjøres i liten skala eller stor. Om alt går som planlagt kommer det til å føre meg til Valujki, en liten russisk by ved grensen til Ukraina i en Ural motorsykkel med sidevogn.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Jeg lurer på hva Tarald Wassvik holder på med. Skulle også gjerne fått med meg utstillingen Album/volum av Kaare Ruud på Norsk billedhoggerforening.

    BERGEN: Skriveworkshop for billedkunstnere

    NB: KURSET ER FULLTEGNET

    STED: Hordaland kunstsenter, Klosteret 17, 5005 Bergen
    TID: Kurset går over tre dager, fordelt på to uker: mandag 6. september, fredag 10. september og onsdag 15. september
    KLOKKESLETT: 9-12 alle dager
    PÅMELDING: send påmelding til aslak@visp.no, 15 plasser tilgjengelig
    ARRANGØRER: VISP og Hordaland kunstsenter
    PRIS: Gratis

     

    Dette er en workshop for billedkunstnere, med fokus på skriving om egen kunstnerisk praksis. Deltakerne vil skrive og levere tekster, som vil bli lest og diskutert i plenum. Metoden er å benytte seg av gruppens samlede erfaring for å gi et ytre blikk på tekstene. Dette vil synliggjøre hva som fungerer, og ikke fungerer, i møte med en leser som ikke er kjent med ens arbeid fra før. Man kan også oppdage nye sider ved en arbeidsprosess gjennom det å formulere seg. Tanken er at deltakerne skal utvikle sine egne måter å skrive på, og at selve skrivingen skal gi dem lyst til å skrive mer.

    Workshopen vil bestå av tekstgjennomgang og skriveøvelser, og vil foregå på norsk. Det går bra å skrive på engelsk, men alle deltakerne må kunne lese skandinavisk.

    Kursleder er Lisa Him-Jensen. Hun har en parallellpraksis som billedkunstner og forfatter, med utdanning fra Kunst-og Designhøgskolen i Bergen og Skrivekunstakademiet. Hennes debutbok, diktsamlingen Den sanne horisonten, kom ut i 2018. I høst er hun aktuell med en separatutstilling på Visningsrommet USF.

    Kurset er et samarbeid mellom VISP og Hordaland kunstsenter.

     

    English version:

    BERGEN: Writing workshop for visual artists
    WHERE: Hordaland Kunstsenter, Klosteret 17, 5005 Bergen
    WHEN: The course runs over three days, spread over two weeks: Monday 6. September, Friday 10. September and Wednesday 15. September
    HOURS: 9am – noon all days
    SIGN-UP: sign up by mail to aslak@visp.no, 15 spots available
    HOSTS: VISP and Hordaland Kunstsenter

    This is a workshop for visual artists, with a focus on writing about one’s artistic practice. The participants will write and hand in texts that will be read and discussed within the group. The method is to use the collected experience of the group to gain an external perspective of the text. This will help make clear what works and not, for a reader who is not yet familiar with one’s work. One might discover new aspects of the artistic process, too, through verbalizing it. The idea is to enable the participants to develop their own way of writing, and that the act of writing itself will make them eager to write more.

    The workshop, consisting of text reviews and writing assignments, will be held in Norwegian. Participants may write in English but must be able to read text in Scandinavian.

    The workshop is led by Lisa Him-Jensen. She has a parallel practice as visual artist and author/poet, with an education from Bergen Academy of Art and Design and Skrivekunstakademiet. Her debut poetry collection Den sanne horisonten was published in 2018. This fall she has an upcoming solo exhibition at Visningsrommet USF.

    The workshop is a collaboration between VISP and Hordaland Kunstsenter.

     

    Ledig deltidsstilling som prosjektkoordinator – i Oslo!

    VISP – produksjonsenhet for visuell kunst – søker medarbeider i 20% stilling i Oslo med oppstart 1. september.

    Vår medarbeider i Oslo vil ha følgende arbeidsoppgaver:

    -vertskap for kurs, workshops, arrangement

    -bindeledd mellom VISP og andre kunstorganisasjoner, det offentlige og det visuelle feltet i Oslo

    -søknads- og rapporteringsarbeid for prosjekt/arrangement i Oslo, i samarbeid med daglig leder

    Vi ser etter en person som er utadvendt og kunnskapsrik, som evner å snakke både med kunstnere og byråkrater, og som har god kjennskap til det visuelle feltet i Oslo.  Stillingen har 6 måneders prøvetid og stillingsprosenten planlegges deretter hevet til 40%, lønn etter avtale.

    Send søknad med CV til aslak@visp.no innen kl 12.00 den 30. juli.

    FIKEN: Introduksjonskurs for billedkunstnere tirsdag 15. juni klokka 10

    Næringsoppgaven for billedkunstnere er ofte en utfordring – nå jobber Fiken med noe helt nytt i samarbeid med Skatteetaten og vil være de første på markedet som fra neste år vil ha en fullkommen løsning for innlevering av næringsoppgaven, direkte fra Fiken til Altinn uten at noe må fylles ut manuelt.
    Webinaret er beregnet på de som vil ha en introduksjon til det mest grunnleggende i Fiken; kjøp og salg, og arrangeres av Fiken og Norske Billedkunstnere.

    Kunsten å bli sett – kurs om kunst i sosiale medier (SoMe)

    Vi har økt antall plasser – meld deg på her!

    For hvem: Kurs om bruk av sosiale medier for kunstnere og små visningssteder
    Arrangør: VISP i samarbeid med kursholder Unni Irmelin Kvam
    Hva: Kurs for kunstnere og visningssteder om kunsten å få oppmerksomhet på sosiale medier
    Hvor: Vi møtes på Zoom over tre timer, ilagt gode pauser
    Form på kurset: Digitalt kurs
    Antall deltakere: ubegrenset (kurset vil kun være tilgjengelig live via Zoom)
    Tid: Torsdag 17. juni kl. 10.00 – 13.00

    Får kunsten din den oppmerksomheten den fortjener? Eller forteller du ingen om det som skjer i ditt atelier eller galleri? Uten SoMe får man ikke vist fram kunsten for et bredt publikum. Hva kan du gjøre med det?

    Publikum, journalister og kunstkritikere henter inspirasjon og informasjon fra Instgram og Facebook som aldri før. Dette kurset handler om hvordan du som kunstner eller visningssted enkelt og effektivt kan bygge og bruke en profil for å vise kunst og markedsføre det du brenner for.

    Tenker du at SoMe ikke er noe for deg? Tenk om igjen. Dette kurset gir deg en rask innføring i hvordan operere på sosiale medier, lettvint og kompetent.

    Dette lærer man:

    • Mekanismer for effektiv kommunikasjon og markedsføring i sosiale mediekanaler, med hovedvekt på Instagram og Facebook.
    • Historien til SoMe-kanalene: Slik utnytter man kanalens iboende kraft.
    • Hvordan bruke og bygge en god SoMe-profil.
    • Forskjellene på Instagram og Facebook: Slik brukes begge i best mulig.
    • Hvordan bruke innsiktsanalyse for promotering og vekst.

    Gratis

    Historiker, forfatter og podkaster Unni Irmelin Kvam har i en årrekke jobbet med kommunikasjon for ulike kulturinstitusjoner som KODE, Universitetet i Oslo, Naturhistorisk museum og Vigelandmuseet i Oslo. Nylig ble Vigelandmuseets Instagramkonto utpekt som «One to Watch» av New York Times. Hun deler sine beste triks for å skape en leken SoMe-profil, hvordan gå i dialog med følgere og skape en tone som gjør at man fortsatt får oppmerksomhet om det som er viktigst i verden: Kunsten.

    Hanna Fauske

    Hva jobber du med?
    Jeg jobber med å skape fiktive omgivelser, karakterer og historier i bilder som gjerne kommer til uttrykk via foto og video. I utstillingssammenheng jobber jeg også noen ganger med komposisjoner gjennom multimediale rominstallasjoner, der også teknikker som blant annet lukt, lyd/musikk og tekst kan være vesentlige.

    Hva inspirerer deg?
    Jeg lar meg inspirere av folk i min omverdenen. Folk jeg ser på gata eller i butikken, på brune pøbber eller snobbete kafeer, på reality-tv om campingliv eller Paradise Hotel. Jeg inspireres av å observere hvordan vi folk ter oss i samfunnet og hvordan man relaterer seg til sine medmennesker. I tillegg har jeg en dragning mot såkalt “retro” estetikk, så det å gå på gjenbruksforretninger kan være ganske inspirerende for mitt kunstneriske uttrykk. Hvis jeg finner et merkelig objekt, kan det brått være utgangspunkt til et nytt kunstverk.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    I mine arbeider beveger vi oss i en fiktiv og iscenesatt verden, hvor omgivelsene ser tilsynelatende realistiske ut. Det er gjerne stereotypiske karakterer som står i fokus, hvor hverdagslige og private situasjoner er med på å skape bildet og man blir invitert nært inn i den intime sfære.
    Komposisjonene er bygd opp av nøye utvalgte rekvisitter der alle detaljene er bevisst plassert. Jeg er blant annet opptatt av fargevalg. Og det er forresten nesten alltid noe mat med i mine arbeider.
    Ideene hekter seg til den “daglige tralt” hvor det normale har blitt så vanlig at man ikke lenger legger merke til det. Jeg er nemlig nysgjerrig på begrepet “normalt”, hvordan det har oppstått og hvordan mennesker forholder seg til det vanlig og det uvanlige. I arbeidene vil jeg utfordre til å tenke annerledes og utvide aksepten for det som kanskje sklir litt utenfor rammene, og samtidig opprettholde muligheten til å upåvirket kunne være seg selv.
    Men det er viktig for meg å tilføre positive elementer når det fremmede kan føles frastøtende. Jeg bruker blant annet humor i arbeidene, i et håp om å avvæpne det alvorlige og vanskelige.

    Humor er også med på å gjøre arbeidsprosessen min lystig og artig. Jeg leker og tuller mye og digger friheten til å kunne gjøre som jeg vil.

    For å trekke frem noe gøy kan jeg nevne Smörgåsarna. Dette er et svensk dansband som jeg har etablert i forbindelse med utstillingen Ben Roffe og Rognpåsan, som var å se på Bærum kunsthall i mai 2021. Jeg samlet noen venner til å utgjøre dette “tulle-bandet», som sammen lagde dansebandlåter og spilte inn i stua mi. Ingen av oss kan svensk, men vi synger allikevel! I tillegg har vi trykka opp cd`er,  merch og plakater som ble vist i utstillingen.

    I den siste tiden har jeg også jobbet en del med videoserien Dem om det som består av en rekke individuelle videosnutter, som hver for seg forteller små, korte, fiktive historier. Her møter vi ulike karakterer iscenesatt i sine private rom og en hverdagslig setting. Det er mye nattkjoler, helsetrøyer og sigarettsneiper ute og går. Og mat. Alltid no mat.
    Situasjonene er i utgangspunktet harmoniske og tilvante, mens det samtidig svever en selsom stemning som kan være med på å skape et uklart ubehag. Men – “dem om det”!

    Hvorfor ble du boende i Trondheim?
    Etter endt utdannelse ved KIT følte jeg at Trondheim var en perfekt by for å starte å snuse på kunstnertilværelsen. Ikke for stor, ikke for liten. Jeg fikk fort etablert en sosial omgangskrets og en tilrettelagt bosituasjon på Svartlamon. I min jobbsituasjon er jeg heller ikke støkk her, og kan dermed reise litt rundt og jobbe fra andre byer. I tillegg har de bart og vest og karsk, såklart!

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Det skjer mye, men allikevel får man plass. Om man vil. Jeg føler at det er et støttende miljø som gir rom og interesserer seg for hverandres virke. Det er liksom alltid noen å mingle med selv om man drar  som lonely rider på kunståpninger. Selv er jeg også en konsertgjenger, og på den fronten er det også svært aktivt i alle sjangre!
    Og noe av det beste med “stedet” Trondheim, er at det ligger rett ved fjorden. Så kan jeg badebadebadebade! Året rundt! Digg ass!

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Kanskje noen sosiale møteplasser som ikke er visningsrom eller atelierfellesskap. Et sted hvor vi kan møtes litt på tvers av byen. Kanskje drukket en enhet og spilt quiz og blitt kjent utenom å “gjemme” seg bak lerret, rammer og skulpturer. Jeg vil i samme slengen gi en “shout out” til Trondheim Open, som jeg syns legger til rette for dette, i tillegg til å fremme kunsten.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg har akkurat rigga ned en utstilling på Bærum Kunsthall, som har opptatt det meste av tiden min på årets første semester. Så når jeg nå har blitt kvitt gamle spagettirester og brukt snus er jeg superklar for å sette i gang med nye prosjekter. I sommer skal jeg  blant annet i gang med et videoprosjekt med HaHa Produksjoner, som er et samarbeid med Hazel Barstow og meg, hvor vi skal filme to kællær i en campingvogn, som prekær om hverdagens innhold.
    Så har jeg et foto/videoprosjekt hvor jeg skal iscenesette noen “sexy ladys” i obskure omgivelser.
    I tillegg til et helt annet type prosjekt som består av å etablere en permanent kunstinstallasjon/visningsrom i en gammal kjeller.
    Og snart kommer mitt band, Lucky Malice, sin nyeste fullengder på vinyl, så jeg satser på litt konserter når det lar seg gjøre!
    Jeg gleder meg masse til alt!

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg må faktisk si at jeg aldri har drevet noe særlig med ambisjoner. Jeg lever ofte i nuet og flyter på de bølgene som jeg syns ser gøyest ut, så godt det lar seg gjøre. Det viktigste er at jeg trives nå, så jeg prøve å tilrettelegge for det med en positiv innstilling!
    Men så klart er det jo gøtt å ha noen konkrete mål å se frem mot og hvis jeg ikke har noen spesiell utstilling eller no, så pleier jeg å skape de sjøl i en skjønn DIY stil!
    Akkurat nå er jeg ganske klar for en produksjonsperiode.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Hazel Barstow! Jeg digger det taktile og humoristiske ved hennes arbeider. Hun gjør det bra innenfor scenekunsten, men jeg syns hun fortjener mer oppmerksomhet også som billedkunstner! Jeg veit at det fins en bærepose navlelo som bør se dagens lys i form av et kunstverk! Kjør på!

    CRITIC´S TALK: DRIFTING MATTERS

    Monday June 7, live stream from 19.00

    Welcome to our talk about this year´s Master´s show at KHIO, Drifting Matters. 12 graduate students from the master’s program in medium- and material-based art, and 4 graduate students in the master’s program in art and public space present their graduate work in a joint exhibition. The talk will be streamed live from KHIO (link to follow) and will be held in English. Due to Covid-restrictions there will be no audience in attendance.

    The panel:

    Rodrigo Ghattas (b.1989. Lima, Peru) is a Peruvian-Palestinian artist and ‘slow-down’ activist based in Gran, Norway.  Ghattas is also a vernacular socialist with an artistic exploration at the intersection between post-capitalist behavior, solidarity networks, performativity theories, and decentralized art futures. In 2018, he received an MFA Art and Public Space from Kunsthøgskolen I Oslo.

    Victoria Durnak (b. 1989) is a writer and visual artist, living in Askim. Durnak holds an MFA from Sandberg Institute and KHiO. Her eight works of fiction are published by Flamme Forlag, lastly “Smilefjes. Tommel opp. Regnbue.” (2019). Durnak has participated in group shows both in Norway and abroad. Her solo exhibitions include «Secret Friend» at Hordaland Kunstsenter (Bergen), «The Mistress Dispeller» at Podium (Oslo), and «The Family Architect» at Atelier Nord (Oslo), among others.

    André Gali (b 1976) is an art critic and editor. Currently, Gali is Head of Communications at Oslobiennalen. Prior to this, he has been Head of Critical Theory and Publications at Norwegian Crafts (2010-2020) and co-founder and editor-in-chief of Kunstforum (2009-2015). Gali has contributed to a number of publications on contemporary art, art in public space, and material-based art practices, like Art Agenda, the Journal of Modern Craft and Art North.

    Tonight´s moderator is Monica Holmen (b. 1982), a curator and project coordinator at Nitja Centre for Contemporary Art (formerly Akershus Art Centre), Lillestrøm, which recently re-opened in a new building. Holmen also freelances as curator, editor and writer, in addition to being on KUNSTforums editorial board. She holds a MA in art history from the University of Oslo.

    Link to the show

    VISP is a resource and a networking organisation for the Visual Arts in Norway, and we work to improve and facilitate conditions for the production and dissemination of Visual Arts. VISP represents all of the creative community within the Visual Arts, including artists, galleries, institutions, producers, curators, critics and suppliers of materials and services. We are a membership organisation and membership is free. VISP´s first Critic´s talk was held in May 2014, and we have since hosted 3-4 talks annually.

    This talk is in collaboration with KHIO and is supported by Kulturrådet.

    BERGEN: Lokale gjestekunstnere på S12 – Høsten 2021

    S12 samarbeider med et stort spekter av ulike kunstnere for å utforske og utvide glassets muligheter og uttrykksformer innen kunsten. Gjennom vår profil Lokal AiR inviterer vi derfor kunstnere som er bosatte i vårt område til å bli kjent med, og utforske teknikker i arbeidet med glass gjennom to uker seminar og praksis i vårt verksted (med en ukes opphold mellom hver økt). Denne perioden kan resultere i ferdige kunstarbeider, men dette er ikke forventet, og deltakerne oppmuntres til å utforske og utfordre glasset som materiale i sin kunstneriske tilvirkning og på basis av ny kunnskap og praksis.

    En søknad om deltakelse må være oss i hende innen den 23. juni, og bør være i form av en enkelt PDF fil på maksimum fem sider som må inneholde:

    –   Utdrag av curriculum vitae/biografi.

    –   Et forslag som beskriver hvordan du ser arbeidet med glass kan inngå i, eller supplere din øvrige kunstpraksis frem mot et mulig kommende prosjekt. Om du har en viss kjennskap til hvordan glass tilvirkes, så vil det være av interesse å vite hvilken teknikk du ser for deg som mest relevant eller interessant å fordype deg i.

    –   Fem foto, eller bilder som viser tidligere arbeid. Video, på maksimum 5 minutter, kan sendes via lenker til relevante nettsider.

    –   Søknaden skal sendes med vedlegg til proposal@s12.no og være merket Lokal AiR (og ditt navn). Filstørrelsen må ikke overskride 10Mb.

    LES MER

    Ledig stilling: Overingeniør, grafikk, ved KMD

    Ved Fakultet for kunst, musikk og design (KMD) er det ledig ei 100% fast stilling som overingeniør innan fagområdet grafikk. Det er ønskeleg med oppstart i august 2021.

    Fakultetet har kunstnarleg utviklingsarbeid, forsking, utdanning og formidling innan kunst, musikk og design som sitt hovudformål. For tida har fakultetet 180 tilsette og kring 630 studentar fordelt på bachelor- og masternivå. Meir informasjon finn du på vår nettside: http://www.uib.no/kmd.

    Stillinga vil inngå i eit kollegium på KMD i Seksjon for verkstader og tekniske tenester som i dag har verkstadar innan fagfelta grafikk, tre og metall, fotografi, keramikk, tekstil og digitale verkstadar. Primær arbeidsstad for stillinga er grafikkverkstaden som ligg i fakultetet sine lokalar i Møllendalsveien. Stillinga rapporterer til verkstadleiar/seksjonsleiar under fakultetsdirektøren.

    LES MER

    UTSATT: ARENDAL: Seminar – kunstkonsulentvirksomhet

    Pga den økte smitten og de nye smittevernstiltakene som er innført i Kristiansand nå, må vi dessverre utsette seminaret til over sommeren.

    Dato og sted: 10.juni 11:00-13:30 Bomuldsfabriken Kunsthall
    Maks 30 deltakere (med forbehold om gjeldende retningslinjer for smittevern)

    Innleggsholdere:
    – Thora Dolven Balke og Kristine Jærn Pilgaard, kuratorer på Koro-prosjektet Agder kunstakademi på Agder fengsel
    – Nina Gresvig, kunstfaglig prosjektleder ved Agder kunstsenter
    – Ruth Elisiv Ekeland, kunstfaglig prosjektleder ved Agder kunstsenter
    – Linda Sætra kultursjef i Arendal kommune
    – Angjerd Munksgaard rådgiver visuell kunst i Kristiansand kommune

    Hvordan arbeider egentlig en kunstkonsulent/kunstfaglig prosjektleder? Hvordan synliggjør man eget kunstnerskap for potensielle oppdragsgivere? Og hvilke fallgruver må du passe deg for når du tar på deg større oppdrag? I seminaret er et knippe konsulenter og kunstnere med god erfaring fra kunst i offentlig rom-oppdrag invitert til å presentere noen av prosjektene de har jobbet med og komme med sine innspill om det å jobbe med større offentlige oppdrag.

    Påmelding sendes til linda@kristiansandkunsthall.no, kurset er gratis.

    Kurset er en del av Kompetanseheving for kunstnere 7.mai-31. des. 2021 – et samarbeid mellom VISP, Agder Kunstsenter, Kristiansand Kunsthall, Bomuldsfabriken Kunsthall, NBK Agder og NK Sør-Norge.

    Kursrekken er støttet av Kristiansand Kommune og Agder fylkeskommune.

    (foto: Ballanse av Petter Hepsø på Sukkevann idrettshall. Prosjekt Ruth Ekeland. Fotokred AKS)

    Webinar 25. mai: Næringsoppgaven for billedkunstnere

    Dato: 25. mai
    Tid: kl 19.00

    Velkommen til webinar om Næringsoppgaven for billedkunstnere tirsdag 25. mai. Vi har invitert en av Norges fremste eksperter på skatt og regnskap for kunstnere, Kristoffer Gjerdevik Vinje Vassdal, til å lose dere gjennom RF-1242.

    Dere kan sende inn spørsmål på forhånd til skatt@visp.no, denne mailadressen kan også benyttes frem til fristen 31. mai, vår medarbeider Veronika Heilund vil svare på det meste dere lurer på!

    Påmelding her

    NB: maks 100 deltakere via Zoom, men webinaret strømmes også live på vår Youtube-kanal, her vil også opptak av webinaret bli liggende.

    Sakspapir og påmelding til Årsmøtet 20. mai

    Årsmøtet avholdes på Zoom, meld deg på her.

    Sakspapir til Årsmøtet, som avholdes på Zoom, kan lastes ned her. Trykk lenkene for å laste ned hvert enkelt sakspapir:

    Sakliste:
    Saksliste Årsmøte VISP 2021

    Årsrapport:
    Årsrapport_VISP_2020_final

    Årsregnskap:
    Årsregnskap_VISP_2020_signert

    Budsjett:
    Budsjett_VISP_2021_final

    Handlingsplan:
    HANDLINGSPLAN_VISP_2021

    Alle medlemmer har stemmerett på årsmøtet med en stemme hver. Det er kun mulig å representere en aktør ved avstemming. For å være stemmeberettiget må man ha vært medlem i minst en måned i forkant av årsmøtet. Stemmegiving kan ikke skje ved fullmakt.

    Årsmøtet skal:

    • Godkjenne innkalling
    • Velge møteledelse
    • Orienteres om årsmelding for foregående år
    • Behandle og vedta regnskap med revisjonsberetning for foregående år
    • Behandle og vedta organisasjonens handlingsplan og budsjett for kommende
    • periode
    • Behandle innkomne saker
    • Velge styremedlemmer og styreleder
    • Velge medlemmer til nominasjonsutvalget
    • Velge revisor

    Her kan du også laste ned våre vedtekter: VEDTEKTER FOR VISP_oppdatert_2020

    Joanna Chia-yu Lin

    What is your expression?
    I work with painting, photography, and textile. Lately, I have been mainly using a technique adapted from acrylic medium photo transfer. The outcomes are basically pieces of dried paint: they are paintings but are painted with the inkjet prints pigments.

    I apply layers of acrylic mediums on inkjet paper prints, dip the prints in water and then rub off the paper fibers. Each print became translucent bodies that consisted of layers of acrylic medium with fading inkjet prints pigments. The image becomes blurry as I am rubbing off the paper as some pigments disappear and others get displaced. In the end, the acrylic mediums dry up into a thick body on their own and form a surface with visible brush strokes and sculptural features.

    What inspires you?
    In general, I will say it is time, everyday life, and boredom. I am interested in the mundane, tranquil moments where nothing has actually happened. I spent a lot of time just looking for the tiniest changes through windows, as there are many things to discover.

    Aside from that, I enjoy time-based art a lot; slow film, minimal, ambient music and sound-art are my other main inspirations. Jonas Mekas’s As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty is my recent discovery. It’s a very beautiful film.

    How would you describe your art?
    I work with different materials, but I would consider them as a documentation of all sorts of traces and pieces of evidence in daily life.

    I have a series of works termed Time Practices. In that series, I explored different ways of keeping records of a period, or so to say the ways of sensing the time passing. In Time Practices: 8 Hours, I attempted to draw a single line in an eight-hour period; In Time Practices: Calendar, I drew a single line on calendar paper every day for a year; In Time Practices: Through a 12th-Floor Window, I used a digital camera with a timer to capture the random scene outside the window at an interval that is set by my inner clock. In Time Practices: Burning Incense, I made a 24 hours documentation on an incense pot which my grandmother performs her daily ritual on. Lastly, in Time Practices: Security camera, I used the travel-time between two residences as the interval to parallel a clock that related to personal history.

    In Time Practices I set up rules to restrict myself and wait for incidents to occur. Sometimes it is the ink stain from the squeeze of the fountain brush and other times it is the random passerby that got captured by the camera. Recently I have also started to take photographs without using a timer. In the current ongoing series Waiting, I try to capture the obscure scenes related to the act of waiting.

    And from the material perspective, I am in love with the acrylic medium transfer technique which I have developed myself from a technique in painting. The outcome presents another main aspect in my works: labor time. By applying layers of acrylic medium and rubbing off the paper fibers, the physical time I spend on each print becomes visible. For me, the brush strokes, fading pigments, and cloudy images trace down memory, ever-presence, and the fluidity of time.

    I would describe my art as witnesses of the time passing, documentations of the ghostly presences.

    Why did you end up living in Oslo?
    I wanted to get out of my comfort zone and experience as much as I can. So here I am, far away from home. I decided to take my master’s degree here and I am falling in love with the city more and more.

    What do you like about the art scene and the city?
    Oslo is a city with so many exciting things going on and yet not too extreme to drive me crazy. I also appreciate that there are opportunities for people from different backgrounds.

    What could be better in the local art scene?
    This might sound like a call in a strange time. I do hope that things could be back to normal soon. But at the same time, I see this period as a time to reflect on different levels and to prepare for the future ahead. Aside from that, I am also looking forward to more collaborations within different fields of arts, cultural backgrounds, and different narratives.

    What are you currently working on?
    I am putting together the Calendar piece that I made in 2020 for an exhibition coming up in June. It is the postponed graduation group show scheduled last year but it was sadly canceled due to Covid-19. I will exhibit that piece with all 300+ calendar papers hanging up for the first time. That will be very exciting!

    I am also continuing with my recent project Waiting and working on another project on the theme of windows. My works from before have documented many scenes through windows, and now it’s time to turn the perspective inward (or outward) and see what will happen.

    What are your ambitions and plans for the future?
    Keep making art, living life, and establish my career. I am currently working as an artists’ assistant and have gotten lots of inspiration from the work experience. Soon I will set up my studio and will be in full creative mode.

    Who of your colleagues deserves more attention?
    Ahmed Badry. We had so many interesting talks while we were studying together. He works with sculptures, drawings and installation.

    Mitt skip er lastet med glitrende krepsdyr, optimisme og urin – Renate Synnes Handal om Masterutstillingen KMD 2021

    Mitt skip er lastet med glitrende krepsdyr, optimisme og urin. Renate Synnes Handal svarer på hva hun tar med fra masterutstillingen ‘a little larger than the entire universe’

    Under kritiker-samtalen vi hadde om årets masterutstilling, stilte moderator Eva det mest interessante spørsmålet helt til slutt; hva tar du med deg fra denne utstillingen? Og siden jeg rotet meg vekk i tanker og formuleringer da jeg la frem mitt muntlige svar, vil jeg benytte denne skriftlige sjansen til å vende tilbake til hennes store spørsmål. (Det blir sikkert like rotete.)

    Rent fysisk tar jeg med meg et sammenbrettet utstillingskart, en bunke med postkort, en liten katalog og en trykksak fra én av de 27 kunstnerne.

    Utstillingskartet er slik som de pleier – full av litt utilstrekkelig informasjon, uten at det kan være noe mer der. Det er forvirrende nok for folk allerede, skjønner jeg, mens to besøkende står i biblioteket og ikke forstår at pop-up boken de begeistres av er en del av utstillingen. «Den er jo ikke på kartet — » sier den ene til den andre, før hun legger til «det var jo dumt.» Så nikker de samtykkende til hverandre og forsvinner før jeg rekker å hjelpe til med å rydde opp i misforståelsen.

    De gratis postkortene er både en hyggelig og nyttig overraskelse. Tanken på at jeg kan fylle dem med ord og sende dem ut i verden, over alle mulige slags landegrenser, gleder meg mer enn jeg klarer å forklare.

    I den lille katalogen står de mest beskrivende ordene jeg har lest om disse tider; Vi står stille. Venter. Oppfører oss ordentlig. Vi ser mot fremtiden. Vi romantiserer fortiden. Det vanlige. Hverdagslivet. Vi vasker klær. Ser på skjermer. Møtes virtuelt. Vi blir slitne. På en helt annerledes måte. Vi ser ut gjennom vinduet. På en helt annerledes måte. (…)

    Disse tidene. I disse tider. Tenker jeg trassig bak munnbindet, tullet inn av dunsten av håndsprit, mens jeg går rundt i utstillingen og tenker på hvor jeg holder hendene mine. Som om i disse tider har blitt til et felles utgangspunkt hvor vi kan forstå hva vi selv, og alle andre, gjennomgår.

    Hvordan har det vært å studere noe så taktilt som kunst det siste året? Har de ivrige kunststudentene kunne samlet seg over middager og diskusjoner? Har de hatt tilgang til det internasjonale miljøet KMD ‘egentlig’ er? Speiler utstillingen vår nye virkelighet? Er det egentlig oppgaven til en avgangsutstilling å speile virkeligheten?

    Animals er en kanarigul trykksak, som allerede har satt i gang store samtaler for min del. Den har kanskje gått så langt som å revolusjonere mine tanker om kjærlighet. Mitt nye mål vil fra nå av være å finne roen med å tisse oppi min partners urin. Det er ikke småtteri.

    Når det kommer til min emosjonelle bagasje vil jeg si at jeg tar med meg en slags respektfull beundringsfølelse når jeg går ut av Kunsthallens lokaler. Det er lenge siden jeg har sett så mange interessante materialvalg samlet under ett tak. Fra tyggegummi klistret til veggen og ‘bilder av ekskjærester og lim’ til Kunsthallens forlatte kjeller-objekter. Fra små krepsdyr dekket av glitter til transportbånd dekket av ord; jo mer jeg tenker over det, jo mer blir det klart at dette må være en spesielt leken gjeng.

    Det er en varm slags humor tilstede i mange av verkene, som jeg med glede lar meg smitte av. Vi vet alle hvor lett det er å dra hverandre ned når vi står med utfordringer til langt over hodet, men denne gruppen har tilsynelatende gjort det motsatte. Dét synes jeg er imponerende, rørende og inspirerende.

    Jeg er spent på å se hva de 27 kunstnerne vil fortsette med fremover. De vil nok ta det meste på strak arm, denne gjengen som så suksessfullt har kavet seg gjennom et helt spesielt utdanningsløp. For utstillingen er også modig og ærlig. Hvor stort er ikke det store steget ut av utdannelsen og inn i karrierelivet? Kanskje ‘a little larger than the entire universe.’ 

     

    Alone, together – Robert Carter on Masterutstillingen KMD 2021

    Alone, together  – Robert Carter on Masterutstillingen i kunst 2021: a little larger than the entire universe

    A year to remember. A year to forget. The MA graduation show at the Bergen Kunsthall is usually a time for celebration, drunken fumbles with friends, embarrassing parents saying inappropriate things. But how do you celebrate a year spent in a sort of semi-permanent semi-lockdown? When the art school closed its doors to mostly everyone, gathering in your cohort was illegal and your education largely took place ‘online’?

    Like many others, my sanity was kept in check over the long winter months thanks to radio. Often waking up with the voice of my favourite presenter in my ear. In Fergus TibbsThe Yes Weekend – a functioning radio station is installed on the top floor, broadcasting content every weekend on Vers Libre, Bergen’s premier independent radio station. I enjoyed how the students were left to curate themselves within Fergus’s work, part of this years official MA Seminar. If the Kunsthall exhibition wears a tight belt around its 27 artists, then the radio is a place to unbuckle it and let their belly hang out. 

    Fellow graduate Sofie Hviid Vinther presented her writing on the radio program Written words from the coffee bar, reminding listeners of all the unseen labour that goes into an art education. The hours spent making lattes and getting pissed off with the public when you’re not in the studio. It was one of the only works I can recall which directly brought the subject of class into the conversation, which as a Brit I’m still trying to get my head around in Scandinavia. In the exhibition, Sofie presented her Workwear Collection which left me a bit puzzled as to the function of her tailor-made clothes. Who are they for? As cities like Bergen continue to move from the production of things to the production of knowledge, I wonder if the artist is trying to figure this out too.

    It was interesting to see how the artists in the show allowed history to move through them. In The Grave Project by Derek Sargent and Jess Miley the artist duo make a pilgrimage to various burial sites of historical LGBTQ figures around Europe. For a project which has been in development before and over the duration of the Masters’ program, this felt like a bit of a missed opportunity to me. Framed blocks of Wikipedia-entry-style text give us some historical facts about the deceased, paired with photographs of the artists posing Kraftwerk style by each grave. It left me more curious about the artists themselves; what they had for lunch, what they argued about on the train on the way there, what shitty Air BNB they stayed in. After all, the journey is surely more interesting than our final destination, no?

    In the video installation Anatomy of Restlessness by Giulia Mangione the artist unselfishly takes us on her own journey. A holiday, at last! Footage partly shot before the pandemic hit is interspersed with photographic stills and fragments of text. Over the speaker, the artist recalls her attempt to find traces of a former Norwegian colony in the US – following loosely in the footsteps of the Norwegian violinist Ole Bull (1810-1880). The success of this work lies in the way Mangione allows her project fail, and ends up reflecting on her own personal attempts to ‘settle down’. I was reminded of an essay by Canadian photographer Moyra Davey, ‘The Wet and the Drywhich combines journal entires from her own life with the Scandinavian travel diaries of writer Mary Wollstonecraft (1759-1797).

    From autobiography – to speculative fiction. I wonder though, if perhaps a better genre for Alex Hamish Millar’s project would be ‘psychedelic fiction’. His museum like presentation, a sort of made up history lesson based on research into The Bjerknes Center for Climate Research simultaneously educated and led us astray. What caught me the most about his work was the trippy visuals, levitating rocks and phosphorescent pigeons in his 16mm film projection. I sincerely hope the artist takes a plunge into the world of psychedelics at some point in his career.

    Painting has always been in conversation with its own history, with itself. For me, one of the most engaging paintings in the show, was in fact, not a painting at all. Sigrid Lerche’s video installation you just pretend to be human (great title btw) consisted of a flatscreen video on the wall with a sort of sculptural papier-mâché foreground. I read this work as a kind of sea-punk take on a rococo style self portrait. The sitter, an almost nude female with flowing turquoise hair poses in a largely featureless blacked out studio, blinking unnervingly at the camera with impossibly dilated pupils. The artist as avatar. 

    Thinking about painting and sculpture in this way led me back to the John Kelsey essay ‘Next Level Spleen’ where he talks about networks replacing context. It’s interesting to re-visit after thinking about the trappings and failings of the online art-eduction experience:

    As it mobilizes and gains speed, art becomes a lot more like what literature once was (which is a strange thought now, when literature is itself being superseded by digital culture): In its time, literature was a massive info leak that eroded disciplinary hierarchies, overflowing national borders and property lines alike. Why should art remain confined to the channel of the artist, the gallery, and the object?

    In this show I see art and literature, erode the borders between their present moment and various histories. Some more recent than others. Students from all over the world make up the class of ’21 –  Scandinavia, Iran, Pakistan, Britain, China, Poland, Australia – in an exhibition which brings up questions about how we situate ourselves, and by extension the things we make in the context of the new local. Both online, IRL, and in proximity to Bergen’s Art Academy – which for a two year period, became the artists’ new home. 

    BERGEN: Byrådet setter av 16 millioner til kulturnæringsformål i ny tiltakspakke

    Tiltakspakken er utformet som en ny tilskuddsordning som vil gjelde alle kulturnæringer som bidrar til å restarte kulturlivet i Bergen. Søknadsfrist er 25. mai.

    Alle søknader må sendes inn via eget skjema som finnes her: https://tilskudd.bergen.kommune.no/portal/#call/7190

    Tiltakspakken er utformet som en ny tilskuddsordning som vil gjelde alle kulturnæringer og er rettet mot tiltak som sikrer fremtidig drift for aktørene, og som bidrar til å restarte kulturlivet i Bergen. Tilskudd bevilges der aktører som følge av koronapandemien har behov for midler til å opprettholde normal drift med ansatte tilbake i arbeid, og sikre klargjøring og relevant sysselsetting mot gjenåpning.

    LES VIDERE

    View our critic´s talk here

    On April 26 VISP hosted another Critic´s talk (Kritikersamtaler), this time in collaboration with Bergen Kjøtt, Landmark and Bergen Kunsthall. We invited Robert Carter, Renate Synnes Handal and Kristoffer Jul-Larsen as critics, while Eva Rowson moderated the talk – you can view the talk here.

    ONLINE: Taxes for visual artists

    Slides from the webinar: Tax course 2020 VISP

    Date: May 5
    Time: 19:00
    Place: Zoom

    In this webinar, accountant Kristoffer Gjerdevik Vassdal will guide you step-by-step through Næringsoppgaven for billedkunstnere, taxes for artists – sign up here.

    We encourage you to ask questions live directly to Kristoffer, you may also e-mail the questions in advance to aslak@visp.no.

    There´s a limit of 100 participants, if fully booked you can follow the webinar live on our YouTube channel.
    Please note: This is a webinar for non-Norwegian speaking artists and will be held in English, we will host a similar webinar in Norwegian later in May.

    A recording of the webinar will be available on our YouTube channel afterwards.

    This webinar is collaboration between VISP and Her og der, an artist networking project that works as a GPS to guide newly arrived artists to the art field in Norway; the project aims to find an easier way for newcomers to establish themselves financially and creatively within the art community in Norway. A select number of artists are chosen for the project once a year.

     

    Nettmøte med BONO: Hva betyr opphavsrett for visuelle kunstnere?

    VISP ønsker velkommen til nettmøte med jurist Kristine Farstadsvoll fra BONO og billedkunstner Hilde Tørdal.

    Farstadvoll og Tørdal vil blant annet diskutere hvilke rettigheter du har som kunstner, betydningen av å beskytte ditt kunstnerskap, hvordan opphavsrett kan gi deg løpende inntekter med mere.

    Det er selvfølgelig mulig å stille spørsmål underveis, meld deg på her!

    Dato: 11. mai

    Sted: Zoom

    Tid: kl 12.00

    (opptak av nettmøtet vil være tilgjengelig på Youtube i ettertid)

     

     

    BERGEN: Ny tilskuddsordning for opprettelse av sommerskoler, kurs og ferietilbud 2021

    I forbindelse med koronapandemien har Utdanningsdirektoratet bevilget midler til sommerskoletilbud og kurs til barn og unge i grunnskolealder. Fagavdeling for kunst og kulturutvikling kan derfor med glede utlyse en ny tilskuddsordning på 13 mill. kroner til ulike sommerskoler, kurs og ferietilbud i regi av byens kunst- og kulturaktører.

    Tilskuddsordningen avventer p.t. endelig godkjenning i bystyret, og retningslinjene må leses med dette forbeholdet. Søknadsskjema vil derfor først være tilgjengelig i Tilskuddsportalen fra 24. april. Vi ønsker likevel å informere aktuelle aktører nå, slik at interesserte kan begynne arbeidet med å forberede en søknad.

    Tilskuddsordningen retter seg mot alle organisasjoner, institusjoner og grupper innenfor både amatørkulturfeltet, museumsfeltet, og det profesjonelle kunst- og kulturfeltet i Bergen kommune. Tilskudd skal gå til opprettelse av nye, eller utvidelse av eksisterende sommerskoletilbud og kurs for barn og unge i grunnskolen, 1.-10. trinn. Tilbudene skal gi mulighet for medskaping og kulturell deltakelse, undring og refleksjon, og bidra til å styrke barn og unges kunst- og kulturkompetanse. Ferietilbudet skal bidra til sosiale og inkluderende fellesskap for deltakerne. Tilbudene skal være gratis for elevene å delta på, og må foregå i skolens sommerferie i perioden 18. juni – 16. august.

    Det kan søkes om minimum kr 100 000 og oppover til hvert prosjekt. Vi oppfordrer aktører til å gå sammen om en felles søknad. Fagavdelingen kan fullfinansiere prosjektene, og alle kostnader forbundet med planlegging og gjennomføring av ferietilbudet dekkes over tilskuddsbeløpet.

    Søknadsfrist er satt til 10. mai og det planlegges fullført saksbehandling innen 1. juni.  Alle tilbud som mottar støtte vil bli kommunisert samlet til alle elever i grunnskolen innen 5. juni. Påmelding organiseres av den enkelte tilbyder.

    Tilskuddsordningen vil bli kunngjort på Kommunetorget lørdag 24. april. Fullstendige retningslinjer og søknadsskjema for ordningen vil deretter være tilgjengelig i Tilskuddsportalen.

    Spørsmål om ordningen kan rettes til rådgiver Linn Helen Kornerud, Linn.Kornerud@bergen.kommune.no

     

    Innkalling til Årsmøtet i VISP

    Velkommen til Årsmøtet i VISP, 20. mai kl 13.00 på Zoom!

    Alle medlemmer har stemmerett på årsmøtet med en stemme hver. Det er kun mulig å representere en aktør ved avstemming. For å være stemmeberettiget må man ha vært medlem i minst en måned i forkant av årsmøtet. Stemmegiving kan ikke skje ved fullmakt.

    Årsmøtet skal:

    • Godkjenne innkalling
    • Velge møteledelse
    • Orienteres om årsmelding for foregående år
    • Behandle og vedta regnskap med revisjonsberetning for foregående år
    • Behandle og vedta organisasjonens handlingsplan og budsjett for kommende
    • periode
    • Behandle innkomne saker
    • Velge styremedlemmer og styreleder
    • Velge medlemmer til nominasjonsutvalget
    • Velge revisor

    Våre vedtekter finner du her.

    Alle sakspapir finner du her – vel møtt!

    PÅMELDING

     

    ONLINE – Critics´talk: A little larger than the entire universe

    Date: Monday April 26
    Time: 19:00
    Place: YouTube

    Welcome to our talk about this year’s KMD Masters: “A little larger than the entire universe”.

    The talk will be streamed live on Youtube and Facebook but without a live audience, thus we encourage you to ask questions to the panel in the comment section.

    The event will be live streamed on VISP´s Youtube channel here. The talk will be held in English, the panel and moderator are:

    Robert Carter is an artist and writer from Manchester living in Norway. He studied a BFA at Kingston University in London and graduated with an MFA from the Bergen Art Academy in 2020. Alongside his work in printmaking and film he edits the Dental Advice Bureau a self-publishing platform that casts a critical eye over arts’ function in society.

    Renate Synnes Handal got her masters degree in Fine Art from KMD/UiB in 2018 and since her graduation has worked as an art-critic for Bergens Tidende as well as developing her own artistic practice. She loves words, subjectivity and playing around with meaning. When she is not in this critic’s-talk she is working on her country-album.

    Kristoffer Jul-Larsen is a critic for Kunstkritikk.no since 2017 and has written art and book reviews for several publications. He is Associate Professor of Norwegian Literature at the Norwegian University of Applied Science, where he teaches in programs for teachers and kindergarten teachers. He has previously taught at the MA program for art criticism at NTNU.

    Moderator: Eva Rowson is an artist, curator and Managing Director of Bergen Kjøtt. Her curatorial work is organised around hospitality, collaboration and administration – focusing on how the different types of work involved are valued, and with what consequences. This research has been at the core of recent projects including the curatorial programme «Who’s doing the washing up?», Bergen Kunsthall (Norway) and Lighthouse (UK), 2018-19 and ‘Como imaginar una musea?’, a Catalan-Spanish-English conjuring of a feminist cultural institution (2017-18).

    VISP is grateful for the support from Bergen kommune and Norsk kulturråd for our Critic´s talks!

     

    Kiosken: Open Call

    Kiosken welcomes applications for our interdisciplinary program Kiosken Studio 2021 and 2022. We encourage artists from all fields to apply. We welcome proposals from all places but will give priority to proposals coming from Vestland.

    KIOSKEN Studio is an interdisciplinary dissemination project where we invite artists, designers, writers and craftsmen to participate. The guest artist will be given a section of Kiosken’s project space during a month, where the ground floor windows will be actively used to show the process of their work during that period of time.

    KIOSKEN Studio wants to enter into a dialogue with the neighborhood and give passers-by the opportunity to gain insight into the artistic processes. During the project, we will also invite the public to artist presentations and events in collaboration with the artist.

    See https://kiosken.studio/ for examples of previous residencies.

    Application deadline is 1st of May 2020

    What we offer:

    •  10.000 kr fee 

    •  Up to 5000kr in production costs
    •  Curatorial and technical support through the residency period 
    •  Exhibition space at one of the most culturally developed parts of the city

    To apply:

    Send an updated CV and portfolio (or 5 images of relevant work) and a description of your practice. If you have a project in mind, we welcome proposals already at this stage.

    Send applications to: hei.kiosken@gmail.com with the subject: Kiosken Studio Application 2021-2022

    Applications will be reviewed and selected by our curatorial team.

    KIOSKEN is an interdisciplinary collaborative project between Daniela Ramos Arias, Siv Støldal, Ann-Kristin Stølan and Stine Aas and is generously supported by Vestland Fylkeskommune, Bergen Kommune, KORO and Norsk Kulturrådet.

     

    Norsk:

    OPEN CALL

    KIOSKEN inviterer nå til å søke om utstillingsplass til vårt tverrfaglige utstillingsprogram, KIOSKEN Studio i 2020 og 2021. Vi oppfordrer kunstnere fra alle kunstnergrupper til å søke, men søknader fra kunstnere som holder til i Vestland fylke vil prioriteres. 

     

    KIOSKEN Studio er et tverrfaglig formidlingsprosjekt hvor vi inviterer inn kunstnere, 
    designere, forfattere og håndverkere til å delta. Gjestekunstneren vil ta plass i den ene halvdelen av Kioskens lokale i løpet av en måned, hvor vinduene på gateplan vil brukes aktivt til å stille ut prosessen av arbeidet deres i løpet av den tildelte måneden.

     

    KIOSKEN Studio ønsker å gå i dialog med nabolaget og gi forbipasserende mulighet til å få innsikt i de kunstneriske prosessene. Underveis i prosjektet vil vi også invitere publikum til kunstnerpresentasjoner og arrangement i samarbeid med den enkelte kunstner.

     

    Se https://kiosken.studio/ for eksempler på tidligere kunstneropphold. 



    Søknadsfrist er 1. Mai 2021:

     

    Hva vi tilbyr: 
    • 10.000 kr honorar
    • Opp til 5000 kr i material- og produksjonskostnader
    • Kuratorisk og teknisk støtte gjennom hele oppholdet
    • Utstillingsplass i en av de mest kulturelle områdene i Bergen

    Slik søker du:

    Send oppdatert CV og Portfolio (eller 5 bilder av relevant arbeid) og en beskrivelse av ditt kunstneriske virke. Hvis du allerede har en ide eller et prosjekt i tankene som du ønsker å jobbe med hos oss, skriv gjerne litt om det også. 

    Send søknad til: hei.kiosken@gmail.com med tittel; Kiosken Studio Søknad 2021-2022

    Søknadene vil bli vurdert og utvalgt av vårt kuratorteam.

    Kiosken er en tverrfaglig samarbeidsprosjekt drevet av Daniela Ramos Arias, Siv Støldal, Ann Kristin Stølan og Stine Aas og er støttet av Vestland Fylkeskommune, Bergen Kommune, KORO og Kulturrådet.  

    Arendal: Kurs for søkende kunstnere

    Kursledere: Tekstbyrået ved Nina M. Schjønsby og Halvor Haugen
    Dato og sted: webinar 7.mai og påfølgende fysisk møte på Bomuldsfabriken Kunsthall 21.mai
    Maks 12 deltakere (medlemmer av NK og NBK blir prioritert)

    Hvordan skrive en god søknad? Dette kurset i søknadsskriving består av et digitalt møte og en fysisk workshop. På webinaret vil det holdes et innlegg som tar for seg tekstens ulike bestanddeler, og bli delt skriveråd knyttet til ulike faser i skriveprosessen. Målet er at deltakeren skal få verktøy som kan gjøre det lettere å konkretisere tanker rundt eget kunstnerskap, slik at søknaden man skriver vil kunne gi forskjellige lesere en god inngang til arbeidet. Alle oppfordres til å dele erfaringer underveis.

    Deltagerne vil så få i oppgave å skrive en kort beskrivelse av et kommende prosjekt, som levere i forkant av kurset. Tekstene deles med alle kursdeltagerne. Neste fysiske møteplass er Bomuldsfabriken Kunsthall. Her presenterer alle sin egen tekst og som diskuteres i plenum. Kurset vil være et forum for å diskutere tekst, dele erfaringer og inspirere hverandre.

    Tekstbyrået er et uavhengig forlag og en ramme rundt Nina M. Schjønsby og Halvor Haugens pedagogiske og redaksjonelle prosjekter.

    Påmelding sendes til linda@kristiansandkunsthall.no 

    Kurset er en del av Kompetanseheving for kunstnere 7.mai-31. des. 2021 – et samarbeid mellom VISP, Agder Kunstsenter, Bomuldsfabriken Kunsthall, Kristiansand Kunsthall, NBK Agder og NK Sør-Norge.

    (foto: Marie Sjøvold)

    UTSATT – Stavanger: DET GODE INTERVJUET – Workshop med Guttorm Andreasen

    På grunn av de nye smittevernstiltakene på Nord-Jæren må workshop med Guttorm Andreasen utsettes. Vi kommer tilbake med ny dato med en gang det er mulig.
    Velkommen til Rogaland Kunstsenters og VISPs workshop med Guttorm Andreasen 21. april kl. 9-12. Påmelding skjer via Hoopla, se lenke nedenfor. På grunn av corona-restriksjoner vil det kun være plass til 20 personer på arrangementet. Er alle plassene tatt, send en epost til kristel@rogalandkunstsenter.no for å stå på venteliste.
    DET GODE INTERVJUET – en Workshop med Guttorm Andreasen
    Intervju og samtale for scene og podcast, hvordan får du det beste ut av intervjuene dine?
    Intervjuet har blitt en viktig, populær og sentral del av formidlingen i kulturlivet. Folk vil høre og se kunstnere snakke om det de driver med. Det er endeløst med sceneintervjuer og podcaster, på seminarer, festivaler, utstillinger og på litteratur- og kulturhusene. Ofte er det profesjonelle intervjuere og journalister som gjør disse intervjuene men vel så ofte er det andre kunstnere, kolleger og venner som plutselig befinner seg i intervjuerstolen på en scene.
    Så hvordan får du de beste svarene i en intervju- eller samtalesituasjon? Hvilke spørsmål skal du stille og hvordan skal du stille dem? Hvordan følger du opp? Hva skal til for å lage et godt intervju og hvordan får du andre til å fortelle? I denne workshopen får du en engasjerende og faglig innføring i grunnleggende intervju- og samtaleteknikk fra en av Norges meste erfarne journalister og programledere.
    Workshopen er et samarbeid mellom Rogaland Kunstsenter og VISP. Medlemmer av BKFR og NKVN-R har fortrinnsrett for deltakelse i workshopen. Vennligst vær rask for å sikre deg en av de begrensede plassene!
    Guttorm Andreasen har jobbet i radio, tv og print siden 1985 og har intervjuet over 15000 mennesker i en lang journalistkarriere.

    Victor Guzman

    Hva jobber du med?
    Jeg jobber med tegning, maleri, video og skulptur. Ofte så kombinerer jeg disse mediene og gjør dem om til et verk eller en installasjon.

    Hva inspirerer deg?
    Jeg blir inspirert av min egen fortid, film, bøker,  internett og chilensk kultur. Jeg vil også si at jeg blir veldig inspirert av andre billedkunstnere. Det er mye bra kunst i Norden, men i det siste så har jeg blitt spesielt interessert i Sør-Amerikansk samtidskunst. Uansett hvor ekspressive eller minimalistiske arbeidene kan være, så liker jeg den politiske undertonen som skriker mot tilskueren. Det er energien derfra jeg blir mest inspirert av.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Personlige erfaringer er en sentral del i mitt kunstnerskap, hvor jeg utforsker ideer om minner, identitet, biografi og kultur. Mine arbeider baserer seg ofte på min familie, populærkulturen og internett. Jeg undersøker hvordan disse temaene påvirker en kollektiv og individuell hukommelse. Tidligere i min praksis så fokuserte jeg mye på det selvbiografiske, men nå nylig har jeg blitt mer interessert i å involvere andre mennesker i mine arbeider. Mennesker som har vært en del av min fortid. Det å prøve å skape en slags dokumentar eller biografi om meg og andre har vært et viktig aspekt i det siste som jeg liker å bearbeide og eksperimentere med i forskjellige medier. Mitt mål er å skape et ærlig portrett av et kollektivt minne.

    Et viktig prosjekt hittil i min karriere er As we recall home. I dette prosjektet fokuserer jeg på minner og personlige historier, i forhold til ideen om et hjem.Jeg inkluderte min chilenske familie i prosessen, for å reflekter sammen, presentere et minne fra da vi var besatt av en chilensk TV-kanal på 90-tallet. Mine foreldres tilflukt i den tiden var å se på, og søke etter kanalen ‘’TV-Chile’’ fordi de ikke følte seg hjemme i Norge. Kjernen i dette prosjektet handler om deres søken etter tilhørighet. Prosjektet ble formet til en installasjon av tegninger, paraboler og video. Det har tidligere blitt stilt ut hos bl.a. Bergen Kunsthall, Høstutstillingen og Galleri Sagene Kunstsmie.

    Hvorfor ble du boende i Oslo?
    Jeg ble boende i Oslo på grunn av familien min. Det var et vanskelig valg for meg etter 5 år i Bergen som kunststudent, fordi jeg ble kjempeforelsket i byen. Så det var en trist break-up med Bergen, men et nødvendig og viktig valg siden kona og datteren min bor i Oslo.

    Hva er det beste med miljøet og byen?
    Oslo har uten tvil et bredt utvalg av mye forskjellig kunst som jeg er veldig fornøyd med. Man får se litt av hvert av kulturlivet som inneholder lokal, nasjonal og internasjonal kunst. Hovedstaden har også et større publikum som er kjekt å se under åpninger. Det er synd at under pandemien blir mange utstillinger avlyst. Jeg ser en tendens til at flere visningsrom/gallerier jobber på spreng med å holde åpent, og vise så mye kunst som mulig. Det imponerer meg faktisk.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Det er så mye som skjer i Oslo og det er en så stor by at noen ganger kan man føle en slags distanse fra miljøet. Nærheten og åpenheten som miljøet i Bergen har er noe jeg savner med Oslo.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg jobber med kunstnerbøkene mine Memoirs of the Chilean mentality og As we recall home. Førstnevnte ble gitt ut i februar, mens den andre gis ut i slutten av november. Tanken om å gi ut en kunstnerbok har jeg hatt i mange år, men stadig utsatt det. Jeg ble mer motivert etter at pandemien kom til Norge, og jeg reflekterte mye rundt mine avlyste utstillinger i fjor.  Derfor ønsket jeg å bringe min utstilling hjem til folk, i form av en bok.

    Jeg jobber også mot to kommende utstillinger, og planlegger en filmfremvisning på Oslo Open i år. Krysser fingrene for at det ikke blir avlyst pga. Koronaviruset.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Min ambisjon er å fortsette å jobbe med kunst i et større atelie med et arbeidsstipend. Har også et ønske om å fortsette å samarbeide med Brynhild Winther, og skape nye installasjoner av tegninger. Vi hadde et godt og spennende samarbeid som studenter på Kunstakademiet, og jeg håper at vi kan videreutvikle nye prosjekter som etablerte kunstnere.

    Jeg ser frem til å stille ut et videoarbeid hos Nasjonalmuseet i 2022. Der skal jeg være med i åpningsutstillingen ‘’Jeg kaller det kunst’’. Det gleder jeg meg veldig til, og jeg håper at det går etter planen.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Det blir for vanskelig å kun velge en kunstner siden jeg kjenner så mange dyktige der ute. Jeg vil gjerne nevne Marianne Løvvik, Tine Gunvaldsen, Dimitri Thomas-Komissarov og Eirik Abri. De lager kunst på høyt nivå og er utrolig hardtarbeidende kolleger som definitivt fortjener mer oppmerksomhet.

    (alle foto: Victor Guzman/Jane Sverdrupsen)

    Skattekurs: Næringsoppgaven for billedkunstnere

    Onsdag 28. april kl 19.00

    Webinaret er for deg som skal levere næringsoppgaven for billedkunstnere og holdes i samarbeid med Fiken.

    Vi vil primært gå gjennom hvordan du kan:
    – Foreta en årsavslutning (inkludert sluttposteringer) i Fiken for billedkunstnere.
    – Hente nødvendig informasjonen fra Fiken (hvilke tall fra Fiken som skal på hvilke poster i næringsoppgaven på Altinn)
    – Sende inn selvangivelsen (inkludert næringsoppgave) fra Altinn.

    Du kan skrive inn dine spørsmål underveis og få svar på det du måtte lure på –
    meld deg på her

    Bergen: Studio available at Isotop

    Info:
    The studio is 32m2 with large windows facing onto the street with direct access to the studio from the street. 
    350kr studio membership per member
    Price: between 5400-6000kr
    Includes electricity, internet, house maintenance and ink jet printer access.
    Members have access to well equipped print and wood workshops, reduced rent on project room/exhibition space and being part of an active community of artists.
    Contact: ablett.amber@gmail.com

    Open call: Nordisk Kunstnarsenter Dale

    Søknadsfrist 20. april 2022
    Nordisk Kunstnarsenter Dale ynskjer no velkomne søknader for opphald i 2022. Biletkunstnarar, arkitektar og designarar oppmodast til å søkje om opphald i tre månader. Kuratorar kan søkje om opphald i ein månad. Vi husar fem kunstnarar om gongen, alle med eige hus og eige studio på 50m2 med nordvendte panoramavindauge. Rolege omgjevnader og flott natur legg rammene rundt det vi ynskjer å tilby – tid og rom til konsentrasjon og fordjuping. Opphaldet gjev stipend og reisestøtte.
    Les meir på heimesidene våre: www.nkdale.no

    Introduksjonskurs til Fiken

    Onsdag 17. mars kl 12.00:

    Vi viser deg som medlem av VISP hva Fiken er og hvordan Fiken kan gjøre din hverdag enklere. Du registrerer kjøp og salg – Fiken hjelper deg med resten. Noe av det vi vil gå gjennom er:

    – Hva er Fiken
    – Utsendelse og oppfølging av din første faktura
    – Ta bilde av kvitteringer og la Fiken tolke de gjennom tekstgjenkjenning

    Webinaret krever ingen forhåndskunnskaper om Fiken eller regnskap forøvrig. Det vil også være mulighet til å stille spørsmål etterpå.

    MELD DEG PÅ HER

    Vi kommer også til å arrangere skattekurs med Fiken om Næringsoppgave for billedkunstnere når frist for innlevering nærmer seg!

     

    Jo Ravn Abusland

    Hva jobber du med?
    Jeg jobber nokså intuitivt og utforskende. Men med det som metode er det nokså ulikt hvordan det uttrykker seg fra prosjekt til prosjekt. Som regel liker jeg å ta hånd om så mye som mulig av prosessen selv. En må jo ta konsekvens av hvem man er som person og jobbe deretter, for meg passer det godt at yrket er en god blanding av teori og praksis.

    Hva inspirerer deg?
    Bøker. Det er ofte bare en setning i en bok som henger seg litt fast. Bøker i bokform er best, da kan en notere i margen, brette hjørnene og understreke. Jeg liker også godt å dagdrømme på lange foredrag.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Det er vanskelig å beskrive for jeg har en ganske sammensatt kunstnerpraksis.

    Som regel er det romlig og kroppslig. Samtidig skjørt og taktilt. Jeg tenker at hvordan man ser på naturen og hvordan man definerer det man har rundt seg er viktig for meg. Jeg jobber med problemstillinger som tar for seg identitet og annerledeshet. Helst jobber jeg stedsspesifikt med steder og historier.
    I det siste har jeg brukt mye tid på trærs rettslige beskyttelse, relikvier av trær og gamle fredede trær. Det har vært veldig spennende å lese seg opp på og utforske. Jeg stilte et innbyggerspørsmål i bystyret for å bevare og koordinatfeste et krokete tre som er plassert på den historiske plassen til den gamle byfurua i Kristiansand (den det fortsatt finnes relikvier av). Det ble ikke aktuelt fordi den ifølge protokollen «var for snål» i utseende. Og prosjektet endte opp med at ordføreren og Halfdan Tangen i stedet plantet et nytt mer symmetrisk og rett tre med en litt penere plassering. Så nå har vi en uoffisiell og en offisiell byfuru i Kristiansand.

    Hvorfor ble du boende i Kristiansand?
    Jeg ble værende på grunn av naturen. Jeg savner jo storbyer, men det viste seg at jeg savnet havet og skogen enda mer. Når resten av verden klager på hjemmekontor er jeg veldig glad for å endelig ha verkstedet mitt der jeg bor. Samtidig er jeg en sykkeltur unna sentrum, selvforsynt med ved og kan rusle over veien ned til den offentlige brygga ved fjorden. Med internett kan man jo jobbe nesten hvor som helst. Som transperson har dette ikke akkurat vært letteste plass å vokse opp, det har vært mye motstand fra flere hold.  Så det har også vært bra for meg å dra tilbake til plassen og ta tilbake plassen. Dette var jo et sted jeg ikke kunne komme meg fort nok bort fra.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Det er mange bra folk her som gjør at det er et fint sted å bo. Og det er flere profesjonelle kunstnere som bosetter seg her nå enn før.

    Cultiva Express er en veldig bra støtteordning for de under 35 år. Den er en bra generator for kreative krefter i byen. I tillegg til Kristiansand Kunsthall, Sørlandet Kunstmuseum og Agder Kunstsenter har vi Arteriet, som er det eneste kunstnerdrevne galleriet i byen, det kunne vi nok hatt flere av.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Jeg savner foredrag, kunstnerpresentasjoner, møter med kunstnere fra andre steder. Mer faglige relevante arenaer. Jeg er ikke fremmed for å dra inn til Oslo for å gå på et foredrag. Men skulle ønske det ikke tok 12 timer med tog til Bergen, her er det jo raskere å komme seg til Danmark. Jeg savner en seriøs kulturjournalistisk satsing i den lokale avisen. Vi har jo heller ingen kunstutdanning her, men en forskole hadde det nok vært rom for, og den kunne nok gjort en del for miljøet og landsdelen.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Nå jobber jeg med en kunstnerbok i forlengelse av et prosjekt jeg hadde i Kristiansand Kunsthall, på utstillingen Det forjettede land, akkurat da pandemien slo til. Jeg gjorde mye research på gamle furutrær i regionen og knyttet det opp mot identitet og tilhørighet.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Jeg har brukt den siste tiden med korona-kansellerte prosjekter og utstillinger til å gjøre noen oppgraderinger slik at verkstedet mitt nå er et helårsverksted. Så det jeg nå gleder meg til er å legge nye planer og ta tak i større og mer langsiktige prosjekter. Det første på programmet er en større gruppeutstilling i 2022.
    Nå er jo reising ikke en mulighet, men når den tid kommer igjen håper jeg at jeg kan dra og besøke samarbeidspartnere jeg nesten kun har møtt på zoom.
    Og jeg har ambisjoner om å bruke verkstedet mitt til noe mer enn bare et verksted.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Pia Eikaas, en kollega som virkelig har vært en kollega, vi har jobbet på mange prosjekter sammen de siste årene. Nå sist med en workshop om kunstnerbøker i Kristiansand Kunsthall. Hun har en nomadisk praksis. Bor og jobber i København og Kristiansand. Og hun er snart på vei til å flytte til Oslo.

     

    Billedliste:
    Furu 1909-d.d. (Gran 1643-1909)
    , innkjøpt av Sørlandets Kunstmuseum.
    Foto: Kristiansand Kunsthall

    Merket til felling, neonspray på rutepapir.

    Vi er alle mutanter, 47 firkløvere i rammer

    Funnet furu foran I am myself only an Other

    I am myself only an Other, blyant på papir, 55 ark, 312,5 cm x 184 cm.

    Mångata, del av installasjon,

     

    Arbeidsopphald ved Leveld Kunstnartun

    Søknadsfrist 1. april 2021 kl. 23:59
    Fristen for å søke arbeidsopphald på LKT A.i.R. frå 1. september 2022 – 1. september 2023 er måndag 1. april 2021.
    Me oppfordrar til å søke opphald på 2 til 3 månader.
    Utvalet av kunstnare er basert på kunsterisk aktivitet og kvalitet.
    Me tar imot søknader frå profesjonelle kunstnarar frå alle felt; biletkunstnare, forfattarar, kuratorar, filmskaparar, danserar, scenekunstnarar, musikarar, komponistar, kunstnarar innafor nye mediar og arkitektar. Det er til ein kvar tid tre kunstnare på tunet, og eit opphald er på 1- 3 månader.
    LKT opnar hausten 2021 ein grafisk verkstad og me oppfordrar biletkunstnare som arbeider med grafiske teknikkar om å søke.
    Opphold på LKT er gratis.
    Søknadsskjema og meir informasjon på:

    Online informasjonsmøte om Leiga – se opptak!

    (English below)

    SE OPPTAK AV MØTET HER, bruk kode *%bn7.82

    VISP inviterer kunstnere bosatt i Vestland til et kort informasjonsmøte om Leiga.no førstkommende fredag kl 15.00. Meld deg på her.

    Prosjektleder Veronika Heilund og daglig leder Aslak Høyersten vil gi en innføring i hvordan nettsiden skal fungere, løsninger for betaling, forsikringsregler med mer, samt hvordan Leiga.no vil være for deg som kunstner. Det vil selvfølgelig være mulig å stille spørsmål underveis!

    Leiga.no er et prøveprosjekt igangsatt av VISP for å utforske løsninger for utleie av kunst. I første omgang vil nettsiden kun representere kunstnere bosatt i Vestland fylke, men vi har en ambisjon om å utvikle Leiga videre.

    HUSK: for å søke om å bli med på Leiga.no må du være medlem i VISP, bosatt i Vestland fylke, ha kunstnerisk utdannelse høyere enn BA-nivå, høy utstillingsaktivitet m.m. – les mer her.

     

    English:

    VISP invites all visual  artists living in Vestland county to a short information meeting about Leiga.no this Friday 15.00. Sign up here.

    Project Manager Veronika Heilund and Managing Director Aslak Høyersten will introduce how Leiga.no will work, payment solutions, insurance, and how Leiga will work for you as an artist. It will also be possible for you to ask any questions you may have.

    Leiga.no is a pilot project initiated by VISP to explore the possibilities of art rental. For now, Leiga will only represent artists living in Vestland county, but we have ambitions to expand further.

    Remember: in order to be represented by Leiga, you need to meet some requirements – read more here.

    Webinar: Oslo kommunes støtteordninger

    SE OPPTAK AV WEBINARET HER

    Tirsdag 2. mars kl 13.00, påmelding her.

    VISP og B-OA inviterer til webinar om Oslo kommunes tilskuddsordninger for det visuelle feltet. Geir Rege, seksjonsleder for tilskuddsseksjonen, vil informere om eksisterende ordninger, stipend og søknadsfrister, samt gi gode tips til søknaden. Webinaret avholdes på zoom og deltagerne kan stille spørsmål underveis. Man kan også følge webinaret på vår Youtube-kanal, hvor det også kan oppleves i ettertid.

    Geir Nikolai Rege har jobbet i Kulturetaten i Oslo kommune siden 2018 og har blant annet ansvaret for kunstnerstipendene og driftsstøtte til kunst- og kulturinstitusjonene i Oslo. Han er utdannet ved Griegakademiet og UiB, og har tidligere jobbet i Kulturdepartementet, Kulturrådet, byrådsavdelingen i Bergen kommune, Bergen Nasjonale Opera og BIT20 Ensemble.

    Vestland: Open call til ny nettside

    (English below)

    INFORMASJONSMØTE FREDAG 19. FEBRUAR KL 15.00!

    Kunstguide.no blir til Leiga.no!
    I mars forsvinner kunstguide.no og blir til Leiga.no – en helt ny nettside som enkelt lar deg se, kjøpe og leie kunst online. Leiga er en ny måte å oppdage og bestille kunst på, uten forpliktelser. Finn kunstverk du liker og ta dem med deg hjem – i noen måneder eller for alltid – opplev kunst på DIN måte.

    Vil du bli med?
    Vil du leie ut din kunst via Leiga.no? Som kunstner på Leiga.no vil du ha muligheten til å leie ut og selge dine kunstverk på en enkel måte til et nytt publikum, mens vi tar oss av papirarbeidet og betalingsprosessen. Kunder kan leie et kunstverk til 5% av kunstverkets verdi per måned, og dersom kunden leier verket i 20 måneder eier kunden verket. Kunden er selv ansvarlig for forsikring og opprettholdelse av leieforhold. For å drifte nettsiden vil Leiga ta 20 % i formidlingshonorar til administrasjonsutgifter, betalingsløsning og markedsføring. Formidlingshonoraret trekkes fra innbetalingen fra kunden, og de resterende 80 % blir utbetalt i faste intervaller direkte til kunstneren.

    Søknadsfrist er 22. februar (selv om du allerede er representert på kunstguide.no må du likevel søke om opptak på Leiga).

    NB: Leiga er prøveprosjekt og er derfor i første omgang kun for kunstnere bosatt i Vestland. Vi har en ambisjon om at vi klarer å utvikle en ny måte å kjøpe og oppleve kunst på, og at denne modellen kan videreføres i andre deler av landet også.

     

    Kriterier
    Kriterier for deltakelse på Leiga.no er:

    -Kunstnerisk utdannelse; BA-nivå eller høyere

    -Høy kunstnerisk aktivitet (utstillingshyppighet)

    -Medlemskap i VISP

    -Bosted Vestland (tidligere Hordaland og Sogn og Fjordane)

    Ved annen utdannelse kan kunstnerens aktivitet vektlegges. Fagutvalget står også fritt til å foreta skjønnsmessige vurderinger.

    For å søke om å bli representert på nettsiden, send følgende info til fagutvalg@leiga.no:

    -CV

    -Lenke til hjemmeside

    -Max 4 (fire) bilder av egne verk som representerer ditt nåværende kunstnerskap

    Det er ikke fastsatt et bestemt antall kunstnere som kan bli representert via Leiga. I første omgang vil alle som blir godkjent av fagutvalget få tilbud om representasjon.

     

    Fagutvalg
    Vi har et dyktig fagutvalg bestående av Kay Arne Kirkebø (representant for BKFH), Kristina Aas (representant for NKVN) og Heidi Bjørgan (representant for VISP), og tar imot søknader fra kunstnere bosatt i Vestland fylke frem til 22.02.

    KAY ARNE KIRKEBØ
    Kay Arne Kirkebø (f. 1979) har en mastergrad i kunst fra Kunst- og designhøgskolen i Bergen, og jobber hovedsakelig med tegning i bilde-, video- og bok-/fanzineformat. Han er kjent for sine detaljrike tegninger av arkitektur og bylandskap: https://www.kayarne.net/

    KRISTINA AAS
    Kristina Aas (f. 1978) er utdannet ved Kunst- og designhøgskolen i Bergen, og har siden 2013 jobbet mest med digital jacquardvev. Samtidig arbeider hun også med tekstil innen broderi, installasjoner og collage. Verkene hennes tar tekstilkunst til et nytt nivå med moderne teknologi: https://kristina-aas.com/

    HEIDI BJØRGAN
    Heidi Bjørgan (f. 1970) er utdannet keramiker ved Kunsthøgskolen i Bergen og Konstfack Stockholm. Gjennom sitt arbeid som kunstner og kurator har hun utfordret diskursen knyttet til kunsthåndverk i Norge, gjennom bruk av materialer, arbeidsmetoder og utstillingsdesign: https://www.heidibjorgan.com/

    Leiga har mottatt støtte fra Kulturrådet, Bergen kommune og Vestland fylkeskommune og vil driftes av VISP som et prøveprosjekt, foreløpig for de neste tre år.

     

    English:

    INFORMATION MEETING FRIDAY FEBRUARY 19 AT 15.00!

    Kunstguide.no becomes Leiga.no!

    In March, Kunstguide.no will disappear and turn into Leiga.no – a new concept that lets you see, buy and rent art online. Leiga is a new way to explore and discover art, no strings attached. Find artworks that you love and bring them home, for a few months or forever – experience art YOUR way.

    Do you want to join?

    Do you want to rent your art through Leiga.no? As an artist represented by Leiga, you will have the opportunity to easily rent and sell your artworks online while we take care of the payment process and the paper work. The customers will be able to rent artworks to 5% of the price, and if they keep it for 20 months they will have paid the full price and thus own it. The customer is responsible for insuring the artwork during the rental period.

    In order to run the website, Leiga.no will require a 20% fee. The fee will be deducted from the payment and the remaining 80% will be paid out directly to the artist.

    Apply before February 22nd!

    Leiga.no is a pilot project and will for the moment only represent artists living in Vestland county, but we have ambitions to expand!

    Requirements
    The requirements for applying are:

    -Art education (B.A. or higher)

    -Activity (project and exhibition frequency)

    -VISP membership

    -Living in Vestland county

    If the education requirement is not met, other activities may be emphasized. The committee is free to make decisions at their discretion.

    To apply for representation at Leiga.no, send an email to fagutvalg@leiga.no with the following information:

    -CV

    -Link to artist’s website

    -A maximum of 4 (four) photos of artworks by the artist

    The committee
    We have a skillful committee consisting of Kay Arne Kirkebø (representing BKFH), Kristina Aas (representing NKVN) and Heidi Bjørgan (representing VISP). They will accept applications until February 22nd.

    KAY ARNE KIRKEBØ
    Kay Arne Kirkebø (1979) has a master’s degree from Bergen Academy of Art and Design, and he mainly works with drawings in picture format, video format and book/fanzine format. He is known for his detailed drawings of architecture and city landscape: https://www.kayarne.net/

     

    KRISTINA AAS
    Kristina Aas (1978) has her education from Bergen Academy of Art and Design, and she has, since 2013 mostly worked with digital jacquard loom. She also works with textile such as embroidery, installations and collage. She brings textile art to a new level with modern technology: https://kristina-aas.com/
    HEIDI BJØRGAN
    Heidi Bjørgan (1970) is a ceramist educated at Bergen Academy of Art and Design and Konstfack Stockholm. As an artist and curator, she has challenged the discourse on handicraft in Norway through her use of materials, working methods and exhibit design: https://www.heidibjorgan.com/
    Leiga.no has received funding from Kulturrådet, Bergen kommune and Vestland fylkeskommune. The website will be run by VISP as a pilot project, provisionally for the next three years.

    Lorie Ballage

    What is your expression?
    Ceramic is my main form of expression. While every outcome is never how I pictured it, it is the resistance of this material that fascinates me. From incorporated «bric à brac», found objects, construction and gardening materials, these sculptural collage enable ruptures and confrontations that would enhance the ceramic work by the means of sculptural installations with notions such as fragility, instability and lack of control.

    What inspires you?
    My artistic practice started from my phobia of the sea and its ungraspable depths. If we take fear as a cause from lack of control, understanding and knowledge, then the best way to overcome one is to dig into it. It is in Scotland that I started scuba diving. At each immersion, my fascination grew bigger until feeling more myself underwater than anywhere else.

    However, while I have always sought to find the unknown in the depths of the abyss – the unexplored seas, I have come to realize that failure itself is nothing less than the best tool to explore the unknown. Without the courage to fail, we never find the limits to exceed them; Failure is an education and an invitation to experiment.

    How would you describe your art?
    On the drifts of a journey around the unfeasible, useless gestures and failures to come, my work is a dedication to tragedy as a grand ideological narrative.
    The sculptural installations produced can be perceived as utopian errors aiming to represent the potentialities of failure – thrills which result from unfortunate events, loss of control and uncertainty. The error has an inherent aura of resistance in which resides the nuances, the mistakes, the flaws, all the things that define us as individuals.

    While the sea has always framed my artistic inspirations, the impossibility and the resistance of my works such as in the project I promised you the sea – a boat built in clay within a six months process and bound to collapse – is about the commitment to the struggles of unpracticalities, pointless labors, suspensions and fated failures.

    In the ongoing series of functional disorders, I explore the idea of functionality through notions around the sea buoy object. While the buoy constantly undergoes conflicts of atmosphere and depth, the intention of this intrusive body of artificial materials is to create a collision within a vast element composed by a rhythmic and iterated surface. It is this disagreement in this harmony that reveals its primary function, marked and anchored despite the elements. But what would happen if that very same buoy ended up stranded on dry land with nothing but gravity to hang from, weightlessness and buoyancy forgotten?

    While the production of objects derived from the sea has always taken an important place in my artistic practice, the exhibited proposals have never been presented other than on dry land, without contact with water. In this resistance, it emanates from these objects an impossibility of adaptation. But it is this transformation by the extrusion of the initial medium that reveals the incapacity of these objects on dry land. The particular underwater universe has the ability to portray resistance and force adaptation. The aquatic fantasies within my projects aim to delicately question the structures, the limits and the disparities that shape our world.

    How did you end up living in Bergen?
    I travelled to Norway when I was younger and its vibrant lights striking its unlimited waters never really left me. So I came back in 2015 for a master in Fine Art in Bergen and developed my practice here ever since.

    What do you like about the artscene and the town?
    The art scene in Bergen is very vibrant: always something to see, always something to do. There are many opportunities given to recently graduated artists and foreigners, which is very valuable as it allows a constant fresh energy to flow around the city. The cultural realm here never stops to grow.

    What could be better in the local artscene?
    There are many strong scenes within the dance, theater, music and contemporary arts in Bergen, but they remain divided. It would be very thrilling to find opportunities to clash divisions and open up new dialogues.

    What are you currently working on?
    The incorporation of the aqueous body into my sculptures is a new approach into my works. With the / Fountains # series, the intention is to represent fictitious, real and seductive anomalies by developing floating, flowing and overflowing devices, impractical and non-functional systems. It brings both candor and a visible fragility through the relationship between water and the sculptures. The notion of instability, a rupture that can occur at any time by the resistance of water or simply by the very fragility of ceramic are the primary parameters of my current research. The flow, the fall, the overflow, the flood, all these notions which are an abstraction of control can manifest this inherent force which will always exceed us.

    What are your ambitions and plans for the future?
    I have a show coming up in april at KRAFT and some very exciting collaboration projects.
    Aside, I am also currently opening up with two other professional ceramists a ceramic workshop entitled Cone 7 in Laksevåg. Our ambition in this project is to create an open cultural platform and community to promote the ceramic realm and its application in art, design and craft.
    Open to artists, designers, and anyone willing to experiment with clay, the workshop shall facilitate various research methods, courses and other arrangements. We plan to sustain a kiln room, a glaze laboratory, a plaster corner, and a FabLab with a 3D Clay Printer. As an open ceramic workshop where classes will be held, artists will also be able to rent a space or a technician to complete their specific projects. Ceramic is a long process that demands time as it involves the making, the drying, the glazing and the firing processes.

    Who of your colleagues deserves more attention?
    Mari Norddahl for her «soft objects» and Eleonore Griveau with her master graduating piece «Valeur Limite».

    (photos by Lori Ballage and Thor Brødreskift)

    WEBINAR: Søknadshjelpen er her – se opptaket!

    Tirsdag 16. februar kl 13.00, påmelding her.
    Sliter du med å finne ordene når du skal søke om prosjektstøtte? Hvordan søke på en utstillingsplass når du ikke vet hva du skal vise?

    Og hva i alle dager skal man ha med i budsjettet?

    I dette kurset går vi gjennom noen grunnleggende tips til hvordan skrive søknader om prosjektstøtte og utstillingsplass.
    Hvordan organisere bildemateriale, hvordan beskrive prosjektet på en måte som øker sjansene for å få tilslag, og hvilke ulike støtteordninger som finnes, lokalt og nasjonalt.
    Kurset fokuserer hovedsakelig på norske ordninger. Noe av informasjonen kan være nyttig i forbindelse med søknad til arbeidsstipend (statens kunstnerstipend), men for å
    holde det oversiktlig blir det ikke fokus på denne typen stipender i dette kurset, det tar vi heller et eget kurs på når fristen i oktober nærmer seg.
    Kurset vil også sendes live på VISPs egen Youtube-kanal, du kan se opptak av webinaret der i ettertid.

    Kursholder Erik Friis Reitan (f.1979) er billedkunstner og for tiden doktorgrads-stipendiat ved Kunstakademiet i Bergen. Han har bakgrunn fra en mengde styrer og faglige utvalg/juryer, og sitter for tiden i styret for Norske Billedkunstnere. 

    Tverrgående ordninger i Kulturrådet

    Webinar tirsdag 9. februar kl 14.00
    Velkommen til webinar med Kulturrådet om tverrgående ordninger for kulturaktører på Vestlandet.
    Utvalgsleder og nestleder i rådet, Maria Utsi, vil sammen med en eller flere rådgivere i administrasjonen (TBA) presentere tilskuddsordningene som behandles av utvalg for tverrgående ordninger og svare på spørsmål fra deltakerne.
    De aktuelle ordningene er
    Tverrfaglige tiltak (frist 2. mars)
    Gjesteoppholdsstøtte (frist 2. mars)
    Aspirantordningen (frist 2. juni)
    ARENA (frist 2. juni)
    Det er gratis å delta på webinaret, men det krever registrering:
    https://zoom.us/webinar/register/WN_qv4QyJcnStGZN6Nha14nXg
    Hjertelig velkommen!
    Arrangørene er følgende regionale organisasjoner:
    Tekstallianse (litteratur, Vestland og Rogaland)
    Brak (musikk, Vestland)
    STAR (musikk, Rogaland)
    Proscen (scenekunst, Vestland)
    RAS (dans, Rogaland)
    VISP (visuell kunst,nasjonalt)
    Rogaland Kunstsenter (visuell kunst, Rogaland)
    Elefant (kreativ næring, Rogaland)
    PreForm (kunstproduksjon, Fjaler)
    Foto: Øyvind Arvola

    WEBINAR: Bergen kommunes støtteordninger

    Onsdag 20. januar kl 11:00:

    VISP inviterer til informasjonsmøte om Bergen kommunes tilskuddsordninger for det visuelle feltet. Synnøve Marie Vik og Ragni Stoltenberg, rådgivere ved fagavdeling for kunst- og kulturutvikling i Bergen kommune, informerer både om eksisterende ordninger og endringer i disse, og presenterer flere nye ordninger som kan være aktuelle for feltet.

    Har du spørsmål eller ting du ønsker at Synnøve og Ragni snakker om på møtet kan du gjerne melde dette inn på forkant: aslak@visp.no.

    Det blir mulig å stille spørsmål underveis, webinaret kan også oppleves på youtube, både direkte og i ettertid.

    PÅMELDING

    Thomas Falstad

    Hva jobber du med?
    Jeg jobber nesten utelukkende med maleri.

    Hva inspirerer deg?
    Det er så mye – jeg siler ut de tingene som har de skarpeste silhuettene og som bryter gjennom mylderet. Å se en god kunstutstilling kan selvfølgelig være veldig inspirerende. Jeg har veldig smal smak da…det kan gå måneder mellom hver gang jeg ser en virkelig god utstilling (og ikke bare fordi jeg nå bor i Lofoten – jeg hadde det likedan da jeg bodde i Oslo, Brussel eller London). Redningen blir internett – der har jeg sett så mye fantastisk kunst, ting jeg sannsynligvis aldri får sett i virkeligheten. Det som fengsler mest sparer jeg på og poster på bloggen min, som en huskelapp. Det å reise til et nytt sted er inspirerende – da kjenner jeg at jeg vokser som menneske, og det er deilig. Rundet 40 for noen år siden, og føler meg litt blasert innimellom. Lett å tenke at man har sett alt uti der… Da er det fint å ha en to-åring i huset. Gjennom hennes øyne oppdager jeg verden på nytt. Jeg skiller ikke mellom høyt og lavt. Jeg henter like mye fra obskure filmer, magasiner og gamle foto som fra kunsthistorien – for ikke å glemme all den kunsten som har blitt oversett oppigjennom årene.

    Å utforske randsonen av sivilisasjonen interesserer meg – Å gå i industriområder, langs jernbanespor, under broer – steder som er litt off limit, man kan kalle dem «ikke-steder». Bunkere og ruiner er jeg evig fascinert av. Hører også mye på musikk når jeg jobber – black metal, ambient eller britisk undergrunnsrap – alt som får meg inn i en annen sinnsstemning – vekk fra det ordinære og konforme norske samfunnet, og inn i et univers jeg kan skape noe i.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Motivene jeg lager reflekterer både harmoni og brudd, og er både gjenkjennelig og fremmed på samme tid. Disse bildene fremstiller et psykologisk landskap forankret i min egen personlige historie. Jeg ønsker å oppnå et åpent og antydende maleri, hvor bildene refererer til hverandre og sammen danner et stadig voksende univers som omhandler eksistensiell erfaring og uro, samtidig som det handler om maleriet i seg selv. De formale problemstillingene jeg møter på atelieret er en sentral drivkraft for meg. Jeg mener et godt kunstverk må ha motstand i seg for å fungere. En knekk, en skjønnhetsfeil eller noe annet som skaper friksjon.

    Mitt hovedmateriale er oljemaling – noe jeg aldri blir ferdig med. Motstanden dette mediet gir meg er perfekt for mitt uttrykk. Det lever sitt eget liv, og gir næring til skapertrangen. Hvert verk har sin egen indre logikk, og krever forskjellige tilnærmingsmetoder. Iblant starter jeg med en skisse, som jeg igjen bryter med underveis i prosessen. Andre ganger starter jeg verket med et salig rot, og lager rene søledammer som jeg jobber meg inn i underveis. Jeg lar det oppstå en form for kontrollert kaos som jeg rydder opp i underveis. Jeg holder på til en atmosfære oppstår, og det føles som at det ligger et «slør» over flaten. Bildet river seg da løst, og jeg blir overflødig. Det er som om bildet begynner å bestemme selv. Det kan skje helt plutselig. Da gjelder det å være årvåken og tilstede for å ikke risikere å overarbeide eller ødelegge bildet. Jeg har destruert en god del verk gjennom tidene. Nå har jeg fått et mer avslappet forhold til verkene enn før – de får ta den tiden de trenger. Noen ganger er bildene ferdige på 2 dager, andre ganger et halvt år. Iblant aldri.

    Hvorfor ble du boende der du bor?
    For tiden bor jeg i Lofoten, et ganske utypisk sted for et bymenneske som meg – hvordan jeg havnet her er vel en kombinasjon av behovet jeg hadde for forandring den gangen og overkommelige boligpriser. Det er ikke det at jeg er så hekta på friluftsliv og fjell. Det er jo langt unna alt, men heldigvis så kommer verden til Lofoten iblant.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Folk er hyggelige og det er lav terskel for å ta kontakt. Vi hadde jo ikke overlevd her ellers. Når det kommer til kunstscenen, så har jeg ikke veldig mye kontakt med det miljøet. Unntaket er samboeren min Rina, som også er kunstner. I kommunen jeg bor i er ikke kunst og kultur høyt prioritert, men det gjør ikke så mye – blir suget for sterkt kan vi alltids sette oss i en bil, eller ta et fly. Det beste med stedet er vel arbeidsroen jeg finner her. Alt er et steinkast unna, og jeg har atelier i huset vi bor i. Naturen er selvfølgelig monumental.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Hadde vært flott med en kunsthall oppi her da, med et ambisiøst helårsprogram. Savner å se samtidskunst på jevnlig basis. Savner også å snakke med andre maleri-nerds. De fleste kunstnerne jeg kjenner til her jobber med andre teknikker og uttrykk.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg jobber for tiden med noen svære formater. De er mer fysiske og taktile enn før. Noen av dem kan jeg ikke spenne opp; da hadde de fylt opp atelieret og vært umulig å få ut av døren. Først i utstillingsrommene får jeg sett disse verkene helt ferdige. I tankene har jeg også en serie mindre arbeider på papir. Dette blir en videreføring av en serie verk jeg lagde 7 – 8 år tilbake og som jeg nå føler kan videreutvikles og bli til noe.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Har ingen overordnet plan annet enn å gå på atelieret hver dag. Jeg blir aldri lei av å bare stupe inn i et stort bilde og ikke vite helt hvor det tar meg. Ambisjonen er å fortsette å være en forkjemper for maleriet. Akkurat det er jo en oppgave som er mer takknemlig i dag, enn for 20 år siden – da var det jo nærmest forbudt å male. Heldigvis er vi forbi den tiden der…

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Jeg syns Tarald Wassvik lager mye bra. Han har beveget seg under radaren en stund, men har de senere år fått vist arbeidene sine i flere fine utstillinger, nå sist med en solopresentasjon på Elephant Kunsthall. Flere burde se nærmere på denne spennende maleren.

     

     

    Nina Bang

    Hva jobber du med?
    Jeg arbeider med forskjellige medier, som maleri, grafiske teknikker, neon og digitale medier.  I verk integrert i bygg har jeg ofte jobbet med glass, og har fått mye erfaring med å bearbeide store glassflater med digitaltrykk, folier og silketrykk.

    Hva inspirerer deg?
    Å se, lese, finne ut og forstå.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg interesserer meg for naturhistorie og hvordan menneskers kartlegging og erobring av verden påvirker naturen. Dette avspeiler seg i flere  av mine arbeider.

    I det skulpturelle veggarbeidet «Bonin Pigeon Revival» er mitt utgangspunkt British Natural Museums tekstbeskrivelse av interferensen i fargespillet til en japansk skogdue, boninduen, som ble utryddet i 1886.

    Neonarbeidet «Selvportrett med Darwins Finker» fra 2017 er inspirert av Charles Darwins skisser fra hans reise med HMS Beagle til Galapagos. Hans studier av finke-nebbenes variasjoner bidro til å endre menneskenes bilde av den bibelske skapelseshistorien. Mitt eget selvportrett er delvis tilstede i neoninstallasjonen.

    Animasjonen «Red List Red» og den digitalprintede silkepapirbaldakinen «Listening» er visualiseringer av rødlista for fugler, 11864 arter, med kategoriene for fare og utryddelse.

    Det skiftende lyset og himmelen er natur vi ofte har til rådighet, også inne i bygg.

    Jeg liker å bruke transparente medier. Ved å bringe inn og forsterke de fargene som finnes i lyset i et transparent og reflekterende medium kan jeg påvirke rommets atmosfære. Dette har jeg fått anledning til å jobbe med også i noen store arbeider, blant annet som i «Samklang» i Emmaboda Hâlsocentral og «Dynamo» i Sam Eyde videregående skole i Arendal. 

    Hvorfor ble du boende i Oslo?
    Fordi Oslo er en liten, men innholdsrik by med aktivt kunstliv.
    Det er fred og ro til konsentrasjon, og samtidig kort vei til byer som Berlin og Paris hvor jeg bor i perioder. Her jeg bor på Rodeløkka er det 15 minutter til både skog og sjø.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    De mange gode kunstnerdrevne galleriene og kollegaene. Naturen rundt Oslo.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Fungerende store kunstinstitusjoner, som Nasjonalmuseet.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg jobber mot en separatutstilling til ØKS, Østfold Kunstsenter i Fredrikstad. Samtidig jobber jeg med research på biosemiotikk og forholdet mellom del og helhet i naturhistorisk forskning.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Å få fortsette med arbeidet mitt som kunstner.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Her er lista like lang som hele feltet, men Terje Roalkvam er en utrolig fin konseptuell kunstner.

     

     

    Taxes, rules and regulations – crash course for visual artists

    December 8, 12:00, Zoom, registration here.

    In this webinar, Kristoffer Vassdal from PriceWaterhouseCoopers will try to answer questions many non-Norwegian artists have about registering and running a business in Norway as an independent artist. Topics include:

    -how to register your business (foretak)

    -when and how to pay taxes

    -tax form

    -deductions

    -taxes on stipends and other public funding/scholarships

    -income from your art practice contra other income

    -VAT

    The webinar will be held on December 8 at 12:00 on Zoom and there will be a q&a-session for all your questions. The webinar is open to non-Norwegian speaking members of VISP – membership is free and can be registered here.

    The webinar will be held solely in English and will also be streamed live on our YouTube-channel

    (You can find the link to the recording of the webinar and Kristoffer´s presentation here)

    Utopiverkstedet

    Espen Johansen om Festspillutstillingen 2020: Joar Nango

    Utstillingen starter i Joar Nangos mobile, samiske arkitekturbibliotek, Girjegumpi, som for anledningen er dekonstruert og plassert ut langs gulv og vegger. En omfattende boksamling om samisk arkitektur, håndverk, fagbøker om urfolk og dekolonialiseringsperspektiver, plasserer umiddelbart Nangos prosjekt i en større sammenheng og oppfordrer betrakteren til å utvide sin kunnskapshorisont. Dette er et didaktisk og sympatisk grep, og det er ikke bare konseptuelt at Nango knytter seg til større sammenhenger; samarbeid står sentralt i hele hans kunstnerskap, noe den lange deltakerlisten til utstillingen signaliserer.

    I ukene før utstillingsåpning hadde Nango rigget seg til på Festplassen sammen med blant annet kobbersmeden, Lajos Gabor, hvor de produserte ulike arbeid til utstillingen. Denne kollektive prosessen varte tilsynelatende helt fram til utstillingsåpning, da materialer og redskap ble flyttet inn i Kunsthallens saler, sidestilt med de mer tradisjonelle kunstverkene. Utstillingen er en pågående, kollektiv prosess som bare midlertidig er satt på pause, og jeg opplever den derfor som «levd i» mer enn som en ren scenografi. Tingene som er der har et potensiale og egenverdi, og kan kanskje bli brukt til noe; om ikke nå så senere. Dette forsterker følelsen av utstillingen som en arena for dialog og læring.

    Samtidig trekker utstillingen også fram en nødvendig form for avlæring, ettersom det meste av samenes historie er skrevet om dem og ikke av dem. Et eksempel på dette er Wilhelm Christies sametromme, som er innlånt fra Universitetsmuseet i Bergen. Christie ønsket en sametromme til sine samlinger og i sin iver endte han opp med en grønlandsk tromme i stedet. I et forsøk på å restaurere trommen fikk han den dekorert med samiske illustrasjoner dokumentert av misjonærer. Løsrevet fra sin historiske og kulturelle kontekst og vandalisert i forsøket på etnografisk formidling, framstår trommen som et vitnesbyrd om historieskrivingens metodefeil. Utenfra-blikket tematiseres ytterligere i verket Rákkas, som Nango har laget i samarbeid med Katarina Spiik Skum; en installasjon med tekstiltrykk montert i en provisorisk leirplass. Trykkene viser til illustrasjoner laget til misjonæren Knud Leem sine reiser til Sápmi på midten av 1700-tallet av en ukjent kunstner. De nokså virkelighetsfjerne illustrasjonene virker grovt karikerte, men blir likevel viktige skildringer da de er blant de eldste visuelle representasjonene av samisk arkitektur. Hvilken verdi har slikt arkivmateriale, og hvordan kan man anvende dem uten å reprodusere det kolonialistiske tankegodset som skapte dem? Gjennom den kunstneriske bearbeidelsen tilfører Nango et nytt lag i historieskrivingen og belyser problemer knyttet til arkivets vurderingsskjevhet.

    Det er sjenerøst å invitere inn flere kunstnere til den prestisjetunge (solo-)utstillingen, og denne kollektivistiske holdningen og de mange ulike bidragene beriker utstillingen, gir den en voldsom vitalitet og får den til å framstå relevant, raus og oppriktig. Også teoretikere, forskere og dansere inngår i det omfattende sideprogrammet, og bidrar til ytterligere å kontekstualisere utstillingen og utvide nedslagsfeltet.

    Tidligere i høst deltok jeg på et «Utopiverksted» med økologisk økonom, Ove D. Jakobsen, hvor han argumenterte for et alternativ til kapitalismens måte å systematisere verden på. Han påpekte at de største globale problemene vi står ovenfor knyttet til miljø, samfunn og økonomi henger sammen og forsterker hverandre, men at ingen vitenskapelig tilnærming klarer å fange opp kompleksiteten i problemene og dermed heller ikke klarer løse dem. Vi er med andre ord i ferd med å kjøre ned et blindspor hvor vi forsøker å fikse problemer med den samme tilnærmingen som forårsaket dem til å begynne med. En permanent og fundamental endring krever at vi flytter fokuset bort fra en statisk, selvbekreftende (kapitalistisk) ideologi og «det som er,» og snarere fokuserer på dynamiske utopier og «det som kan bli»; det er først når vi slutter å spørre «hvordan framtiden vil bli», men snarere spør oss selv, «hvilken framtid ønsker vi?» at forandring kan finne sted. Det samme tankegodset jeg fikk forklart av Jakobsen får jeg demonstrert av Nango. Det Nango kaller «den samiske improvisasjonskompetansen» ligner kanskje på sirkulærøkonomi i praksis, når man har fjernet begrepet fra politisk og kommersiell grønnvasking, villedende promotering og forestillinger om at å resirkulere Nespresso-kapslene dine er å utgjøre en forskjell.

    Utstillingen synes å demonstrere mange av de nødvendige premissene for en bærekraftig framtid; den er holistisk, åpen, samlende, kritisk, og demonstrerer med overbevisning viktigheten av å lære av hverandre og den potensielle sprengkraften fra beslutninger som kommer nedenfra og opp, framfor ovenfra og ned. Jeg forlater Nangos utstilling med en styrket tro på kunsten, og enda viktigere, en fornyet optimisme om at endring er mulig.

    (Denne teksten er et resultat av VISPs Kritikersamtaler som ble avholdt 29.10 på Landmark, Bergen kunsthall. Du kan se hele samtalen her.)

    Her er det verken fest eller spill. Det er liv.

    Om Joar Nango sin Festspillutstilling 2020.
    Av Anne Marthe Dyvi

     

    Utstillingen er historien om materialet og mennesket, deres relasjon og gjensidighet. Hvordan mennesket søker tilhørighet til hverandre, ånd og materie gjennom bearbeiding og sameksistens med materialene. Vi spikker, maler, former, setter, stabler, pynter, rister, samler og bærer. Og dette informerer oss. Matter matters. 

    Jeg lærte noe viktig en gang. Av en kunstner jeg hadde veiledning med, Jefford Horrigan, og hans ord slo opp i meg i møte med Joar Nangos utstilling.  ‘Ask not what is the art, but what does the art.’ Og hva gjorde denne utstillingen med meg? Først traff kunsten sansene, i synet av tusen fragmenter, håndverk og skrap, metallkonstruksjoner og håndsydde telt, med lukten av bjørk, halm og skinn til lyden av musikk og hjertebank. Så slo den meg i hjertet, jeg ble rørt, så sint, så glad og så hjemkommen. Etter det sev den inn i hjernebarken, der den informerte, hvisket og ropte. Det var en radikaliseringsprosess.

    Joar Nango sitt kunstprosjekt oppleves så sterkt fordi det er sannferdig, drevet frem ikke av et enkelt individ, men av et kollektiv, et uavgrenset kollegium som strekker seg tilbake i historien, ut i periferien, inn i byene i Europa og over havet til Canada, samt peker en lang kroket kjepp inn i fremtiden. Der, det er der vi er på vei, og vi er faktisk i stand til å forme hvordan vi kommer dit. Du og jeg, hvis vi evner å lytte, tenke og samarbeide. 

    Urfolksproblematikk, naturbruk og misbruk, ressursutnyttelse og utarming, overlevelse og kulturrestaurering er alle undertoner i utstillingen, og er lagt like tilgjengelig frem for oss i utstillingsrommene som bøker i et bibliotek, ja utstillingen inkluderer også et bibliotek. Som kunstneren generøst ønsker å dele med alle. Fordi distribusjon av kunnskap er avgjørende for distribusjon av makt. Eller pulverisering av makt. Men som i biblioteket må man aktivt ta del – du må søke det opp, hente det ut. Aktivitet skaper endring. 

    En annen interessant og påfallende lærdom jeg tar med meg fra utstillingen er bevegelse. Å være i bevegelse, nomadens kjennetegn og ars, er den perfekte overlevelsesstrategi, ikke bare historisk, men i aller høyeste grad i vår tid. Den perfekte unnslippelsesmetode for det kapitalistiske grepet er å bevege seg, ut og inn av geografiske områder, over skog og hei. Jeg tenker på begrepet ‘wrong sides of the tracks’, ofte brukt for å understreke den sosiale arven som følger å bli født inn i verden på sosioøkonomisk tildelt plass. Om man er i bevegelse, og holder seg ON the tracks derimot, kan ikke arven være gyldig. Ikke ridende, ikke gående, ikke naken, ikke kledt. Det som fordrer en nomadisk suksess er å ta med seg det viktigste: kunnskap, for så å lære opp og lære av andre. Samt klare seg med det som er. Nok en irriterende up yours til kapitalismen. Nomaden har alt med seg, og hvis han skulle mangle noe, kan hen vel alltids låne det av en venn?

    Et sted i en av intervjuene eller filmene med Nango sier han å være på vei er også å være et sted. Det er et sårt utsagn, fordi det minner om at urfolk historisk er et jaget folk, men jeg velger å heller lytte til det som et filosofisk råd fra nomaden. Der majoriteten har investert i, og røktet nasjonalstatens egenart og ressursrikdom, har nomaden beveget seg fritt og bevisst på det stedet hen til enhver tid er. 

    Nasjonalstaten er en oppfinnelse fra en forgangen tid, med sine fordeler men også ulemper. Og ikke minst historiske feiltrinn og kamp om å forsvare egen eksistens og interesser. På samme måte som jeg vil påstå at en kunstinstitusjon trenger Nango sitt prosjekt mer enn han trenger kunstinstitusjonen, vil jeg påstå at nasjonalstatene trenger urfolkenes  natur- og levekunnskaper mer enn at urfolk trenger en stat. Majoritetssamfunnet kan lære av nomadens samliv med landskapet, at livet er en sirkel, at vi er av naturen og i naturen. Om ikke det er nøkkelen til å ta vare på fremtiden vår så vet ikke jeg. Utstillingen av Joar Nango er et lite speil i en snor av hamp som dingler i en pjusket fjellbjørk: i speilet ser vi at det verken er naturen eller urfolkets levevis det er noe i veien med. 

     

     

    Teksten er et resultat av VISPs Kritikersamtaler som ble avholdt på Landmark, Bergen kunsthall, 29. oktober. Du kan se samtalen i sin helhet her.

     

    Alt du vil vite om Kulturrådets støtteordninger (men ikke våger å spørre om)

    Velkommen til webinar tirsdag 17. november kl 11.00.

    Vi har invitert Kalle Øen fra Kulturrådet og tidligere styreleder i NBK, Hilde Tørdal til en online samtale om Kulturrådets støtteordninger for det visuelle feltet. Vi vil fokusere på støtteordninger med søknadsfrist 2. desember. Vi håper å belyse mange spørsmål – og du som deltaker kan også sende inn spørsmål underveis.
    (Samtalen vil også sendes live på Youtube, men der er det dessverre ikke mulig å sende inn spørsmål underveis.)

    MELD DEG PÅ HER

     

     

    Marianne Bjørnmyr

    Hva jobber du med?
    Jeg jobber hovedsakelig med fotografi, men også avstøpninger og objekter har nylig fått større inntreden i produksjonen, med egenskaper som ligner fotografiet gjennom kopiering og replikasjon.

    Hva inspirerer deg?
    Jeg er drevet av en fascinasjon av at det vi vurderer som kunnskap, sannhet og fakta endrer seg over sted og tid. Jeg er inspirert av publikums møte med, og oppfattelse av kunsten, og spesielt rundt publikums oppfatninger av dokumentert vitenskap og historie mot fotografiets evne til å reflektere verden rundt oss.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Jeg jobber undersøkende og som regel med prosjekter som går over lange perioder. Sentrale tema omhandler fotografi, autentisitet og dokumentasjon. Verkene dveler ofte rundt synlighet og usynlighet, atferd og sjanse, vitenskap og fenomener. I stedet for å fastsette en sikkerhet, ønsker jeg gjerne at kunstverkene mine skal presentere en tvil som får oss til å tenke annerledes om etablerte fakta. Eksempelvis jobber jeg med prosjekt hvor jeg undersøker hvordan vi oppfatter, tolker og stoler på den offentlige dokumenterte historien. Det fysiske og materialistiske aspektet rundt fotografiet er viktig for meg og jeg jobber mye med det tekniske i form av eksperimentering og forstørrelser i mørkerommet, bruk av ulike papirtyper, teknikker og innramming/presentasjon.

    Hvorfor ble du boende i Bodø?
    Etter jeg tok utdanning og ble boende i London i åtte år, var jeg til slutt på søken etter en ny by å flytte til. Jeg og min samboer Dan Mariner vurderte de fleste større byene i Europa og Norge, men endte til slutt i Bodø hvor jeg er vokst opp. Bodø er et blankt lerret når det kommer til kunst og kultur, med muligheter til å sette i gang initiativer som vi ikke har mulighet til andre steder. Året etter vi flyttet til Bodø åpnet vi NOUA, som er en en plattform for midlertidige arrangement og fremmer debatt og nytenking rundt foto som samtidskunst og dets verdi for publikum. Det har gitt oss mulighet til å møte det lokale publikummet på en annen måte og samtidig samarbeide med andre norske og internasjonale kunstnere og kuratorer.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Bodø har et variert fagmiljø, som stadig er i endring og med mye engasjement. Det er stor utvikling i Bodø og spesielt rundt kunst og kultur, så det er et spennende tidspunkt å være her på. Samtidig har Bodø en lett tilgjengelig infrastruktur og det er lett for oss å jobbe også utenfor byen, både innenfor og utenfor landegrensene. Det gjør at vi kan bo litt utenfor kunst-metrolpolene, men samtidig ha en god tilknytning til fagmiljøet ellers i Europa.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Vi savner flere kollegaer – så hit ønsker vi alle kunstnere som vil flytte nord/sørover velkommen. Knyttet til akkurat det er jo at vi også savner et fellesverksted og større produksjonsmuligheter for kunstnere. Og kanskje helt generelt flere muligheter for at kunstnere kan bosette seg her, gjennom oppdrag, større fagmiljø og muligheter for å sette i gang initiativer for visning av kunst hvor publikum kan møte kunst på høyt nivå i større grad. Et kunstmuseum står selvsagt også på ønskelista.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Akkurat nå jobber jeg med ny produksjon for to separatutstillinger høsten 2021, på Buskerud kunstnersenter og Stormen kunst i Bodø, samtidig som jeg er i startfasen på en ny fotobok. Det er luksus å kunne jobbe med prosjekter som er litt frem i tid, og bruke den tiden som trengs både til research og produksjon. De to utstillingene er basert på samme tema, men med ulike verk; fotografiske arbeid, avstøpninger og installasjoner. Igjennom dette langtids-prosjektet undersøker jeg objekter som har blitt permanent fjernet fra historien av maktstrukturer med ønske om kulturell dekonstruksjon, på ulike geografiske områder og tidspunkt i historien. I forbindelse med den nye fotoboken jobber jeg med et prosjekt hvor jeg undersøker hvordan vi oppfatter, tolker og stoler på den offentlige dokumenterte historien. Arbeidet vil vise eksempler på dilemmaer rundt fotografi, historiske beretninger, forhold mellom planlagt adferd og tilfeldigheter. Prosjektet kobler hendelser knyttet til mislykkede eksperiment, atombomber, kosmiske undersøkelser, og utdødde dyr. I tillegg jobber vi med programmering for NOUA i 21/22 akkurat nå, hvor vi endelig skal presentere mye av programmet som ble utsatt i 2020.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Å kunne ta meg like god tid til å produsere nytt arbeid som jeg har gjort de siste månedene under korona. Samtidig ser jeg fremt til å jobbe mer internasjonalt igjen, møte kollegaer på kryss og tvers og øke produksjonen i enda større grad slik at jeg kan jobbe enda mer med ulike visningsmuligheter.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Alle kunstnere fortjener mer oppmerksomhet, det er så mange som bidrar i stor grad til samfunnet på så mange måter uten at det er synlig for oss alle. Samtidig, om jeg skal nevne én kunstner som jeg synes gjør et fantastisk arbeid – både teknisk og visuelt – er Ingri Haraldsen. Jeg elsker arbeidene hennes, og hun har en utrolig fin tilnærming til det å være kunstner.

    Søker kunstnere til kunstformidlingsprosjekt i barnehager

    Bergen kommune inviterer profesjonelle kunstnere til å delta i samarbeidsprosjekt med kommunale barnehager.

    Fagavdeling for kunst og kulturutvikling og Etat for barnehage har gått sammen om prosjektet «Kunstmøter i barnehagene». Med dette prosjektet ønsker kommunen å legge til rette for at lokale enkeltkunstnere kan bidra til å utvikle gode, kreative prosjekter i barnehagene.

    Søknadsfrist 6. november.

    Mer informasjon finner du her.

    BERGEN: Kritikersamtaler 29. oktober

    Velkommen til en ny kritikersamtale på Landmark, Bergen kunsthall, torsdag 29. oktober kl 20.00.

    Panelet består av Anne Marthe Dyvi, Espen Johansen og Sigrun Åsebø, moderator er Grethe Melby. Panelet vil diskutere følgende tre utstillinger: Festspillutstillingen 2020: Joar Nango (Bergen kunsthall), Kiyoshi Yamamoto: Broken Hearts are For Assholes (S12) og Heidi Bjørgan (TagTeam).

    Samtalen vil foregå på norsk og vil også strømmes live på Youtube her:




    Gratis inngang, men på grunn av Covid-restriksjoner er det kun plass til 30 publikummere. Hvis du opplever symptomer eller er i karantene, hold deg hjemme!
    – Hold en meters avstand til enhver tid
    – Praktiser god håndhygiene før, under og etter arrangement
    -Hvis du bestiller mer enn en billett eller gir din videre, er du pliktig til å opplyse om kontaktinformasjon til alle billettinnehavere.

    Reserver plass her.

    Om panelet:
    Anne Marthe Dyvi  er en interdisiplinær kunstner utdannet og basert i Bergen, med master fra Kunst- og Designhøgskolen samme sted fra 2010. Hun jobbet på BEK som kunstnerisk utvikler fra 2010-2019, var en del av ressursgruppen i PNEK som utviklet Videokunstarkivet, og fra 2020 er hun styreleder for Atelier Nord i Oslo.

    Espen Johansen er utdannet kunsthistoriker og kurator, og arbeider bl.a. med Vestlandsutstillingens hundreårsjubileum i 2022, en rekke kunstprosjekt i offentlig rom i tillegg til undervisning på KMD og KiB. Johansen har mastergrad i kunsthistorie fra Universitetet i Bergen, kuratorstudiet ved Kunst- og designhøgskolen i Bergen og en post-master fra den Kungliga Konsthögskolan i Stockholm.

    Sigrun Åsebø er førsteamanuensis i kunsthistorie ved Universitetet i Bergen. I sin forskning fokuserer hun på kjønn, seksualitet, likestilling og mangfold i norsk moderne og samtidskunst, og har nettopp startet et nytt  forskningsprosjekt om kjønn og likestilling i kunstmuseene. Åsebø er også aktiv som foredragsholder og formidler, og har arbeidet som kritiker i flere år.

    Grethe Melby (moderator) er frilans anmelder for blant annet Bergens Tidende og Norsk Shakespearetidskrift. Hun underviser i norsk, samfunnsfag og entreprenørskap og bedriftsutvikling ved Årstad videregående skole.

    (foto: Thor Brødreskift – Carte Blanche meets Joar Nango. From a dance performance on 19 September with 6 dancers from Carte Blanche, the Norwegian National Company of Contemporary Dance. With Adrian Bartczak, Dawid Lorenc, Caroline Eckly, Nadege Kubwayo, Max Makowski, Noam Eidelman Shatil.)

     

    BERGEN: Den kulturelle lykkepillen, frist 3. november

    Bergen kommune, Kulturetaten ved Kunst, kultur og psykisk helse ( www.kkph.no ) søker profesjonelle utøvere innen ulike kunstarter til kulturprogrammet: Den kulturelle lykkepillen, oppdrag på aktivitetshus for mennesker med psykiske helseplager.

    Du får selv være med å utforme oppdrag innen musikk, drama, litteratur og visuelle uttrykk. NB!Søknadsfrist: Tirsdag 3. november 2020 for oppdrag i 2021.

    Bergen kommune drifter 7 aktivitetshus for mennesker med psykiske helseplager.
    Der arrangeres for eksempel malekurs, kurs i keramikk, minikonserter, forfatterbesøk, små teaterforestillinger, samt turer m.m.

    Vi søker profesjonelle utøvere til oppdrag på de ulike aktivitetshusene.

    • Musikere til minikonserter og workshops ev. som instruktør til kurs
    • Forfattere til skrivekurs, opplesning, samtale og workshops
    • Skuespillere som instruktør på kurs, workshops, og opptreden/underholdning
    • Kunstnere/utøvere innen visuelle uttrykk (tegne, male, film, foto, design) for kortere kurs, aktiviteter eller workshops
    • Utøvere innen tradisjonshåndverk
    • Formidler/foredragsholder innen ulike tema
    • Danseinstruktører

    Les eventuelt mer om Kunst, kultur og psykisk helse her og her eller klikk deg direkte til utlysning og registrering.

    Laurie Lax on MA 2020

    On September 10 VISP, in collaboration with KODE and KMD, hosted a Critics´ Conversation about the MA-show 2020, here is Laurie Lax´ thoughts on the exhibition:

    I sensed a lot of pain and felt a lot of life in MA2020 – a surprisingly unimaginative exhibition title to come from 21 artists and a curator. Thankfully, the title had no bearing on the actual works, which were vivid in their portrayal of real life and sometimes offered a welcome escape from it.

    Mundane reality of life on a cruise ship comes sharply into focus in Dale Rothenberg’s video-essay Crew Deck, via a slow tracking shot, except the boat was moving not the camera. This mundanity I find painful because it points to so much labour inequality and waste, which is all the more striking against Norway’s sublime fjord backdrop. I admire the slow contemplation of this work, capturing the voyeur in all of us.

    Several works dealt with the pain of others, including Everything is attached to work, money, health and the homes we live in by Amalie Vestergaard Olsen. Her adept drawings have been enlarged and laser cut, expressing the desire for hidden realities to be seen. I was particularly moved by the small artist book which permitted a more private emotional response.

    A pulsating drone pervaded the whole exhibition throughout. To find its origin, the audience was lured into a small black box with rapid imagery of self-inflicted pain (also pleasure) – in Espen Pederson’s Blood & I. Through sharing and inviting the audience to witness this private, controlled performance, Pederson’s work demanded freedom and autonomy over one’s own body and sexuality.

    The untranslatable sense of longing (pain?) was a constant refrain in the letter correspondence forming the backbone of Nayara Leite’s Meus Caros Amigos – Part II. I understood the slowness of letter-writing and the slowness of processing her close-friend’s photographic portraits, as processes filled with care. In times of rapid screen-based communication, it felt poignant that the text-based video component of Leite’s installation was a greater pull than the photographs – at least to me.

    In yet another, deeply personal work, I reflected on the pain that leads to addiction and the reproduction of pain in Robert Carter’s Tears from the Concrete Cloud. This video-essay was juxtaposed alongside two copies of the same print. For anyone who does not know the process: woodcut is very arduous. Carter’s labor was at the service of a picture designed to please, but unable to communicate what it is (it doesn’t even know which way up it should be). Is it a labor of love, despite everything?

    I wanted to touch Daniela Bergschneider’s porcelain / textile pieces the same way I want to touch hedgehogs (knowing it would hurt). For me the seriousness of their polished steel frames distracted from their playfulness though – a quality I greatly appreciated in Oda Bremnes’ Life Forces. Through delicate use of programming and computers, Bremnes imbued two lamps and a radio with a sense of life force that goes beyond human experience. At the same time, this installation acknowledged the presence of a human audience with its interactive quality, inviting them to marvel and enjoy. It’s refreshing when art and technology are not interpassive, made for their own enjoyment.

    Tech-oriented interactivity also featured in Kaeto Sweeney’s installation; its strewn casts of arms made me think about the lost limbs of the Parthenon/Elgin marbles that were stolen from Greece by the British. Was I supposed to forget all this pain and dance when the muffled music of Planningtorock started pumping?

    I’m attempting to bring the focus of this piece of writing away from pain and towards life and celebration. Perhaps you’ve heard that 80% of life on earth is contained in the ocean? The importance of this fact is paramount, so I understand why Emilie Wright’s sound piece, One day the sea, was blasted out of Kode 2 into the public space of Bergen, a city that is intrinsically knitted to the North Sea and the fjords. How did we all wash up here? There are many and diverse ways, and one of those ways – which is a reason to celebrate – was through MA2020.

    (The Critics´ Conversation was possible due to the generous support of Bergen kommune and Norsk kulturråd)

    Kim Hankyul 

    What is your expression?
    Sound-making kinetic sculpture, kinetic installation.

    What inspires you?
    It is hard to say, but mostly materials and situations

    How would you describe your art?
    My work is mainly on kinetic sculptures having live sound as the outcome of physical motion of objects. The work spans over different scales and materials from the ready-made object to the life scale architecture construction. Machines are minimally constructed to draw repetitive patterns of simplicity, rather than having the robotic complexion. Microphones are directly attached or laid next to the moving parts and collect the vibrations from the physical components, converting them into the audible format of sound. Sound is played out only in real-time live format, without pre-recording or post-digital formatting.

    The sounds that I make have been both figurative and abstract. In both cases my work begins from the thought that the existing languages are thickly colligated with certain meanings of functionalities or dramatic connotations. I detach the sound and the image from these familiar values, and bring them neutrally into the context. The industrial objects such as metal chains and plastic bags were detached from the ordinary usage and given the sonic functionality within the work ‘Wave Sound Motor Machine’, making the sound of the wild ocean. In this sense, my work is making a theatre or a cinema where the bodies are functioning in a different context than its own reality.

    The first work that I made with this discipline was ‘Snoring Motor Machine’, which became a work from my own mistake of mishearing the sound from a broken motor as the snoring of someone. This mistake led me to push it forward to make other works including ‘Wave Sound Motor Machine’ to make the sound of sea waves, and ‘The Temple of the Golden Pavilion’ for the sound of fire. In making figurative sound, I try to find the materials from everywhere else but the typical origin that we easily associate with the sound. For example, when we associate the word ‘fire’ as a sound, the visual images of burning branches or charcoal are accompanied and I tried to not use those as materials in creating the sound. In a sense my work is linguistic. I believe that there always is a linguistic gestalt that we are living in, and there the power leverages are sustained through linguistic practice. Even though I cannot say that I expect everyone to associate my temple with the sound of fire, I hope my work creates a tiny hole in the bigger system of power.

    I also make kinetic sculptures without any consideration of sound, rather focusing on the movement itself. In this case I tend to be more spontaneous and intuitive in making and titling the work. If the sound-making work was more of a long, research-like process to attain the qualities of specific sounds, this part of the work is a more expressional, drawing-like approach I have to say. But in both disciplines, I try to create a situation looking like a farce where the ordinary linguistic relation is replaced by new associations.

    Why did you end up living in Bergen?
    Due to the great surroundings to work on sound as medium.

    What do you like about the artscene and the town?
    I like that the artscene in Bergen somehow keeps trying to renew itself. It’s a pleasure to see the change happening in the time that I am living in, not in a past tense. Also, this town is big enough for a lot of new things to keep coming up, while it is small enough for me to be able to catch up with those things.

    What could be better in the local artscene?
    Political engagement and more diversity. While I think it is great that the artists concentrate on one or several topics of discourses at a time, and quickly develop it into actions with solidarity, I still wish that the range could be expanded even further out to include more of non-European topics as well.

    What are you currently working on?
    At this moment I am working on making an artwork to be exhibited in Østre, as a part of EKKO festival 2020 and also some other artworks for an exhibition in Visningsrommet USF. I recently started working on metal by myself and plan to include metal works in these new exhibitions.

    What are your ambitions and plans for the future?
    For now, the ambition is to have a space where I can build the things that I want to build, and the plan is to study more diverse materials and learn more of the sound techniques. I have some exhibitions planned in different places, and one of those is a solo exhibition at KRAFT in 2022. Some new aesthetic approaches will be tried out there, which I am very much looking forward to.

    Who of your colleagues deserves more attention?
    Dafna Staretz. Her work is intense, bizzare, bitter and elegant.

    Offentlige oppdrag – online seminar

    Dato: Mandag 5. oktober
    Tid: 11:00
    Sted: Online – Zoom (lenke sendes til de påmeldte)

    Live på youtube

    Velkommen til online seminar i regi av VISP og Hordaland kunstsenter der vi ønsker å sette fokus på prosessen rundt offentlige oppdrag for kunstnere.

    Forelesere:
    Petra Rahm – prosjektleder kunst i offentlige rom Hordaland kunstsenter
    Truls Ramberg- kurator KORO
    Jørgen Blitzner – konsulent offentlige oppdrag
    Anders Sletvold Moe – billedkunstner

    Tema som belyses:
    Hva ser en jury/kunstkonsulent etter (i prekvalifisering etc)?
    Hvilke juridiske- og økonomiske forpliktelser har kunstneren før, under, og etter oppdraget?
    Regler for vedlikehold av kunstverk
    Hvilke regler er det for opphavsrett etter endt oppdrag?
    Regler for open call/utlysning
    Hva er en kunstplan og hvordan kan den brukes for kunstnere?
    Litt om konkurranse
    Viktigheten av kontrakter

    Med mere

    Foreløpig kjøreplan:
    11.00: Velkommen ved Petra Rahm

    11.05: Truls Ramberg – gode råd om prosjekt i regi av KORO
    11.20: Q&A
    11.25: Anders Sletvold Moe – Hvordan jobbe som kunstner med offentlige oppdrag
    11.40: Q&A
    11.45: Jørgen Blitzner – en kunstkonsulents erfaringer
    12.00: Q&A + avslutning

    Seminaret avholdes på Zoom, deltagerne kan sende inn spørsmål til foreleserne underveis.

    Registrer deg her

    Invitasjon: Delta i kunstprosjektet “GRUPPEBILDE BERGEN 2020”

    Send inn et portrett av deg selv og bli del av gruppebilde med Bergens innbyggere! Ved å bruke teknologi som tolker fotografier og lager nye bilder, skal kunstner Toril Johannessen skape et omfattende gruppebilde basert på innsendte portrettfoto. Bildet skal bli til to store billedvever som skal henge på Bergen rådhus der folk og folkevalgte møtes. Alle som bor i Bergen er herved invitert til å være med.

    Les mer her

    Scott Elliott on MA 2020

    On September 10 VISP, in collaboration with KODE and KMD, hosted a Critics´ Conversation about the MA-show 2020, here is Scott Elliott´s thoughts on the exhibition:

    The MA 2020 exhibition, hosted this year by Kode, presents the work of 21 students in what postures very comfortably as a museum show. There is rarely a common logic to how such a group exhibition functions, the inherent difficulty of connecting the works often simply based on the fact that this is a group of colleagues and in this case, the sense of a hurried rush back to the way things were. 

    Tucked away at the end of the exhibition hall, a dark room hosts three works that seem to host an internal dialogue, somewhat bound in frustration and a state of limbo given to us by the state of events in 2020, PV Knude, Kaeto Sweeney and Haruka Fukao’s works present a welcome push of resistance against this return to the standard, happily colluding in discomfort in an otherwise more stoic setting. This is resistance to what feels like a period of ‘normativity terrorism’ and one mourning a time when congregation was possible, thankfully without being overtly illustrative of this particular period. Fukao’s intended ceremonial space lies neighbour to Kaeto Sweeney’s installation ‘I seem to live’, an homage to times when queer spaces were accessible as a place of solace for queer individuals, even if in a reduced capacity due to the lack of such spaces in Norway in general. 

    This moment we are currently faced with is one of forced domesticity, with alternatives for presentation being shifted to a mostly digital realm. Sweeney’s installation sees the artist longing for a space beyond this domestic confinement. A printed textile with ‘I think that ‘’atmosphere’’ sounds like ‘’utmost fear’’ ‘ written on it acknowledges nefarious goings on outside, and with a move to the digital, this has taken on a new meaning for queer artists and queer bodies, often now presented with a digitisation of practice as the standard alternative for gathering. 

    The digital one, for many, is far from a safe space or even one of respect, and is for sure a sad substitute for our club culture with these ceremonies waiting in the wings and the last parts of our society to come back together once again. Altogether, this room seems to be one populated by almost autonomous objects, perhaps object oriented anthology I assign through a desire for things to move again, to dance in sync to a pumping soundtrack that seems to come from the room next door. Haruka Fukao’s ‘A ceremony from a planet I went someday’ ought to have been a sharing space where guests gathered and drank together. In this context it feels closer to a different type of ceremonial practice, a wake for our community.

    PV Knude’s vinyl record ‘The Anti-Terror Album’ sits amidst Sweeny’s installation, with a crown missing on my second viewing of the exhibition, now off-site at Kunsthall 3.14 a few hundred metres away. The work was created out of refusal to accept the racist narrative of Denmark’s national terror exercise script and in many ways, resists the structure of the overall show, with the vinyl also presented in the main hall, almost antagonistically against a brutalist pillar, reminiscent of hostile architecture. The fact that Knude’s vinyl is also sitting amidst Kaeto Sweeney’s installation, by a cast of a fist now makes more sense to me, their collusion hinting towards protesting of whitewashing and a normative presentation. 

    (The Critics´ Conversation was possible due to the generous support of Bergen kommune and Norsk kulturråd)

    Sissel Lillebostad: The sound of new

    On September 10 VISP, in collaboration with KODE and KMD, hosted a Critics´ Conversation about the MA-show 2020, here is Sissel Lillebostad´s thoughts on the exhibition:

    On entering KODE 2 I find several stacks of papers, newspaper shape in read-and-throw quality with MA 2020, The Art Academy, headed by a list of 22 names and a sticker giving the (new) dates and location, on the cover. Portraits of all the artists in their studios, one page each, and an economic amount of information can be found inside. Maya Økland have had the curatorial task of assembling the disparate artworks in the characteristic building, originally housing Stenersen Collection and where the 1970s still colour the space with filtered daylight through glass panels framed by pronounced columns in raw, unpolished concrete. Here, the exhibition fills twice the space as originally intended at Bergen Kunsthall, and Økland use it wisely, managing to surround the individual works with a sense of air, despite low ceiling, carpet floor and small cubicles.

    Searching, I find common denominators. Stories told through film or/and still images, is a shared component in several of the works. Another striking element in the exhibition is the use of sound. The logic behind the selection of headphones contra spatial loudspeakers and how sequences of sound run through the space is not easy to grasp. A frequency leaking from one of the cubicles invade and fill the gaps in the spacious room. The film inside the cubicle in question shows fluttering black&white images of hands close up, nervously massaging a dark fluid (blood?) over somebody’s skin. The effect is unsettling. With this, Espen Pedersen exposes how unrelenting hidden pain can be. Similarly, Nayara Leite explores fragility and insecurity, but more outspoken political. In an exchange of letters sent between herself and friends back home in Brazil, people relating to the LGBTQIA confess their fears and anxiety facing changing circumstances under a new president. Leite invites to an intimate experience by the use of headphones. There I can listen to the letters read in Portuguese at the same time as a translation is screened in red and white. Photos of her friends look me straight (but friendly) in the eyes, the straightforwardness and a certain lack of aesthetic composition emphasise the normality, or should I say ordinariness, of the writers.

    Both Kaeto Sweeney and Haruka Fukao celebrate rituals through the ceremonial losing of oneself in dance or making. Still, a precarious melancholy reflecting a frail belonging and fear of isolation seeps through. In Fukao’s work we witness the slow proceeding of shaping, un/wrapping and sharing 108 bowls of clay, all based on the tactile memory of a «mother» bowl. Each bowl has own personality, but none is original. Her low, almost whispering, soundtrack gets drowned out every 20 minutes by Sweeney’s loud, but muffled dance-tune; as if it is a party in the apartment next door. The silence after is relieving, but it also uncovers the loneliness of the ecstatic and introvert dancer. Will he ever share the floor with somebody?

    Headphones have always been an awkward element in exhibitions. With headphones the experience becomes singular, locked in a room of your own. And then it is the hygiene of sharing intimate equipment. The unruly stack of blue disinfecting paper next to the headphones spread around the place, says a lot about present insecurity. But, the soundtracks reveal a willingness to share even uncomfortable moments. Annelen Røe screen a series of rather drab slides (yes, the old fashioned slides) with images from a museum. They coexist with a perfect English voice reading an essay dwelling on growing up in a mining community and its local myths. There is a distance in perception between the perfection in the reading and the impression of the hard work of mining that makes me wonder. Is it deliberate? Another story from growing up is Robert Carter’s short film, it comes with a soundtrack that conveys a sad, but surprisingly warm story of a father lost in alcohol. A musical epos, built around an instruction for self-defence, is played in full album length. This last work, by PV Knude, has a grand feeling to it. The setting is a little bit disappointing though. Two headphones carelessly put on a short bench – much too short for two people in corona-times – the empty album-cover resting towards the concrete column and the transparent pragmatism of positioning the bench next to a plug-in-the-wall, is bordering on arrogance. But, within the frame of the museum, this could also be read as a critique of the institutional grip on art. A grip no one seems to escape.

    (The Critics´ Conversation was possible due to the generous support of Bergen kommune and Norsk kulturråd)

    Critics´conversation: Masters 2020 (Thursday September 10)

    Date: Thursday September 10
    Time: 18:30
    Place: YouTube
    Due to the unfortunate growth in Covid-19 in Bergen these past couple of days we have, in accordance with KODE, decided to ONLY stream the Critic´s conversation and not allow any audience in attendance. We are sorry for any inconvenience this may cause.
    Welcome to our talk about this year’s Masters show at KODE 2!
    VISP have invited Scott Elliott, Laurie Lax and Sissel Lillebostad to discuss this year’s Masters´ exhibition at KODE 2, under the watchful eye of moderator Kristoffer Jul-Larsen.
    The event will be live streamed here: https://www.youtube.com/watch?v=L4VZupixFs0
    We are grateful for the support from Bergen kommune!

    Marthe Minde

    Hva jobber du med?
    Eg handspinn garn og vev skulpturar.

    Hva inspirerer deg?
    Gamle handverksteknikkar inspirerer meg, det same gjer matematikk, lyrikk og ulike arrangement på Litteraturhuset. Ofte finn eg nye vegar gjennom utprøvingar i vevstolen og ved materialtilarbeiding. Det å sjå utstillingar og å lesa om ulike kunstnarskap gjev meg også mykje.

    Innan vevverda held eg Frida Hansen høgt. Den tekniske dyktigheita hennar, tankane hennar om ljosgjennomstrøyming i vev og utviklinga av den transparente teknikken har vore stor inspirasjon og eit viktig grunnlag for arbeidet mitt.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Som reiskap for å skapa skulptur brukar eg den manuelle vevstolen som før bar fram åkle, bunadar og kvardagsklede. Med sjølvfunne framgangsmåtar som lommeteknikken, det vandrande varpet og skaftoverstyring vev eg horisontalt, vertikalt og sidelengs i flatveven. Med lag på lag av trådar byggjer eg opp store flater, der eg igjen pressar inn plankar, lagar lommer og vridingar. I det eg klipper vevnaden fri frå vevstolen, faldar eg flata ut til eit romfang. Motiva eg attgjev i veven, hentar eg ofte frå eigen oppvekst. Eg vert dregen mot objekt som møter meg tolagt i tankar og minne, der det heimlege milde møter mørker frå motgang. Tematisk byrja arbeidet i Spor av ei mor 2015 og fekk tydelegare form i Trappene heime 2016–2018. Materiala til veven nøstar eg i nærnaturen kringom barndomsheimen. Eg sankar bjørketæger, bjørnemose, brennesle og tistel, og brukar det til tråd. Vidare spinn eg lokal spælsauull og dyppar han i kvae før eg vev. I galleriromma syner eg ofte trådskulpturane saman med tilhøyrande vevkonstruksjonsutrekningar og eigenskrivne tekstar. Raude trådar renn gjennom arbeida mine frå m.a. Hildur Bjarnadóttir, Olav H. Hauge og Do Ho Suh.

    Hvorfor ble du boende i Arna?
    Etter enda utdanning i Oslo i 2018 blei det enklare å klara seg økonomisk ved å flytta vestover att. Saman med ei heimlengt etter naturen har det vore godt å koma tilbake og prøva finna ei form på arbeidsdagane og bli kjend med kunstmiljøet her.

    Hva er det beste med miljøet og stedet?
    Nærleiken til naturen med moglegheiter for å sanka materiale veg tungt. Det siste året har eg også fått framleiga atelier på USF Verftet og blitt tatt varmt imot av fine folk der.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    I byrjinga sakna eg Oslo sin UfO-guide. No har eg m.a. funne Utstillingsguide for Bergen og byrjar å koma meir inn i det.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    For tida arbeider eg med å ferdigstilla ei utstilling som opnar på Galleri Format i Oslo 24. september. Montering og justering av eit utal trådar står att.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Etter utstillinga på Format skal eg til våren delta på opningsutstillinga til Nasjonalmuseet. Vidare framover som kunstnar håpar eg å våga nye ting, bli tøffare og tryggare. Etter åra på kunsthøgskulen har eg fått vener ulike stadar i verda, og det hadde vore kjekt å få til utstillingar saman med dei. Høgt på ønskelista står også ulike kunstnaropphald og eit eige, landleg atelier.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Her vil eg gjerne nemna mange, men om det må bli éin, blir eg lett rørt av Ida Olesdatter Barland sine skjøre keramiske arbeid.

    (Foto: Marthe Minde/Per Bækken/Marvin Pope/Tonje Plur/Øystein Thorvaldsen/Kjetil Fromreide/Brynhild Seim/Jens Hamran)

     

     

     

    BERGEN: Aldea – four studios available

    Working spaces for creative professionals available at Aldea – Center for Art, Design and Technology. 4 Studios available!
    Aldea Studios offer working rooms designed for creative professionals. We provide large well-lit spaces with shared communal space, in a vibrant community of artists, designers, architects, developers, inventors, entrepreneurs. In addition, we have on-site professional-grade workshops in wood, metal and digital fabrication that provide the necessary tools your production needs. See the full equipment list here. http://aldea.art/workshops
    Located on the 7th floor of C.Sundsgate 55, in Nordenes we have four studios available.
    STUDIO 1
    40 sqm space with 3.5 sqm storage, west-facing windows. 5439.50 NOK per month plus internet and electrical
    STUDIO 2
    65 sqm space with 9 sqm storage. 7971 NOK per month plus the internet and electricity.
    STUDIO 3
    85 sqm space. 9066 NOK  per month plus the internet and electricity.
    STUDIO 4
    27 sqm space with 5 sqm storage. 4408 NOK  per month plus the internet and electricity.

    BERGEN: Artist in Residence på USF Verftet

    Artist in Residence Bergen at USF Verftet åpner nå opp for norske kunstnere og kunstnere bosatt i Norge. Gjestekunstneroppholdet gir deg hybel og studio på USF Verftet i Bergen. I første omgang gjelder dette for perioden 1. oktober til 22. desember 2020, og USF ønsker at kunstnere søker om opphold med en varighet på 3 til 12 uker. Kontakt line@usf.no for spørsmål. Les mer + finn søknadsskjema her: www.airbergen.no 
    Søknadsfrist 1. september.

    Innkalling til Ekstraordinært årsmøte

    Dato: 21. september
    Tid: kl 19.00
    Sted: På Zoom –

    https://us02web.zoom.us/j/86917840684?pwd=d0xEam9NRWFCRGRlKzdUNEdiY01Ddz09

    Meeting ID: 869 1784 0684

    Passcode: 354843

     

    Velkommen til Ekstraordinært årsmøte i VISP mandag 21. september. Det er kun én sak til diskusjon og det er valg av nytt styremedlem: Frode Sandvik fra KODE innstilles av nominasjonskomiteen som nytt medlem av VISPs styre.

    Stemmerett:
    «Alle medlemmer har stemmerett på årsmøtet med en stemme hver. Det er kun mulig å representere en aktør ved avstemming. For å være stemmeberettiget må man ha vært medlem i minst en måned i forkant av årsmøtet. Stemmegiving kan ikke skje ved fullmakt.» (VISPs vedtekter)

     

    VISP hjelper deg med selvangivelsen!

    Frist for selvangivelsen (skattemeldingen) er i år utsatt til 31. august.

    Hvis du har noen spørsmål du ennå ikke har funnet svar på kan du sende dem til vår regnskapfører Øyvind Vaksvik i Frekhaug Regnskap ( oyvind@frekhaugregnskap.no ) innen onsdag 26. august. Du vil få svar i retur torsdag 27 – skriv «Selvangivelse VISP» i emnefeltet.

    Tilbudet gjelder kun for medlemmer av VISP.

    (Her finner du VISPs selvangivelseveiledning)

    Espen Gleditsch

    Hva jobber du med?
    Fotografi er mitt hoveduttrykk, men i utstillinger viser jeg ofte fotografi i kombinasjon med andre elementer, som for eksempel egenproduserte tekster eller vegger malt i farger som har en tematisk kobling til fotografiene. Brorparten av tiden på atelieret jobber jeg med research til pågående og kommende prosjekter. Eller når jeg har luksusen til å unne meg det, research som ikke ennå er knyttet til et spesifikt prosjekt eller utstilling. Det er kanskje det beste jeg vet, å kunne fordype meg uforpliktende i et emne a priori formål og mening. Selve fotograferingen utgjør faktisk en forsvinnende liten del av hverdagen min som kunstner, sammenliknet med den framtredende rollen bildene får i utstillingene.

    Hva inspirerer deg?
    Å oppleve andre kunstneres arbeid og å orientere meg tverrfaglig i sakprosa og annen litteratur. Jeg har ofte et par-tre overlappende fokusområder som opptar meg og jeg fordyper meg i. I mine siste prosjekter har konstruksjonen av historiske narrativ, arkitektur, skulptur og antikke idealer vært viktige elementer, og da har for eksempel produksjonen til Mari Lending, professor i arkitekturteori- og historie, vært en kilde til stor leserglede og inspirasjon for meg. Hun har en fabelaktig evne til å identifisere meningsfulle sammenhenger og konstruere tekstlige synteser der for eksempel Proust lever i selvinnlysende sameksistens med gipsavstøpninger av Urnes stavkirke og brutalistisk arkitektur i New Haven.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Lenge har historiske begivenheter spilt en stor rolle i min kunstneriske praksis. Gjennom fotografi, tekst og andre uttrykksformer forsøker jeg å utforske og formulere i min egen stemme hvordan de har satt preg på vår samtid, og dermed implisitt hvordan de kommer til å fortsette å prege vår fremtid. Jeg utviklet tidlig en interesse for både bilder og historie. Gjennom kunsten fant jeg en måte å jobbe i et slags krysningspunkt mellom skapende kunst og idéhistorie, i en form som tillater meg å jobbe i et sammensatt visuelt språk med hvordan historiske begivenheter og narrativ preger våre liv. Arbeidsmetoden og min tilnærming til tematikker kan sees på som både tendensiøs og spekulativ, i mine øyne i disse begrepenes positive forstand. Bildeflatens rom for tvetydighet og fotografiets kapasitet til å bære i seg ikke-sammenfallende eller til og med motstridende forståelsesrom, gjør mediet til en optikk som jeg opplever det meningsfullt å se verden gjennom.

    Noen eksempler på tematikker fra mine siste prosjekter er det intrikate og problematiske forholdet mellom svart-hvitt fotografi og europeisk modernistisk arkitektur på 1920-tallet, det iøynefallende møtet mellom brutalistisk arkitektur og appropriering av antikke idealer i byplanleggingen i Skopje de senere årene, det komplekse historiske narrativet bak hvordan antikk marmorskulptur mistet sine farger med mer.

    Hvorfor ble du boende i Oslo?
    Jeg har bodd en hel del utenfor Norge, både i starten av min studietid og etter, i lengre og kortere opphold i København, Praha, Stockholm og New York. Da jeg flyttet til København for å gå på forskole for drøye 15 år siden hadde jeg et sterkt behov for å komme meg ut. I den grad jeg var i kontakt med et kunstfelt i Oslo opplevde jeg det som at jeg ikke fikk inputen jeg ønsket og hadde behov for den gang. Da jeg flyttet tilbake til Oslo var det som å komme tilbake til en annen by med en yrende kunstscene der særlig de kunstnerdrevne visningsrommene var en enorm berikelse. Det er mulig det skyldes at jeg var et annet sted i livet som snørrhoven 19-åring enn i dag som 36 år gammel, men jeg erindrer kunstscenen i Oslo på tidlig 2000-tallet som anemisk og knapp. Da var det en berikelse å komme til København.

    Hva er det beste med miljøet og byen?
    På vei hjem fra NYC etter et residencyopphold i 206-17 var jeg spent på hvordan det ville bli å komme tilbake til Oslo etter å ha vært bombardert med inntrykk i en endeløs all-you-can-eat buffé av utstillingsåpninger og interessante forelesninger og seminarer. Til min store overraskelse gikk overgangen nærmest upåaktet hen. Det er ingen mangel på gode utstillinger av høyt nivå og interessante arrangementer i Oslo. For meg som har familie, egen praksis og undervisning å skjøtte skjer det til tider mer spennende i Oslo enn jeg evner å få med meg. Litt spøkefullt kan man si at den store forskjellen mellom en by som NYC og Oslo er mengden av arrangementer du IKKE får med deg, og FOMO-en dette fører med seg.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Jeg kan savne fagtunge, forskningsdrevne og tydelige museer som hever nivået i resten av feltet. Særlig nå som Munchmuseet og Nasjonalmuseet har vært i dvale så lenge.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    Jeg jobber mot tre kommende utstillinger og med research til et fjerde prosjekt som ennå ikke har noen planlagt visningsplattform.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Å tilbringe så mye tid på atelieret som mulig.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    Jeg tror knapt jeg har kolleger som ikke fortjener mer oppmerksomhet. Hele feltet fortjener så mye konsentrasjon og omtanke som mulig både fra oss andre aktører og det øvrige publikum. Jeg tror det er viktig å være raus – alle kunstnere jeg kjenner jobber hardt og er fullt ut investert i eget prosjekt. Det står det respekt av, på tvers av faglige, sosiale eller materielle sympatier og antipatier.

    Hvis jeg skal trekke fram én kollega er Geir Moseid en kunstner jeg har stor respekt for, både som kunstner og menneske. Vi to arbeider i svært ulike tilnærminger til fotografi, og det er alltid en berikelse å se hvordan Geir sakte men sikkert kvesser uttrykket sitt og arbeider med en visuell og tematisk tilnærming som han er unik om i Norge. Alle bør sjekke ut hans kommende bok «Plucked» som utgis på Teknisk Industri, som er kulminasjonen av mer enn 12 års arbeid med ett og samme prosjekt.

     

    Lotteritilsynet: Ny krisepakke for frivilligheten

    Krisepakke 2 gjelder for perioden 12. mars til og med 31. august 2020. Søkerne må være registrerte i Frivilligregisteret.

    Det kan blant annet søkes om: 

      • Tapte inntekter fra arrangementer som skulle vært arrangerte i perioden (for eksempel tapte billettinntekter, parkeringsinntekter, inntekter fra loppemarked eller kioskinntekter).
      • Tapte billettinntekter fra annen spesifisert aktivitet i perioden (for eksempel museer, akvarier, kinoer eller idrettsanlegg).
      • Tapte utleieinntekter i perioden (utleie av bygninger, anlegg, hytter, fartøy og andre rom og lokaler).
      • Tapte inntekter som følge av at organisasjonen har mistet oppdrag i tilknytning til et arrangement eller annen spesifisert aktivitet i perioden.

    Frist 15. september, mer informasjon her

     

    Koronoakrisen: Søk om kunstnerstipend innen 5. august

    Kulturrådet lyser ut 70 millioner kroner i stipender til kunstnere. Den midlertidige ordningen kommer som følge av koronakrisen.

    Stipendordningen skal bidra til at flere kunstnere klarer seg økonomisk gjennom koronakrisen. Forfattere, oversettere, billedkunstnere, scenekunstnere, musikere og arkitekter er blant gruppene som kan søke. Det ekstraordinære stipendet er på 100 000 kroner, og søknadsfristen er 5. august.

    Les mer her

    Søk her

    Hilde Jørgensen

    Hva jobber du med?
    I egen praksis er det fotografi, tekst og installasjon som er hovedmedia. Utover egen kunst grunnla jeg og Maya Økland kunstnergruppen og visningsstedet KNIPSU i 2010, siden 2016 har jeg drevet det og det kan presiseres at skillelinjen for meg mellom eget virke og KNIPSU er minimal, eller ingen.

    Hva inspirerer deg?
    IRL vil jeg si er min hovedkilde til inspirasjon, og med det mener jeg møtet mellom mennesket, samfunnet og den teknologien som hersker i mellom de to.

    Hvordan vil du beskrive din kunst og ditt kunstnerskap?
    Akkurat nå jobber jeg med et dystopisk univers gjennom en fusjon av egne fotografier med utgangspunkt i collage og 3D-collage og Ingrid Askelands keramiske skulpturer. Tematisk jobber jeg med forfall, med det forholdsvis enkle utgangspunkt  at man våkner opp en mandags morgen og skjønner hvor verden er på vei hen. Dette gir rom til både menneskelige og “større” perspektiv i motivene jeg jobber med.

    Fotografiene er bygd opp av collager og 3d-collager som blir sammensatt med ordinære fotografier og igjen avfotografert. De endelige bildene veksler mellom fotorealistiske detaljer til mer visjonære uttrykk. Dette kommer godt frem i hovedbildet fra Manisk mandag – utstillingen i Borderline der landskapet praktisk talt smelter ned i en avgrunn.

    Jeg føler mange ganger at kunsten min tilhører sjangeren tung nordisk melankoli på det verste, på det beste er kanskje sosial realisme et nøkkelord. Karakterisering er uansett alltid vanskelig og til tider uforståelig, sett fra en kunsters ståsted.

    Hvorfor ble du boende i Bergen?
    Jeg har alltid hatt mye å gjøre i Bergen, så på en måte har det vært umulig å komme seg vekk. Etter endt utdanning var jeg heldig og kom nesten rett inn i det nyetablerte fotokollektivet Flaggfabrikken. Morsomt nok var det et ordentlig kollektiv, der vi delte alt, programmering, residency, kunstnerskap og en aktiv utad profil, som for såvidt også startet min interesse for å vise andres kunst. Det er gøy å være en gjeng som får utfordringer i en flat struktur, det gir en bratt læringskurve og  etter det har vel stenen bare rullet. Men altså med Bergen som base.

    Hva er det beste med miljøet og byen?
    Det beste med Bergen er kanskje også svakheten, nemlig at det er et lite, men konsentrert miljø.

    Hva savner du i det lokale kunstmiljøet?
    Et stort, ukonsentrert miljø.

    Hva jobber du med for øyeblikket?
    I oktober 2019 hadde jeg en duo-utstilling ved Kunstnerforbundet i Oslo med Ingrid Askeland under tittelen Manisk mandag. Denne utstillingen satte i gang et ønske i oss om å jobbe i samme konsept men i større format. Det jobber jeg med for tiden.

    Hvilke ambisjoner og planer har du for fremtiden?
    Ambisjonen er å hele tiden gjøre det bedre! 🙂 Det gjelder både egen kunst og KNIPSU. Nå hadde vi akkurat en oppvekker med Covid-19 der hele den grunnleggende ideen om hvordan man  viser kunst ble utfordret. KNIPSU måtte avlyse alle vårens utstillinger, heldigvis flyttet vi i samme tidsperiode og pusser for tiden opp nye lokaler som skal være klare utpå høsten, vi håper å kunne fremstå i et konsept der vi står bedre rustet om en lignende situasjon dukker opp.

    Til slutt: hvilken kollega av deg fortjener mer oppmerksomhet?
    De aller fleste, men ønsker å trekke frem de makeløse samarbeidskunstnerne i KNIPSU Thomas Thomsen og Tarik Hindic, begge meget talentfulle kunstnere som burde eksponeres non-stop.

    Bergen: Atelier til fremleie i sommer

    Atelier 202 på kunstnerverksteder CS55 er tilgjengelig for fremleie i Juli og August.
    Atelieret er på 37 kvm, det har et stort vindu fra tak til gulv og ligger i 2. etasje i C. Sundtsgate 55. 
    Leiepris pr. måned er på 3.751 kr. Ukespris kan også diskuteres.
     
    Atelieret har tilgang til tekjøkken, våtrom / dusj og toalett, og stor vareheis med innkjørsel i port.
    Kunstnerverksteder CS55 har også et treverksted tilgjengelig.